La trayectoria de Mujica parece escrita para la pantalla: militancia armada, persecución, tortura, cárcel, libertad, perdón, ascenso al poder y renuncia a los privilegios. Ese arco narrativo —habitual en las ficciones de redención— en Mujica fue real. Y por eso atrae tanto a cineastas como a públicos diversos, fascinados con la idea de que alguien pueda salir del barro de la historia sin ensuciar el alma.

En tiempos donde la política suele actuar como espectáculo vacío, Mujica se convirtió en una anomalía: dormía en una chacra, cultivaba flores y hablaba de la sobriedad como clave de la libertad. Su lenguaje era sencillo, pero no simplón; su discurso, despojado de afectación, apuntaba a lo esencial. Esa coherencia ética, ese rechazo al oropel del poder, lo volvieron protagonista de una filmografía que hoy se lee también como testamento.

1. La noche de 12 años: El infierno de los rehenes

La película que mejor encapsula el drama fundacional de Mujica es La noche de 12 años (2018), dirigida por Álvaro Brechner. Basada en el libro Memorias del calabozo, cuenta los años de prisión —de 1973 a 1985— que él y sus compañeros Mauricio Rosencof y Eleuterio Fernández Huidobro vivieron bajo la dictadura uruguaya. El régimen militar los convirtió en “rehenes”: si el movimiento Tupamaros volvía a actuar, serían ejecutados.

El film, protagonizado por Antonio de la Torre (Mujica), Chino Darín (Rosencof) y Alfonso Tort (Huidobro), no solo reconstruye hechos: los encarna. Las interpretaciones exigen una degradación física y emocional profunda, reflejando el aislamiento extremo, la incomunicación, las alucinaciones y la resistencia psicológica al límite.

“No era una película sobre la cárcel, era un viaje hacia lo más profundo del alma humana”, explicó Brechner. Y ese viaje lo es también para el espectador. La cinta no busca héroes, sino humanos que sobreviven sin perder la dignidad.

2. El Pepe, una vida suprema: el filósofo campesino

Rodado en clave observacional, El Pepe, una vida suprema (2018), del cineasta serbio Emir Kusturica, ofrece un retrato íntimo del Mujica postpresidencial. Convivió durante meses con él en su chacra, capturando escenas domésticas, reflexiones filosóficas, silencios significativos. El documental evita el tono épico: en cambio, propone una mirada paciente, casi contemplativa.

Kusturica no retrata a un político sino a un pensador. Mujica habla del amor, de la muerte, del poder, de la vejez. Su voz, a veces quebrada por el tiempo, se alza clara contra el ruido del mundo. Lo que emerge no es un retrato oficial sino una meditación sobre el sentido de la vida.

Disponible en Netflix, este film no es una biografía. Es una conversación que Mujica mantiene con la cámara y, por extensión, con nosotros.

3. Pepe Mujica: El Presidente Pobre: austeridad en tiempos de cinismo

El documental Pepe Mujica: El Presidente Pobre (2014), de la realizadora suiza Heidi Specogna, se centra en los años de Mujica como presidente (2010–2015). Fue en ese período cuando el mundo lo conoció por su estilo austero: sin escoltas, sin trajes, renunciando al 90% del sueldo presidencial. En un momento de descrédito de la política, Mujica encarnó lo contrario al cinismo institucionalizado.

La cinta muestra sus giras internacionales, sus momentos en casa con su compañera Lucía Topolansky, y las contradicciones de gobernar sin perder el alma. A través de un acceso sin adornos, Specogna pinta el retrato de un mandatario que no interpreta un personaje: simplemente es.

4. La revolución tranquila: el giro ético del guerrillero

José Mujica: La revolución tranquila (2011), producida por Canal Encuentro, traza el itinerario político del líder tupamaro que pasó de empuñar armas en los años 60 a abrazar el diálogo y la democracia en el siglo XXI. Breve pero incisivo, el documental analiza su rol dentro del progresismo latinoamericano.

Testimonios de amigos, académicos y políticos muestran la tensión entre la violencia revolucionaria de antaño y la ética reconciliadora del Mujica presidente. Más que justificar su pasado, la cinta busca comprender el tránsito moral que lo define.

5. El presidente de los pobres: la figura global

Menos conocido, pero igualmente revelador, el documental mexicano El presidente de los pobres (2020), dirigido por Santiago Díaz, retrata a Mujica como referente global. En un tiempo marcado por el hiperconsumo, la desigualdad y el descrédito de las élites, su figura funciona como contramodelo: vivir con lo justo, decir lo necesario, actuar con consecuencia.

Imágenes de archivo, entrevistas y análisis cruzan la figura de Mujica con debates contemporáneos sobre ecología, justicia global y alternativas al capitalismo. Más allá del personaje, lo que se proyecta aquí es un ideal.

Mujica frente al espejo del cine

A diferencia de muchos líderes contemporáneos, cuya imagen se construye con filtros, asesores y algoritmos, Pepe Mujica se dejó filmar con todas sus arrugas, silencios y contradicciones. Las películas y documentales sobre su vida no solo relatan una historia. La interpretan. Y, al hacerlo, invitan al espectador a mirar más allá de la anécdota.

Ver cine sobre Mujica no es solo conocerlo a él. Es preguntarnos por el poder, por la ética, por nuestra forma de habitar el mundo. Mujica incomoda porque no actúa. Es. Su sobriedad no es impostura, sino filosofía. Su discurso no es guion, sino convicción. Por eso el cine lo busca: porque en su figura, el arte encuentra algo que escasea —verdad— y una forma radical de esperanza. @mundiario

La Ponderosa se ubicaba en las cercanías del lago Tahoe, en la vertiente oriental de la Sierra Nevada, en lo que hoy corresponde al estado de Nevada, muy cerca de la frontera con California. Este detalle no era menor: mientras muchas series del género operaban en territorios difusos o completamente ficticios, Bonanza apostó por una geografía real. Los Cartwright eran vecinos de Virginia City, un auténtico boomtown nacido al calor de la fiebre de plata del Comstock Lode, uno de los mayores yacimientos de este mineral descubiertos en Estados Unidos.

Virginia City, que llegó a tener más de 25.000 habitantes en su apogeo a mediados del siglo XIX, era retratada en la serie como el centro neurálgico de la vida social, comercial e institucional de la región. Allí los Cartwright hacían negocios, resolvían disputas y se relacionaban con los personajes que pasaban por el oeste. Hoy, Virginia City es una atracción turística que conserva buena parte de su arquitectura histórica y explota, con orgullo, su conexión con la serie Bonanza. En la actualidad, Virginia City alberga a unos 1.000 residentes y algunas de las casas, iglesias, salones, cementerios y otras estructuras históricas mejor conservadas del Oeste, lo que le ha valido a toda la ciudad ser incluida en el Registro Nacional de Lugares Históricos.

No muy lejos de allí, al sur, se encuentra Carson City, la capital de Nevada, que también aparecía ocasionalmente en la serie. Aunque menos presente en la trama, su mención ayudaba a situar la acción en un contexto político más amplio, especialmente cuando las tramas giraban en torno a leyes, elecciones o decisiones del gobernador territorial. Carson City tiene ahora una población de unos 60.000 habitantes.  Las principales ciudades de Nevada son Las Vegas y Reno.

En Nevada, cerca del lago Tahoe

Pero el corazón físico y simbólico de Bonanza era el lago Tahoe. Con sus aguas profundas y cristalinas rodeadas de pinos y montañas, este lago de origen glaciar aportaba un fondo escénico tan poderoso que se convirtió en una suerte de personaje más. El mapa inicial que abría cada episodio mostraba la ubicación de la Ponderosa bordeando el lago por su flanco oriental. 

La realidad geográfica tiene algo de truco —la superficie mostrada abarcaba más territorio del que razonablemente podría ocupar un solo rancho—, pero el efecto era innegable: los Cartwright eran dueños de una tierra tan vasta como hermosa, símbolo de su autonomía, su prosperidad y también de sus conflictos.  La familia Cartwright estaba formada por un hombre tres veces viudo, que había tenía un hijo con cada mujer y eran de diferente ascendencia.

Cuatro protagonistas

Los protagonistas de Bonanza eran Ben Cartwright (Lorne Greene), Adam (Pernell Roberts), Hoss (Dan Blocker) y Joe (Michael Landon). Dan Blocker interpretaba al hermano del medio, llamado Eric pero al que todos conocían como Hoss. El hijo menor era Joe. Impetuoso, su sonrisa lo sacaba de problemas. Michael Landon, entonces con 22 años –falleció en 1991 con solo 55 años–, era el más joven y atractivo del elenco. El mayor de los hijos era Adam, interpretado por Pernell Robert, un galán serio y poco dúctil. Y el padre, Ben Cartwright, era Lorne Greene, un hombre con fortuna personal pero evidente mala suerte en la serie: era viudo por triplicado.

Un episodio de Bonanza. / YouTube

Años después del final de la serie, en Incline Village, en la orilla norte del lago Tahoe, se creó un parque temático llamado Ponderosa Ranch, que recreaba el rancho y permitía a los visitantes sumergirse en el mundo de Bonanza. Aunque cerró sus puertas en 2004, fue un testimonio del arraigo que la serie logró en la memoria colectiva y en el imaginario del Oeste.

Así, Bonanza no fue solo una serie del Oeste: fue un ejercicio pionero de geografía televisiva, una historia familiar anclada en un paisaje real y cargado de historia. En un tiempo en que el western tendía a lo mítico y abstracto, los Cartwright cabalgaban por caminos que podían encontrarse en un mapa, entre pueblos que existieron —y que aún existen—, con un telón de fondo tan tangible como el azul intenso del lago Tahoe. @mundiario

El rastro nos introduce en un escalofriante doble homicidio que sacudió a una tranquila ciudad sueca en 2004. Un niño de ocho años, Adnan, es brutalmente apuñalado camino al colegio, y Gunilla, una mujer que se topa con la escena, corre la misma suerte al intentar ayudar. A partir de aquí, la trama sigue al detective John Suddin (interpretado magistralmente por Peter Eggers), quien, obsesionado con resolver el caso, promete a las familias encontrar al culpable. Sin embargo, lo que inicialmente parece un caso sencillo se convierte en una investigación de 16 años llena de callejones sin salida, tensión emocional y giros inesperados.

La serie, adaptada del libro de Anna Bodin y Peter Sjölund, logra capturar la esencia de este largo y tortuoso proceso de investigación. A pesar de la brevedad de sus episodios, El rastro consigue mantenernos en vilo gracias a su elaborada narrativa y a la complejidad de sus personajes. John Suddin no es el típico detective impoluto y seguro de sí mismo; es un hombre que enfrenta no solo los retos de su profesión, sino también los de una vida personal que se desmorona bajo la presión del caso. Su colaboración con el genealogista Per (Mattias Nordkvist) añade una dimensión fascinante al relato, explorando el impacto de las tecnologías modernas en la resolución de crímenes.

Uno de los puntos fuertes de la serie es su capacidad para equilibrar el drama humano con la tensión del thriller. Las interacciones entre Suddin y Per, llenas de roces y diferencias, son un reflejo del conflicto entre métodos tradicionales y avances tecnológicos. Además, el personaje de Karin, la testigo clave cuya memoria fragmentada obstaculiza la investigación, añade una capa extra de complejidad y desesperación.

Por supuesto, no todo es perfecto. La decisión de condensar 16 años de investigación en menos de tres horas puede resultar un tanto apabullante. Algunos momentos, especialmente en el primer episodio, avanzan a un ritmo que puede dificultar al espectador captar la magnitud del tiempo que realmente transcurre. Sin embargo, esta compresión también contribuye a la sensación de urgencia que impregna toda la serie, recordándonos la desesperación y la frustración que rodean casos de esta naturaleza.

La dirección, acompañada por una fotografía fría y melancólica, logra captar la esencia de los paisajes suecos y añade un tono sombrío que casa perfectamente con la temática. Las actuaciones, especialmente las de Peter Eggers y Jessica Liedberg, son sólidas y están cargadas de emociones genuinas, lo que eleva el impacto del relato.

El rastro no solo es un entretenido thriller policial, sino también un retrato de las complejidades humanas y las consecuencias del tiempo en la búsqueda de justicia. A pesar de sus limitaciones narrativas derivadas de su formato reducido, es una obra que merece ser vista. Para los amantes del género, esta miniserie representa una refrescante apuesta que combina intriga, tecnología y drama personal de manera magistral.

Netflix entrega así una joya compacta que destaca por su calidad y por su habilidad para mantener al espectador al borde del asiento. El rastro es un recordatorio de que, a veces, menos es más, y de que, incluso en la brevedad, se pueden contar grandes historias. @mundiario

Durante su presentación en el festival, Almodóvar expresó con franqueza su sentimiento de urgencia vital: "Siento que cada día que pasa es un día menos que puedo vivir". Estas palabras resuenan con una profundidad que se ve reflejada en su última obra, la cual aborda con valentía y sensibilidad el tema de la eutanasia. El director, que ha enfrentado personalmente enfermedades que han limitado su movilidad, utiliza esta película para abogar por la legalización de la eutanasia en todo el mundo. "Es terrible tener que comportarse como delincuentes", afirmó, refiriéndose a aquellos que, en ausencia de una ley que lo permita, deben recurrir a métodos clandestinos para morir con dignidad.

El paso al idioma inglés para este proyecto no fue un reto menor, pero Almodóvar lo afrontó con la misma pasión y meticulosidad que caracteriza su trabajo. "Para mí era como empezar en un nuevo género. Como la ciencia ficción", explicó. Sin embargo, encontró en las páginas de la novela Cuál es tu tormento, de Sigrid Nunez, el vehículo perfecto para contar esta historia. "Pensaba que tendría más problemas. El idioma no lo fue. Las dos [actrices] entendieron exactamente el tono con el que quería contar esta historia, contenido, nada melodramático. Y verlas actuar juntas es un festival", declaró, mostrando una vez más su capacidad para dirigir a sus actores hacia interpretaciones memorables.

Pero Almodóvar no se limitó a hablar de su película. En un mundo convulso por el ascenso de la extrema derecha y la crisis climática, el cineasta aprovechó el escenario de Venecia para lanzar un mensaje contundente. "Esta película es lo opuesto a lo que en España llamamos ‘discursos del odio’. Querría mandar un mensaje por todos esos niños sin acompañamiento que luchan por llegar a nuestras fronteras. La extrema derecha pretende que el Gobierno envíe a la marina para que no entren, y convertirlos incluso en invasores. Es delirante, es injusto, profundamente estúpido", sentenció con claridad.

Asimismo, Almodóvar conectó la agonía de su personaje principal con la crisis global que enfrenta nuestro planeta: "El cambio climático no es una broma. No sé cuántas demostraciones necesitamos para verlo. La única solución, aunque tal vez peque de pretencioso, es que cada uno desde su lugar se manifieste en contra de este negacionismo". Estas palabras muestran a un Almodóvar no solo comprometido con su arte, sino también con el futuro del mundo en el que vivimos.

El cineasta no dejó de reconocer el apoyo y las palabras que le dedicaron sus protagonistas, Swinton y Moore, quienes elogiaron la fuerza vital que emana de sus películas. "Hay una fuerza vital muy poderosa en las películas de Pedro. Se siente latir el corazón de todos", comentó Moore, mientras que Swinton agregó: "Siempre ha estado en el centro de los movimientos y cambios culturales de estos años. Ha seguido siendo el maestro que siempre ha sido. Su frescura y disciplina me inspiran".

Pedro Almodóvar no solo sigue siendo un faro en el mundo del cine, sino también una voz relevante y comprometida con las grandes cuestiones de nuestra era. En Venecia, no solo celebró el estreno de su primera película en inglés, sino que también demostró, una vez más, que su cine es un reflejo de sus pasiones, miedos y convicciones más profundas. Almodóvar continúa inspirando a quienes lo rodean, mientras sigue explorando los rincones más oscuros y luminosos de la condición humana. @mundiario

Protagonizada por Verónica Echegui, quien interpreta a Carmen Costa, una jueza que encarna el conflicto central de la trama, Justicia artificial nos lleva a explorar las tensiones entre tecnología y humanidad. El elenco se completa con Alberto Ammann en el papel de Álex, Tamar Novas como Brais y Alba Galocha interpretando a Alicia Kóvack.

La cinta es una coproducción de Justicia Artificial A.I.E, Gerardo Herrero y Mariela Besuievsky de Tornasol Media, conocida por títulos como El reino y El secreto de sus ojos. También participa Chelo Loureiro de Abano Produccións, responsable de El sueño de la sultana, en colaboración con Ukbar Filmes de Portugal. La película cuenta con la participación de RTVE, RTVG y Prime Video, y ha recibido el apoyo del ICAA y AGADIC (Xunta de Galicia).

En cuanto a la distribución, A Contracorriente Films se encargará de su lanzamiento en España, mientras que Latido Films gestionará las ventas internacionales.

La trama de Justicia artificial arranca cuando el Gobierno español propone un referéndum para aprobar un sistema de inteligencia artificial en la administración de justicia. Este sistema promete automatizar y despolitizar los tribunales, sustituyendo en la práctica a jueces y juezas en todo el país. El anuncio desata una intensa campaña electoral, donde el Gobierno, aliado con la empresa tecnológica creadora del sistema, se enfrenta a la carrera judicial, que defiende el carácter humano e insustituible de la justicia.

Carmen Costa, una jueza de prestigio, es invitada a colaborar en el desarrollo del proyecto. Sin embargo, la repentina desaparición de Alicia Kóvack, la mente detrás del sistema, despierta en ella una profunda desconfianza. A medida que investiga, Carmen empieza a descubrir lo que parece ser solo la punta del iceberg de una conspiración destinada a controlar a todo un país a través de su sistema judicial. @mundiario

Desde el primer episodio, Mad Men deja claro que no se trata solo de crear campañas publicitarias, sino de entender las complejidades de la identidad humana. Don Draper, un hombre enigmático con un pasado sombrío, se mueve con una mezcla de confianza y desesperación, ocultando un secreto que amenaza con desmoronar la vida que ha construido cuidadosamente. La actuación de Hamm es sutil y poderosa, capturando a la perfección las contradicciones de un hombre que lo tiene todo, pero que se siente vacío por dentro.

La serie, creada por Matthew Weiner, destaca por su meticulosa atención al detalle. Cada episodio es un viaje a una época en la que la moda, la música y las actitudes sociales estaban cambiando radicalmente. El diseño de vestuario es impecable, transportando a los espectadores directamente a los años 60, mientras que los decorados y la cinematografía crean un ambiente que es tan atractivo como evocador.

Más allá de su estética, Mad Men es una profunda exploración de las relaciones humanas y las dinámicas de poder, tanto en el lugar de trabajo como en el hogar. Los personajes que rodean a Draper, como Peggy Olson (interpretada por Elisabeth Moss), muestran el crecimiento y las luchas personales en un mundo que está en plena transformación. Peggy, quien empieza como secretaria y evoluciona hasta convertirse en una escritora respetada, es un ejemplo de la tenacidad y el cambio en un tiempo dominado por los hombres.

La narrativa de Mad Men es rica y compleja, tejiendo historias que exploran el auge y la caída de sus personajes en un entorno de presión constante por sobresalir. El guion es brillante, lleno de diálogos ingeniosos y escenas cargadas de tensión emocional, que hacen de cada capítulo una experiencia inmersiva.

No es de extrañar que Mad Men haya sido aclamada por la crítica, obteniendo numerosos premios, incluidos quince premios Emmy y cuatro Globos de Oro. Es una serie que ha dejado una huella imborrable en la televisión, siendo pionera en establecer un nuevo estándar de calidad en las producciones dramáticas. La autenticidad histórica, combinada con la profundidad psicológica de sus personajes, convierte Mad Men en un estudio imprescindible sobre el poder, la ambición y la búsqueda de identidad.

Disponible ahora en Netflix, Mad Men es más que una serie para ver; es una experiencia que invita a reflexionar sobre los cambios sociales y personales que definieron una de las décadas más influyentes de la historia moderna. Un drama de época que, sin duda, permanecerá en la memoria colectiva como uno de los mejores jamás creados. @mundiario

Miami es una ciudad de contrastes, y es precisamente esta dualidad la que la convierte en un escenario fascinante para la novela negra. En medio de los rascacielos relucientes y los lujosos yates, existen barrios donde el crimen, el narcotráfico y la desesperanza dibujan un paisaje muy diferente al de las postales turísticas. Esta tensión entre lo visible y lo oculto es el combustible que impulsa las historias más crudas y realistas del género.

Autores como Carl Hiaasen y Edna Buchanan han aprovechado este telón de fondo para construir tramas que exponen las entrañas de una ciudad donde la riqueza y la miseria, el poder y la debilidad, coexisten en un equilibrio precario. Hiaasen, por ejemplo, utiliza el humor negro y la sátira para desmenuzar las corruptelas políticas y los delitos ambientales que asolan a la Florida, mientras que Buchanan, una veterana periodista, aporta una perspectiva periodística y aguda sobre los crímenes que han sacudido a Miami a lo largo de los años.

A Carl Hiaasen y Edna Buchanan se suma ahora Andrés Hernández Alende, autor de El ocaso, una novela imprescindible para los amantes del género negro y de la narrativa contemporánea que refleja con crudeza la realidad social. En sus 179 páginas, esta obra nos sumerge en el oscuro y fascinante mundo de Fernando Estrada, un detective privado que se enfrenta a una intrincada investigación sobre el asesinato de la amante de un poderoso magnate. Sin embargo, la historia va mucho más allá de un simple caso criminal.

El autor, Andrés Hernández Alende, es columnista de MUNDIARIO. Nacido en Cuba, este escritor y periodista vive en Miami, donde también es colaborador del diario El Nuevo Herald y de la revista Suburbano, al tiempo que mantiene un blog titulado El Blog de Alende. Ha publicado cinco novelas: El paraíso tenía un precio, El ocaso –entre las cinco finalistas del Premio de Novela de Concurso Latino de 2013–, De un solo tajo, Bajo el ciclón y La espada macedonia. A su obra Trump, ¡estás despedido!: El ascenso y la caída de un magnate en la Casa Blanca (Mundiediciones) le dio continuidad con el libro Biden y el legado de Trump, también del sello editorial de este periódico, al igual que ahora El ocaso y, con anterioridad, La espada macedonia. 

Ambientada en el Miami de las décadas de los 70, 80 y 90 del siglo pasado, El ocaso se erige como un testimonio implacable de una ciudad devorada por el hampa y la corrupción, donde la promesa del sueño americano se desvanece para la mayoría, dejando tras de sí una estela de miseria y desolación. A través de los ojos de Estrada, el lector es llevado a recorrer los barrios más peligrosos y las oficinas más corruptas, donde el poder y el crimen organizado se entrelazan en una danza siniestra que afecta a todos, desde los más altos ejecutivos hasta los ciudadanos más humildes.

Temas de las obras dedicadas a Miami con Miami Vice en el recuerdo

En general, la novela negra ambientada en Miami no solo se nutre de la atmósfera de la ciudad, sino también de su historia real. La crisis de los refugiados cubanos, la epidemia de crack de los años 80, y los conflictos raciales son algunos de los eventos que han dejado una huella imborrable en la urbe y que los autores han utilizado como contextos para sus relatos.

El éxito de series de televisión como Miami Vice en los 80, aunque más estilizada y glamurosa, ayudó a cimentar la imagen de Miami como un lugar donde el crimen es tan parte del paisaje como las palmeras. Esta representación ha sido retomada y profundizada por la literatura, donde los detectives privados, los policías corruptos, y los gánsteres no son solo personajes, sino reflejos de una realidad compleja.

Para muchos escritores de novela negra, Miami es un personaje en sí mismo. Su clima tropical, que parece aumentar la tensión en cada página, y su multiculturalidad, que ofrece una rica paleta de personajes y situaciones, hacen de esta ciudad un imán para los autores. Las calles de Little Havana, los clubes nocturnos de South Beach, y las exclusivas residencias de Coral Gables se convierten en escenarios donde se despliegan tramas llenas de intriga, violencia y redención.

Pero no todo en la novela negra de Miami es sombrío. El humor y la ironía a menudo salpican estas historias, subrayando la absurda coexistencia de la luz y la oscuridad en la ciudad. Este enfoque le permite a la novela negra no solo explorar los aspectos más oscuros de la condición humana, sino también ofrecer una crítica mordaz y entretenida de la sociedad.

La atracción de Miami como escenario de novelas negras no muestra signos de desvanecerse. Con cada nueva obra, la ciudad continúa revelando capas de su personalidad oculta, ofreciendo a los lectores un viaje al lado más oscuro del sueño americano. Bajo el sol abrasador, donde las sombras son más intensas, Miami sigue siendo un escenario ideal para las historias de crimen, corrupción y complejidad moral que definen a la novela negra. @mundiario

El autor, Andrés Hernández Alende, es columnista de MUNDIARIO. Nacido en Cuba, este escritor y periodista vive en Miami (Florida, EE UU), donde también es colaborador del diario El Nuevo Herald y de la revista Suburbano, al tiempo que mantiene un blog titulado El Blog de Alende. Ha publicado cinco novelas: El paraíso tenía un precio, El ocaso –entre las cinco finalistas del Premio de Novela de Concurso Latino de 2013–, De un solo tajo, Bajo el ciclón y La espada macedonia. A su obra Trump, ¡estás despedido!: El ascenso y la caída de un magnate en la Casa Blanca (Mundiediciones) le dio continuidad con el libro Biden y el legado de Trump, también del sello editorial de este periódico, al igual que ahora El ocaso y, con anterioridad, La espada macedonia. 

Ambientada en el Miami de las décadas de los 70, 80 y 90 del siglo pasado, El ocaso se erige como un testimonio implacable de una ciudad devorada por el hampa y la corrupción, donde la promesa del sueño americano se desvanece para la mayoría, dejando tras de sí una estela de miseria y desolación. A través de los ojos de Estrada, el lector es llevado a recorrer los barrios más peligrosos y las oficinas más corruptas, donde el poder y el crimen organizado se entrelazan en una danza siniestra que afecta a todos, desde los más altos ejecutivos hasta los ciudadanos más humildes.

La fuerza de la novela reside en la capacidad de su autor para pintar un cuadro vívido y detallado de esta realidad sombría. Su pluma descriptiva, valorada por la editorial Mundiediciones, conduce a un Miami que poco tiene que ver con las postales turísticas y mucho con un paisaje urbano marcado por la desigualdad, la desesperanza y la violencia. Es en este contexto en el que Fernando Estrada se desenvuelve, no solo como un investigador sagaz, sino como un observador crítico de la sociedad que lo rodea.

Más allá de la trama principal, El ocaso se distingue por entrelazar otras historias que, aunque secundarias, son esenciales para la comprensión completa del universo en el que opera Estrada. Estas subtramas son un verdadero campo de entrenamiento para los detectives novatos, quienes encontrarán en ellas una exploración profunda de los móviles del comportamiento humano, clave para la resolución de cualquier caso.

El autor no se contenta con narrar una simple aventura; construye un relato que exige la participación activa del lector, quien deberá ir más allá de los hechos para descubrir las motivaciones y los secretos que se ocultan tras cada personaje. Esta es, sin duda, una de las mayores virtudes de la novela: su capacidad para mantener al lector en vilo, obligándolo a cuestionarse constantemente sobre la naturaleza de la verdad y la justicia.

El ocaso no solo tiene el potencial de convertirse en una trilogía, sino que también es un posible candidato para ser adaptado a una serie de televisión. Su estructura narrativa, rica en detalles visuales y diálogos afilados, se presta perfectamente a un formato audiovisual que podría explotar aún más el universo creado por su autor. La historia de Fernando Estrada es, sin duda, una que merece ser contada en múltiples plataformas, y los lectores de esta novela estarán ansiosos por ver cómo evoluciona su personaje en futuras entregas.

El ocaso es, en definitiva, una novela que sobresale por su capacidad para combinar una trama de acción absorbente con una crítica social mordaz. A través de la mirada de Fernando Estrada, el autor ofrece una visión descarnada de Miami, convirtiendo esta obra en una lectura obligada para quienes buscan algo más que un simple entretenimiento en el género negro. La novela no solo promete, sino que cumple, dejando al lector con una profunda reflexión sobre la sociedad y los oscuros rincones que la conforman. @mundiario

Harrison Ford (Chicago, Illinois, 1942) recibió por sorpresa una Palma de Oro honorífica coincidiendo con la proyección (fuera de competición) de Indiana Jones y el dial del destino. "Es extraordinario ver toda tu vida en un instante”, comentó.

Indiana Jones, según el American Film Institute, es el segundo héroe más grande de la historia del cine. Solo por detrás del abogado Atticus Finch, encarnado por Gregory Peck, en Matar un ruiseñor.

Harrison Ford resuena siempre con fuerza en la industria del cine. A lo largo de su extensa carrera, este talentoso actor ha cautivado al público con su carisma, versatilidad y presencia en la pantalla grande. Desde su emblemático papel como Han Solo en Star Wars hasta su interpretación inolvidable como Indiana Jones, Harrison Ford ha dejado una huella imborrable en la historia del cine.

Su interés por la actuación se desarrolló temprano, pero su camino hacia el estrellato no fue fácil. Después de varios papeles menores en televisión y cine, Harrison Ford finalmente obtuvo su gran oportunidad en 1973 con el papel de Han Solo en Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza. El personaje se convirtió en un fenómeno cultural y catapultó a Harrison Ford al estrellato de la noche a la mañana.

Conocido por interpretar a personajes icónicos que se han convertido en referentes del cine –uno de ellos es Indiana Jones, el arqueólogo aventurero que protagoniza la saga de películas creada por Steven Spielberg y George Lucas–, Harrison Ford afloró un carisma y una valentía que hicieron de Indiana Jones un ícono cinematográfico, combinando acción, humor y una dosis de intriga histórica.

El legado de Harrison Ford en el cine es innegable. Sus interpretaciones memorables y su habilidad para dar vida a personajes emblemáticos han dejado una marca imborrable en la historia del séptimo arte. Además de su éxito en taquilla, ha sido reconocido por su talento con numerosos premios y nominaciones a lo largo de su carrera; el último su Palma de Oro honorífica en Cannes. @mundiario

Vuelve, como cada mes de mayo, el Festival de Cannes, todo un festival de cine de categoría A, celebrado anualmente en la ciudad francesa de Cannes y acreditado por la FIAPF, junto con los festivales de Berlín, San Sebastián, Mar del Plata y Venecia, entre otros. Cannes pudo haber arrancado un poco antes pero no fue posible hasta 1946 debido a la II Guerra Mundial; tampoco se celebró en 2020 por la pandemia de coronavirus

Cannes constituye uno de los eventos más prestigiosos y famosos en el mundo del cine. Y así volverá a suceder este mes de mayo entre los días 16 y 27, en una ocasión para que cineastas y actores de todo el mundo presenten sus últimas películas y compitan por la Palma de Oro, el máximo galardón que se otorga en este festival.

Cerrar los ojos, la primera película de Víctor Erice en 30 años, se verá en el festival de Cannes junto con lo último de Almodóvar. El certamen francés también mostrará las nuevas obras de Martin Scorsese, Wes Anderson, Steve McQueen, Wim Wenders o la nueva entrega de Indiana Jones, entre otros.

El festival surgió como una iniciativa para fomentar la cultura cinematográfica y promover la paz después de la II Guerra Mundial. Desde entonces, se ha convertido en un punto de encuentro para la industria del cine y ha sido el escenario de algunos de los momentos más destacados en la propia historia del cine.

Cada año, Cannes atrae a celebridades de la industria cinematográfica, incluyendo directores, actores, guionistas y productores de todo el mundo. Las proyecciones de las películas se llevan a cabo en el Palacio de Festivales y Congresos, donde se presentan algunas de las películas más esperadas del año. También hay una serie de eventos paralelos, incluyendo conferencias, debates, exposiciones y fiestas, que hacen de Cannes una experiencia única.

Objetivo: la Palma de Oro

Sin embargo, la característica más destacada del Festival de Cannes es la competición oficial por la Palma de Oro. La selección de las películas que compiten por este galardón es muy cuidadosa y está limitada a un número selecto de producciones. Los jueces, que son nombrados por el festival, se encargan de evaluar las películas en función de una serie de criterios, como la originalidad, la calidad cinematográfica, la interpretación y la dirección.

En la historia del Festival de Cannes, se han presentado algunas de las películas más icónicas e influyentes de todos los tiempos. Desde clásicos como Taxi Driver y Pulp Fiction, hasta éxitos más recientes como Parasite y The Square, la lista de películas premiadas es un testimonio de la importancia y el impacto que este festival ha tenido en la cultura cinematográfica.

Además de la competición oficial, el festival también tiene secciones como Una Cierta Mirada y La Quincena de los Realizadores, que ofrecen una plataforma para que cineastas emergentes y talentosos muestren sus trabajos. Estas secciones han sido responsables de dar a conocer a algunos de los cineastas más influyentes del mundo, como Wong Kar-wai y Quentin Tarantino.

Uno de los grandes eventos de la industria del cine

El Festival de Cannes es un evento que atrae la atención mundial de la prensa, lo que significa que la ciudad se llena de fotógrafos, periodistas y fans del cine. Pero también es un lugar de trabajo para aquellos que trabajan en la industria del cine, lo que lo convierte en una oportunidad única para hacer contactos y establecer conexiones en la industria. El Festival de Cannes es, en definitiva, una celebración de la cultura cinematográfica que reúne a algunos de los cineastas y actores más talentosos del mundo. Con su larga historia, su importancia en la cultura del cine y su prestigioso premio Palma de Oro, es fácil ver por qué Cannes es considerado uno de los eventos más importantes en la industria del cine. @mundiario

El 19 de abril es un día muy amarillo y lleno de humor, una fecha especial para aquellos que han crecido riendo y aprendiendo de las aventuras de la familia más famosa de Springfield y de la televisión. Sí, nos referimos a Los Simpsons.

Desde su debut en la televisión hace más de tres décadas, la serie se ha convertido en un todo fenómeno cultural con una influencia que se extiende mucho más allá de la pantalla. Los Simpsons han entretenido e inspirado a generaciones de espectadores, dejando una huella indeleble en la cultura popular con su humor ingenioso, su capacidad para abordar temas sociales y políticos relevantes, y su elenco de personajes inolvidables.

Los Simpsons comenzaron como un segmento del programa The Tracey Ullman Show, en 1987, para posteriormente dar el salto como programa independiente tan sólo dos años más tarde. Creada por el maestro de la comedia Matt Groening, la serie se centró en la vida de una familia de clase trabajadora de Springfield, una ciudad ficticia de Estados Unidos.

El reparto incluía al patriarca de la familia, Homer, la matriarca, Marge, y sus tres hijos, Bart, Lisa y Maggie. La serie presentó un humor inteligente, mordaz y crítico, y la audiencia se enamoró rápidamente de sus personajes excéntricos, sus tramas divertidas y sus momentos memorables.

Como hemos mencionado, la serie debutó en su propio programa en 1989, y desde entonces ha sido una parte integral de la cultura popular. Con su humor mordaz, su ingenio inteligente y sus personajes entrañables, Los Simpsons se han convertido en un programa de televisión de culto que ha dejado una huella indeleble en la historia de la pantalla chica, ofreciendo una visión irreverente y cómica de la vida cotidiana de la clase trabajadora estadounidense. Pero la verdadera magia de Los Simpsons radica en su influencia cultural.

Uno de los aspectos más importantes de la influencia cultural de Los Simpsons es su capacidad para comentar sobre la sociedad en la que vivimos. A través de la familia Simpson y los personajes de Springfield, la serie ha abordado temas sociales y políticos relevantes, desde el medio ambiente y la religión, hasta la política y la discriminación racial y étnica. En varios episodios, de hecho, la serie ha cuestionado el racismo y la intolerancia que aún existen en nuestra sociedad. Por ejemplo, en el episodio Much Apu About Nothing ("Mucho Apu y pocas nueces", en España) el personaje de Apu, propietario de una tienda de conveniencia, es víctima de discriminación y racismo en su propia comunidad.

Otro aspecto clave de la influencia cultural de Los Simpsons es su capacidad para crear un lenguaje propio, y es que la familia más famosa de la televisión ha logrado algo que pocos programas de televisión han podido alcanzar: crear un lenguaje propio que ha influido en la cultura popular de todo el mundo. Siendo honestos, ¿quién no ha escuchado alguna vez la frase "¡Ay, caramba!" y pensado casi automáticamente en Bart Simpson? ¡Y qué decir de la icónica expresión "¡D'oh!" (de Homero) cuando alguien se da cuenta de que ha cometido un error! Incluso la palabra "embiggen", inventada en el episodio Lisa the Iconoclast ("Lisa, la iconoclasta, en España"), ha encontrado su lugar en el diccionario Merriam-Webster. El universo de Los Simpsons está lleno de elementos lingüísticos únicos y reconocibles al instante.

El legado de Los Simpsons es verdaderamente impresionante. La serie ha sido elogiada por su capacidad para ser una comedia para toda la familia que a la vez es sofisticada e inteligente. La familia amarilla ha utilizado su humor ingenioso y provocativo para cuestionar y desafiar las normas establecidas y fomentar el debate sobre temas importantes. A lo largo de las décadas, Los Simpsons se han convertido en una fuerza cultural influyente, y su capacidad para abordar temas importantes de manera audaz y rigurosa es una de las razones por las que la serie sigue siendo relevante hasta el día de hoy. @mundiario

El cine y las series han sido –y siguen siendo– parte de la cultura popular durante décadas, y han evolucionado significativamente en los últimos años. Tanto el cine como las series han sido una fuente de entretenimiento y diversión para millones de personas en todo el mundo, y han llegado a ser parte integral de sus vidas.

En primer lugar, el cine ha sido un medio importante para contar historias y transmitir mensajes a lo largo del tiempo. El cine ha evolucionado desde sus comienzos como películas mudas y en blanco y negro hasta las películas de alta definición y con efectos especiales de última generación. Las películas pueden transportar hoy a los espectadores a mundos imaginarios y hacerles sentir emociones que no experimentarían en su vida cotidiana.

Las series de televisión, por otro lado, han crecido en popularidad en los últimos años, gracias a la tecnología digital que permite a los espectadores ver programas de televisión en línea en plataformas como Netflix, Prime Video o Disney+. Las series de televisión se han convertido en un medio para contar historias más complejas y profundas, y ofrecen una forma única de explorar personajes y relaciones a lo largo de varios episodios.

La forma en que el cine y las series han sido producidos y consumidos ha cambiado significativamente. Con la tecnología digital, el cine y las series se han vuelto más accesibles para las personas de todo el mundo. Los cineastas creadores y series pueden ahora producir y distribuir sus obras a través de Internet, lo que significa que se han abierto nuevas oportunidades para la diversidad en el cine y la televisión.

Son varios los medios de comunicación que hacen seguimientos a diario de estas plataformas, entre ellos la edición CINE&SERIES de MUNDIARIO. Se adaptan así a las programaciones de las plataformas, que han cambiado la manera de ver el cine y las series.

"No cabe duda que desde que Netflix nació, la forma en la que consumimos películas y series ha cambiado para siempre. Los más puristas del cine podrán argumentar que Netflix, así como las muchísimas plataformas de streaming que hay actualmente en el mercado, no ofrece la misma experiencia que las salas, sin embargo, su presencia se ha vuelto esencial para todos aquellos que disfrutan del entretenimiento", opina Brenda Amador en spoilertime.com.

En efecto, el papel de las series de televisión ha cambiado de manera particular. Ahora, las series no solo se ven en la televisión, sino que también se pueden ver en línea, por ejemplo desde plataformas como Movistar+, Apple TV o HBOMax. En España también destaca Filmin, una plataforma de cine en línea que ofrece contenidos audiovisuales, cine de autor, independiente, cine comercial en forma de video bajo demanda en streaming y de forma legal bajo suscripción. @mundiario

As bestas, película ambientada en Galicia, triunfó en los Goya 2023, pero, por su calidad cinematográfica, sería digna de un Oscar. En realidad, hubo un cierto duelo entre As bestas y Modelo 77, saldado en favor de As bestas, premio a la mejor película.

El actor gallego Luis Zahera se hizo con el galardón de los Goya por su papel en As bestas, la película de Rodrigo Sorogoyen ambientada en una aldea gallega. En 2019, Zahera ya consiguió el mismo reconocimiento por El reino, también de Rodrigo Sorogoyen, que logró el premio a mejor director por As bestas.

El mejor actor protagonista fue Denis Ménochet, por As bestas, que en el tramo final de la 37ª gala de los Goya se alzó con nueve premios, entre los que están mejor guion original para Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen, además de mejor actor de reparto –Luis Zahera– o mejor guion original, entre otros. El premio a mejor actriz protagonista fue para Laia Costa, por Cinco lobitos.

La  37ª gala de los Goya se celebró en Sevilla, presentada por Clara Lago y Antonio de la Torre. Con cinco premios, la película Modelo 77 fue la otra ganadora de la noche, reconocida por mejor maquillaje y peluquería, mejores efectos especiales, mejor dirección de arte, mejor diseño de vestuario y mejor dirección de producción.

Emoción con Carlos Saura

Por su parte, la familia de Carlos Saura suscitó un estallido de emoción en el gala de los Goya en un homenaje del cine español al director fallecido esta semana.

La muerte del autor de películas como La caza marcó la alfombra roja de una gala con películas muy celebradas por la crítica, pero, según El País, con dificultades para llenar las salas. @mundiario

Después de tres temporadas, el personaje interpretado por Penn Badgley en la serie de televisión You (Netflix) ha confirmado que es una mala persona, debido a su mente perturbada. Ahora llega la cuarta temporada, disponible desde esta semana.

Esta serie es una producción original de Netflix que se estrenó en 2018 y desde entonces ha sido un éxito rotundo. La serie ha sido aclamada por la crítica y ha ganado un gran número de seguidores en todo el mundo.

En su primera parte, la trama de You sigue a Joe Goldberg, un bibliotecario obsesionado que se enamora perdidamente de Beck, una joven escritora. A medida que la trama avanza, Joe se va enredando en una red de mentiras y secretos mientras trata de proteger su relación con Beck a cualquier costo. En entregas posteriores se repitieron de alguna manera sus manías.

Lo que distingue a You de otras series de suspense es su protagonista, Joe, que es interpretado con maestría por el actor Penn Badgley. Es un personaje complejo y retorcido que logra captar la atención del espectador, a pesar de ser un asesino en serie. You juega con los límites de la empatía del espectador hacia el personaje, haciendo que se cuestione su capacidad para entender la naturaleza humana y las motivaciones oscuras que pueden impulsar a alguien a cometer actos terribles.

Además de la trama atractiva y los personajes bien desarrollados, You también es una serie visualmente impactante. La cinematografía y la dirección son excelentes, y la serie utiliza efectivamente algunas ciudades –la primera, Nueva York– como un personaje más, creando un ambiente opresivo y sofocante que refleja la obsesión y el control de Joe sobre el amor y su vida.

Desde su estreno, You ha sido renovada y ahora sus fans están ansiosos por ver cómo continúa la historia. Si te gustan las series de suspense y quieres ver una historia intrigante con personajes complejos y retorcidos, You es una serie que no te puedes perder. A fin de cuentas, una serie oscura y atractiva que cautiva a los espectadores con su trama intensa y sus personajes complejos. Con su combinación de suspense, drama y crítica social, esta serie es una joya en la oferta de Netflix y es una recomendación obligada para los amantes del género. Disfruta de la cuarta temporada o de las anteriores si aún no las viste. @mundiario

La 37ª de los Goya será un homenaje a Carlos Saura, ya que la Academia de Cine española debe afrontar la ceremonia en la que iba a entregársele precisamente el premio de honor al director fallecido. Saura, un cineasta y director de cine español nacido en Huesca, en 1932, es conocido por su contribución al cine español y su carrera en la dirección de películas. A lo largo de su carrera, ha dirigido más de 30 películas y ha recibido numerosos premios y reconocimientos.

Carlos Saura comenzó su carrera en el cine en la década de 1950 como director de fotografía y montaje, trabajando en películas de cine de la época. Sin embargo, es en la década de 1960 cuando comenzó a dirigir sus propias películas y se convirtió en uno de los directores más importantes del cine español.

Entre sus películas más destacadas se encuentran La caza (1965), La pradera (1966), El jardín de los frijoles (1970), Cria Cuervos (1976) y El Dorado (1988). Estas películas fueron muy influyentes en la época y son consideradas como algunas de las mejores del cine español.

Además de su trabajo como director, Carlos Saura es también conocido por su enfoque en temas sociales y políticos en sus películas. A menudo aborda temas como la memoria histórica, la identidad nacional y la política en su trabajo, lo que le ha valido elogios por parte de críticos y espectadores por igual. De hecho, durante el franquismo luchó contra la censura, mientras radiografiaba los males de España y conseguía un enorme reconocimiento en el exterior.

A lo largo de su carrera, Carlos Saura ha sido galardonado con numerosos premios y reconocimientos, incluyendo premios en festivales de cine de prestigio como el Festival de Cannes y la Berlinale. En 1998, recibió el Premio Nacional de Cinematografía de España y en 2002, fue incluido en el Salón de la Fama del Cine Europeo.

El realizador de Peppermint frappé, Elisa, vida mía o Flamenco iba a recibir este sábado el Goya de Honor, por ser un cineasta y director de cine de renombre que ha dejado una huella indeleble en la historia del cine español. Con su enfoque en temas sociales y políticos en sus películas, ha sido elogiado por críticos y espectadores por igual y ha recibido numerosos premios y reconocimientos por su trabajo. Su legado continúa inspirando a futuras generaciones de cineastas y es seguido por cineastas y espectadores de todo el mundo. @mundiario

El padre de la nouvelle vague –nueva ola–, el cineasta Jean-Luc Godard, falleció en París a los 91 años. Nouvelle vague es la denominación que la crítica, especialmente la de la revista Cahiers du Cinéma, utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950.​​​

Abanderado de la revolución cinematográfica francesa que impuso el tratamiento de temas con técnicas nuevas que hasta entonces quedaban fuera de las pantallas, Jean-Luc Godard (París, 1930) –sus padres eran suizos– fue uno de los miembros más influyentes de la nouvelle vague. De hecho, revolucionó el cine en los años sesenta.

Caracterizado por su acidez crítica y por la poesía de sus imágenes, para la Wikipedia cultivó un cine "creador, vanguardista", pero "accesible en su conjunto". Jean-Luc Godard fue experimental respecto al montaje considerado clásico.

Tráiler del film Al final de la escapada. / YouTube

Al final de la escapada, en 1960, fue el primer gran triunfo internacional de Jean-Luc Godard. Se trataba de una película protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg.

Prohibido en Francia

En 1960 Jean-Luc Godard dirigió su segundo largo, El soldadito, que estuvo prohibido en Francia durante tres años. Este filme estuvo protagonizado por Anna Karina, actriz con quien se casó un año más tarde y que protagonizaría varios de sus proyectos posteriores.

Durante los años siguientes, Jean-Luc Godard colaboró con otros integrantes de la nouvelle vague como actor, codirector o productor, a la vez que dirigió películas enormemente influyentes que fueron aclamadas por la crítica cinematográfica como Banda aparte o Pierrot el loco.

A partir del film Made in USA (1966), el cine de Jean-Luc Godard, ya antes caracterizado por el radicalismo formal, incorporó un progresivo radicalismo político que cristalizó en dos largometrajes, La Chinoise y Week End, preludio de su incorporación al movimiento maoísta.

Películas más destacadas

Entre sus obras también destacan Vivir su vida (1962), El desprecio (1963), Pierrot el loco (1965), Todo va bien (1972), Salve quien pueda, la vida (1981), Yo te saludo, María (1984), Nueva ola (1990) y Éloge de l*amour (2001).

La Wikipedia también destaca que, a pesar de no lograr ningún premio en el Festival de Cannes, Jean-Luc Godard ganó el Oso de Plata en el Festival de Berlín, así como el Premio Jean Vigo.

Jean-Luc Godard mantuvo amistad con otros cineastas como François Truffaut, Eric Rohmer y Jacques Rivette. Con ellos, y junto a Claude Chabrol o Alain Resnais, formó parte de la nouvelle vague. @mundiario

Movistar Plus ha decidido rescatar a Augusto César Lendoiro y a otros grandes expresidentes del fútbol español en su nueva docuserie deportiva. La liga de los hombres extraordinarios se centrará en los presidentes más mediáticos de la liga de fútbol en España.

Augusto César Lendoiro, ahora columnista de MUNDIARIO, es licenciado en Derecho y fue concejal, diputado y senador. Presidió la Diputación de A Coruña y el Deportivo de La Coruña (1988-2014). 

El Deportivo es el noveno club español en conseguir un título de Liga (entre los 61 equipos que en algún momento han alcanzado la máxima categoría), a lo que suma dos Copas del Rey y tres Supercopas de España. Todo ello en la etapa de la presidencia de Augusto César Lendoiro. Ahora está en Primera RFEF (Segunda B) y es propiedad de Abanca, que apuesta por su recuperación para devolverlo a Primera División.

A nivel continental, ha disputado cinco ediciones de la Copa UEFA/Liga Europa, una de la Recopa de Europa y cinco de la Liga de Campeones, consecutivamente entre 2000 y 2005, alcanzando las semifinales en 2004 y siendo el sexto club español con más participaciones en la competición.

Una época para recordar

La liga de los hombres extraordinarios es una producción que se adentrará en “una época en la que el fútbol se convirtió en negocio” en España, y que tiene ya fecha de estreno: el 19 de septiembre.

Augusto César Lendoiro (Deportivo de La Coruña), Manuel Ruiz de Lopera (Real Betis), José María Caneda (SD Compostela), Joan Gaspart (FC Barcelona) y José María del Nido (Sevilla CF) centrarán la atención de este proyecto, que toma el título prestado de la obra de cómic de Alan Moore. @mundiario

Cada año visitan el Valle de Napa (California, EE UU) 4,7 millones de personas, por lo que este Napa Valley que tanto inspira al sociólogo y escritor barcelonés Lluís Tolosa ya es el segundo destino turístico más popular de California, tras Disneyland.

Todo el mundo conoce ya Napa, pero por si acaso queda alguno que no, ya tiene otra manera de visitar este valle de ensueño a través del viñedo televisivo llamado House of Kings. Si hablásemos del Napa español, seguramente estaríamos en Rías Baixas, con opciones de visitar Martín Códax –impresionante, la verdad– y de ir preparándonos para todo lo que viene en materia de enoturismo en Terras de Asorei, que no será poco.

En la serie dramática de HBO The Kings of Napa (8 episodios, temporada 1, en emisión), el negocio del vino ha traído el éxito y la aclamación de la familia de Rey, pero tras la repentina salida del patriarca de la empresa, sus tres hijos deben luchar por las riendas del reino, por su propio poder, riqueza y legado.

De entrada, Vanessa y Reginald King tienen casi todo lo que una matriarca y un patriarca poderoso y próspero podrían desear. Pero en la vida no es todo felicidad. Nada nuevo bajo el sol californiano: en los 80 ya se hizo mundialmente famosa Falcon Crest, el drama que narraba los conflictos internos de otra familia de California dedicada a la producción vinícola. En su caso, los problemas se iniciaban cuando Chance heredaba 50 acres de terreno, y a su tía Angela, quien controlaba la región, todo eso no le agradaba mucho que digamos.

The Kings of Napa es una telenovela estadounidense en horario de máxima audiencia, creada y producida por Janine Sherman Barrois, y producida por Harpo Films de Oprah Winfrey y Warner Bros. Television. La serie se estrenó en OWN el 11 de enero de este año.

The Kings of Napa. / YouTube

En el reparto principal de The Kings of Napa están Ebonée Noel (August King), Karen LeBlanc (Vanessa King), Rance Nix (Dana King) y Yaani King Mondschein (Bridgette Pierce).

¿De Napa a Rías Baixas?

Napa Valley es una zona singular que está localizada en el condado de Napa, un valle ampliamente considerado como una de las mejores regiones de vino de todos los Estados Unidos. Su historia data del siglo XIX.

La combinación del clima mediterráneo, geografía y geología del valle contribuyen a que las uvas de vino de Napa sean de gran calidad. Como en Rías Baixas, aunque aquí todavía sin serie, tal vez a la espera de que a la ya consagrada productora coruñesa Emma Lustres, de Vaca Films, se le ocurra algo brillante que coloque a Luis Tosar al frente de Los Reyes de Rías Baixas o de un Falcon Crest inspirado por el popular periodista de Cambados Roque Durán, cuya otra faceta –como Xosé Ramón Durán– es la de emergente empresario del vino.

Ya hubo visita de Xosé Ramón Durán –y por supuesto de Roque Durán– a la adega californiana de Falcon Crest, y la suya –Terras de Asorei– puede terminar siendo un buen plató. Al tiempo. @mundiario

El australiano Baz Luhrmann decidió acudir al Festival de Cannes para presentar al mundo Elvis, su primera película desde la personal adaptación del clásico El gran Gatsby que inauguró el festival francés en 2013. La familia de Elvis Presley ya ha mostrado su apoyo público a este film con ribetes míticos sobre el rey del rock. "Esta historia es sobre la relación de Elvis y el coronel Parker. Es una historia real contada de manera brillante y creativa que solo Baz, en su forma artística única, podría haber entregado", indicó Priscilla, que fue su mujer hasta 1973.

Elvis Presley revive, pues, de la mano de Baz Luhrmann. Y reina en Cannes vestido de Prada, ya que la firma italiana ha compartido las primeras imágenes de los actores Austin Butler, Olivia DeJonge y Tom Hanks caracterizados para la película sobre el rey del rock del director australiano.

La historia de Elvis (Butler), un drama completamente cinematográfico, se ve a través del prisma de su complicada relación con su enigmático representante, el coronel Tom Parker (Hanks). Contada precisamente desde la óptica de Parker, la película se adentra en la compleja dinámica entre ambos a lo largo de más de 20 años, desde el ascenso a la fama de Elvis Presley hasta su estrellato sin precedentes; con el telón de fondo de la evolución del panorama cultural y la pérdida de la inocencia en Estados Unidos. En el centro de ese viaje está una de las personas más significativas e influyentes en la vida de Elvis, Priscilla Presley (Olivia DeJonge).

Solo queda un mes para que este biopic llegue a los cines, de ahí que Warner Bros. haya lanzado un nuevo tráiler de un biopic protagonizado por el desconocido Austin Butler y el veterano Tom Hanks. 

Tráiler de Elvis. / YouTube

Este año se cumplen 45 de su muerte

"Ninguna muerte, desde la del expresidente John Fitzgerald Kennedy, había conmovido tanto al pueblo norteamericano", se dijo tras el fallecimiento de Elvis Presley, el rey del rock and roll, en 1977. Han pasado ya 45 años.

Este 16 de agosto será el aniversario de la muerte de Elvis Presley (Tupelo, Misisipi, 1935) en su mansión de Memphis (Tennessee) a causa de un ataque cardíaco, cuando tenía 42 años.

Su gran concierto de Hawaii –el primero de sus características retransmitido por vía satélite– había sido cuatro años de su muerte, en 1973. El jueves 8 de enero de este año 2022, Elvis Presley habría cumplido 87 años. Ahora su legión de fans programa su llegada en agosto a Memphis.

Elvis nació en verdaderas condiciones de miseria

La figura del mítico Elvis está asociada estrechamente a Memphis, donde murió, y donde está su casa-museo, Graceland, todo un reclamo turístico. Allí está sepultado el rey del rock, junto al río Mississippi, en la tierra de la música de blues y de las grandes barbacoas. Pero Elvis vino al mundo en una casa mucho más modesta, que también se conserva. Está a unos 175 kilómetros de Memphis, en Tupelo (Misisipi), donde nació el 8 de enero de 1935. Es la ciudad más grande del condado de Lee y la octava población del estado de Misisipi, ahora sede de una fábrica de Toyota. Su población metropolitana es de 132.245 habitantes, sumando los condados de Lee, Pontotoc e Itawamba.

En Tupelo hay una estatua de bronce del tamaño de Elvis a los 13 años del escultor Michiel Van der Sommen. Está cerca de la pequeña casa de madera donde nació Elvis, que está abierta al público. Elvis nació en verdaderas condiciones de miseria: su madre estaba continuamente enferma y su padre tenía sólo empleos ocasionales.

El festival anual de Elvis Presley se celebra a principios de junio y atrae a los amantes de su música de todo el mundo. Cerca de allí se encuentra Johnnie's Drive-in, un restaurante que fue frecuentado por el cantante, y tiene varios elementos de menú que se refieren a él. Elvis Presley todavía genera un movimiento de 1 millón de álbumes vendidos al año. Los discos que aún vende el rey del rock and roll son físicos, no digitales, algo que ha alimentado a esta industria durante años. La música de Presley genera unos 55 millones de dólares al año y su mansión Graceland también produce un ingreso multimillonario en venta de entradas, souvenirs y visitas. @mundiario

El Cine Mahía, nacido en una época en la que hacían películas en España Juan de Orduña, Rafael Gil o Luis Marquina, estaba en la Avenida de Santa Minia, en Brión (A Coruña).

En la zona de influencia de Compostela, de aquella –diez años después de finalizada la Guerra Civil– había cines en Brión, Arzúa, Melide, Negreira, Ordes, Padrón, Santa Comba, Teo y Val do Dubra, además de en Santiago.

Jesús Ángel Sánchez García, investigador responsable del inventario y selección de salas cinematográficas, de la Universidad de Santiago de Compostela, autor de Las salas de cine en España. Evolución histórica, arquitectura y situación actual, sitúa el edificio del Cine Mahía en 1949. Sostiene que "las más escasas derivaciones del racionalismo" se diluyeron "entre el academicismo e historicismos dominantes", en "un monótono panorama del que también se evadieron los últimos edificios regionalistas", entre ellos el del Cine Albéniz de Málaga (1945), Teatro Cine Fraga de Vigo (1948) y el Cine Mahía de Brión (1949).

Una vez cerrado, ya con las películas de Joselito en el recuerdo –El pequeño ruiseñor (1956), Saeta del ruiseñor (1957), El ruiseñor de las cumbres (1958) o El caballo blanco (1961)–, el local del cine de Brión aún acogió en los años 70 algunos eventos, entre ellos un concurrido mitin de Xosé Manuel Beiras organizado por la asociación cultural O Sacho, saldado con una fuerte polémica con el entonces alcalde de Negreira, el médico José Domingo Vidal Martínez (1926 - 1994), a propósito de la controvertida instalación de una planta celulosa que no llegó a construirse en Brión.

Dos alturas con tejado a cuatro aguas

El Cine Mahía de Brión ocupó un edificio de planta rectangular y dos alturas con tejado a cuatro aguas. La fachada muestra tres ventanas equidistantes con un entablamiento de inspiración dórica, rematadas en arcos de medio punto, haciendo juego con las dos grandes arcadas que dan paso a las entradas del cine de la primera planta.

En los arcos de la entrada tiene una filigrana de hierro y la billeteira está situada en un lateral. Allí había trabajado como cajero en los últimos años de su vida el maestro Magariños, discípulo de Chané, quien compuso decenas de piezas musicales y nunca percibió nada por ellas. Hoy la Escuela Municipal de Música de Brión lleva incorporado su nombre en la denominación oficial: Escuela Municipal de Música Magariños.

La creatividad de Susana Blasco

El año pasado, este antiguo cine de Brión recibió como residente a Carmiña Castro, una supuesta viajera entre tiempos hecha de los trozos de vida de vecinas de antaño, gracias a la creatividad de Susana Blasco.

En el marco del proyecto #TransmutarCamiños de 2021, la artista transformó fotografías de retratos e historias de la vida en dos piezas  protagonizadas por un personaje femenino ficticio, que fusiona las experiencias de toda una generación de gallegas.

Con Susana colaboraron Alesandra, Elena, Esther, Marina y Virginia, compartiendo historias. Alfonso y su familia prestaron la pared para convertirla en un espacio de memoria viva. @mundiario