Este artículo examina las limitaciones atmosféricas, expone las técnicas para superarlas, y evalúa el potencial de la astronomía aficionada prestando especial atención a Conil de la Frontera y sus recursos astronómicos infrautilizados.

Limitaciones atmosféricas

La atmósfera terrestre actúa como filtro distorsionador de la luz que lo traspasa. Cuanto más bajo está un objeto en el cielo, más la sufre pues la luz tiene que recorrer más atmósfera. Ésta actúa de tres formas distintas:

Turbulencia atmosférica: degrada la nitidez de las imágenes, causando el parpadeo característico de las estrellas —titileo— y limitando la resolución alcanzable. En fotografía planetaria causa que las superficies de los astros parezcan “hervir”.

Absorción de colores: la atmósfera absorbe selectivamente ciertas longitudes de onda — especialmente ultravioleta e infrarrojo— dificultando y limitando su observación desde tierra.

Dispersión de la luz: se esparce la luz reduciendo el contraste de las imágenes — dispersión de Rayleigh y de Mie, la primera mencionada es la responsable de que el cielo sea azul—. Ésta difusión apenas sería notable si no existiera la Contaminación Luminosa, la cual se dispersa en la atmosfera opacando todo el cielo nocturno.

Contaminación lumínica

Es la emisión de luz de fuentes artificiales innecesarias y mal direccionadas que ilumina el cielo mediante las dispersiones de Rayleigh y Mie —la luz de una ciudad grande se esparce incluso a cientos de kilómetros de ella— . Constituye la forma de contaminación más absurda: se soluciona con iluminación responsable. Sin embargo, persisten farolas que literalmente apuntan más al cielo que al suelo —como las “chupa-chups”—, hay luminarias de colores inadecuados, y a menudo se alumbra de forma excesiva en horarios en que no es útil —como sucede en muchos campos de fútbol—.

Y no solo impide ver el cielo:

• Altera el ciclo circadiano, afectando a la salud
• Degrada hábitats y merma ciclos vitales
• Mal aprovechamiento de la energía (desperdiciada al cielo)

Soluciones

Los objetos astronómicos de cielo profundo son extraordinariamente débiles, requiriendo exposiciones prolongadas para poder captarlos. Para ello se emplean monturas ecuatoriales con seguimiento sidéreo —eje paralelo al de rotación terrestre que girando en dirección contraria la compensa—, permitiendo acumular tiempos prolongados de exposición.

Apilado de imágenes: Consiste en combinar decenas o cientos de exposiciones del mismo objeto para promediar el ruido electrónico y compensar la turbulencia atmosférica. El resultado son imágenes con mayor relación señal/ruido que revela detalles imposibles de capturar en una sola toma.

Filtros de banda estrecha: Los filtros Hα (656nm), OIII (501nm) y SII (672nm) aíslan longitudes de onda específicas emitidas por nebulosas de emisión, bloqueando simultáneamente gran parte del espectro contaminado por luz artificial. Esto permite capturar objetos de emisión incluso desde cielos urbanos moderadamente contaminados.

Astronomía ciudadana y potencial local

La astronomía ciudadana es crucial: acerca a las personas de a pie la ciencia que rige el universo a gran escala, generando conciencia sobre el cosmos en el que habitamos a pesar de que parece ajeno y lejano desde este pequeño punto azul que llamamos Tierra. Y dado que una imagen vale más que mil palabras, la mejor forma de mostrarlo es precisamente a través de imágenes. Existen dos formas de mostrar imágenes:

• Observación directa por telescopio: experiencia muy impactante, pero con las limitaciones de la vista humana.
• Mediante astrofotografías: permite mostrar nebulosas, galaxias y cúmulos con todo lujo de detalles y es más accesible y fácil de difundir.

Ambas se complementan como herramienta de divulgación impactante y disfrutable de gran alcance. Desde un centro astronómico accesible pueden desarrollarse múltiples actividades:

Potencial divulgativo:

• Eventos astronómicos y experiencias de observación: conjunciones, ocultaciones, eclipses, jornadas de observación nocturna y solar, etc.
• Material visual para exposiciones y redes sociales.
• Talleres prácticos y concienciación sobre contaminación lumínica

Proyectos científicos:

• Fotometría y detección exoplanetaria (colaboración con AAVSO): medición de brillo estelar, tránsitos planetarios, seguimiento de novas/supernovas.
• Espectroscopía y astrometría de asteroides/cometas.
• Observación y documentación planetaria: rotación, fenómenos atmosféricos (tormentas jovianas, tormentas de arena de Marte), eclipses extraterrestres y seguimiento de la actividad solar.

Estas imágenes son ejemplos de lo que se puede capturar desde un cielo urbano. La primera muestra un evento de ocultación planetaria —la Luna pasó por delante de Saturno—, la segunda se trata de una nebulosa de emisión —para la cual se usó filtros restrictivos de Hα y OIII que eliminan casi totalmente la contaminación luminosa—, y la tercera es un eclipse solar parcial.

Conclusión

Las limitaciones atmosféricas y de contaminación pueden compensarse con técnicas accesibles, permitiendo astrofotografías científicamente válidas y muy potentes en divulgación.

Aquí en Conil de la Frontera se dispone de un Observatorio Astronómico que está en desuso y que cuenta con una capacidad muy superior al equipo empleado para las imágenes de este artículo, podría desarrollar divulgación de alto impacto —jornadas de observación, redes sociales, reconocimientos NASA/ESA— y ciencia, más aún con la comunidad creciente de éste sector y las asociaciones astronómicas cercanas además del turismo asociado. Su activación potenciaría ciencia ciudadana, divulgación efectiva y concienciación sobre contaminación lumínica.

Todas las fotografías aquí expuestas son de autoría de Sebastián Fernández Lora, a excepción de “IC 410” y el “Eclipse parcial y manchas solares”, que son fruto del trabajo colaborativo con otros astrofotógrafos.

Este artículo ha sido expuesto a modo de poster en el I Congreso de Divulgación Científica de Conil organizado por la Asociación Conil Con Ciencia en Conil de la Frontera, del 17 al 19 de abril de 2026, realizado por Sebastián Fernández Lora. Puedes encontrar su trabajo fotográfico en: https://linktr.ee/SebasFL. @mundiario

Los 30 años, que ya son algo, que ha cumplido el lanzamiento del mítico y genial disco de Revólver El Dorado, llevó a Carlos Goñi y su equipo a la carretera nuevamente, a recorrer 11 ciudades a lo largo de la geografía española, siendo esta la manera de conmemorar esta efemérides, para deleite de sus seguidores de siempre y de los que se han subido al tren revolvero hace no tanto tiempo.

Aunque por el número de conciertos a Carlos Goñi no le gusta llamarlo gira, ni siquiera minigira, quizás podríamos decir ciclo de conciertos, el caso es que ha sido según ha admitido el propio artista, de las mas bonitas que ha vivido a lo largo de su carrera, en las 11 citas ha colgado el cartel de entradas agotadas, 11 ciudades, 11 noches de comunión absoluta entre banda y público que quedará en los mas dulces recuerdos de todos, tanto los que estaban sobre el escenario como del público asistente.

Por cierto, fueron 11 conciertos, el mismo que número de canciones tiene el disco contando la instrumental, ¿seria ese el motivo del número de conciertos?

En cada uno de esos conciertos se pudieron disfrutar todas las canciones de El Dorado en directo y con el orden que habían sido editadas en el disco, excepto la instrumental «Dios en agosto está de vacaciones», que sonaba al inicio del concierto mientras los músicos iban apareciendo y tomando posiciones en el escenario.

Claro está que una vez tocadas todas las canciones de El Dorado, aún quedaba mas de la mitad del concierto por delante, con un público entregado y en el culmen de la emoción, el espectáculo seguía dando un repaso por las grandes canciones de los distintos discos que Carlos Goñi hilvanó antes y después del que se conmemoraba en esta gira, perdón, digo, …ciclo de conciertos.

Carlos Goñi se acompañaba cada noche sobre el escenario del baterista Miguel Giner, el teclista David Sam, el bajista Alfred Lorente y recientemente llegado a la banda, el saxofonista Carlos Mañez.

El Dorado fue el cuarto álbum del grupo, el tercero de estudio, publicado el 6 de marzo de 1995.

El éxito del álbum supuso la consolidación definitiva de Carlos Goñi como uno de los referentes del rock español en la década de los 90, un mérito que a día de hoy mantiene intacto, con mucha mas solvencia si cabe, no en vano ha publicado después 9 discos de estudio con material original, 4 discos en directo (3 básicos y 1 eléctrico) y 1 disco de versiones, que fue el último publicado (2024), cuyo título es Playlist, un homenaje a la música y a algunos de los músicos que admira dentro del panorama musical español reciente.

Si hablamos de los conciertos realizado en los últimos 30 años, la cifra se dispara a 1500-2000 conciertos, o al menos eso dice la IA:

Una estimación aproximada es que Carlos Goñi / Revólver ha ofrecido entre 1 500 y 2 000 conciertos en total en los últimos 30 años (desde mediados de los 90 hasta ahora).

 Importante: Esta cifra no proviene de un registro oficial completo (no hay fuente que liste todos y cada uno de sus conciertos), sino que es una estimación basada en declaraciones históricas, información de giras y tendencias de conciertos por año recogidas en entrevistas y crónicas.

Por lo tanto queda meridianamente clara la certeza de lo que ha indicado en sus redes:

No sabemos estar quietos porque el rock, si no avanza, se detiene. Y Revólver nunca ha sabido lo que es echar el freno.

Siguiendo con esa tendencia, el mismo día que iba a terminar el ciclo conmemorativo de conciertos «Mas allá de El Dorado» en Barcelona el pasado 5 de febrero, lanzan la noticia en sus redes sociales del lanzamiento de su nuevo disco ya en camino, "LA 03010" y la nueva gira, y lo presentan así:

«El viaje que nace de uno de los discos más complejos, personales y valientes que Carlos Goñi ha parido en su carrera y que verá la luz el 17 de abril. Un álbum que busca las raíces para encontrar nuevas alas; un regreso al origen para explorar territorios que aún no habíamos pisado. Canciones nuevas que están deseando quemar el asfalto».

«Este no será un tour más.
Salimos de nuevo a la carretera en el mes de mayo con una ruta que nos llevará hasta marzo de 2027. El mapa está trazado. El equipaje está lleno de historias nuevas. Y la furgoneta sigue adelante».

Así que cuando los seguidores están digiriendo aún los 11 conciertos de Más allá de El Dorado, sin tregua ni descanso ya tienen nuevo calendario de citas con Revólver y el anuncio del próximo disco que en poco mas de dos meses verá la luz, un LA 03010 que ha generado curiosidad y conversaciones, ¿que será LA?, ¿es 03010 un código postal, de donde?, habrá que buscarlo e investigar mientras llegan las nuevas canciones, pero ligerito que esto va deprisa, en mayo empiezan los conciertos de la nueva gira, nuevas canciones que los seguidores tiene muchas ganas de escuchar y mas aún de disfrutar en directo.

Está claro que con Revólver, el Rock no para, avanza, no se detiene, no echa el freno, …y digo yo, mejor para nosotros. @mundiario

Este II Certamen Film e Historia quiere demostrar que estos dos universos van de la mano para despertar el interés del público, académico o general, por el filme como documento de época.

Por segundo año consecutivo, el Centro Cultural La Malagueta de Málaga acogerá estas jornadas en las que tendrán lugar charlas abiertas al público de la mano de personalidades destacadas del Séptimo Arte e historiadores que reflexionarán sobre acontecimientos que han sido plasmados en el cine, con la posterior proyección de películas relacionadas.

Los debates contarán cada día con dos especialistas, además del moderador, Moisés Rodríguez, Doctor en Periodismo, miembro fundador de Film-Historia y autor de varios libros sobre cine. Actualmente dirige y presenta el programa Secuencias en 24 en el canal 24 Horas de RTVE.

La última jornada del Certamen Film e Historia II finalizará con la entrega de una estatuilla en homenaje al director de cine Luis García Berlanga, y a su estrecho colaborador, el guionista Rafael Azcona, por su excelente contribución al cine español, europeo y mundial. Tras el coloquio en torno a la película La vaquilla, dirigida por Luis García Berlanga en 1985, se hará entrega del premio.

Ponentes:

Miguel Rellán – Helena Pimenta – Mar Targarona – Benito Bermejo – Lorena Robredo – Paco Griñán – Paula Ponga – Sol Carnicero – Juanjo Puigcorbé

Moderador:

Moisés Rodríguez

Programa:

- Jueves 29 “El teatro del Siglo de Oro como espejo de la España histórica” 

18.00h

Coloquio:

El teatro del Siglo de Oro como espejo de la España histórica

Ponentes:

Miguel Rellán y Helena Pimenta

Modera:

Moisés Rodríguez

19.30h 

Película: El perro del hortelano (1996, Pilar Miró)

Intérpretes:

Emma Suárez, Carmelo Gómez, Miguel Rellán, Ana Duato, Fernando Conde, Juan Gea, Maite Blasco, Rafael Alonso, Blanca Portillo.

España. Color. 108 min.

Sinopsis:

Diana, condesa de Belflor, es una joven perspicaz, impulsiva e inteligente. Está enamorada de su secretario, Teodoro, pero se entera de que éste ya está comprometido con Marcela. Movida por los celos y la envidia, hace todo lo posible para separar a los dos enamorados. Adaptación cinematográfica de la obra de Lope de Vega, que respeta el texto en verso. Ganó siete premios Goya.

- Viernes 30 ​“El holocausto y los españoles en los campos de concentración”

18.00h

Coloquio:

El holocausto y los españoles en los campos de concentración

Ponentes:

Mar Targarona y Benito Bermejo

Modera:

Moisés Rodríguez

19.30h

Película:

El fotógrafo de Mauthausen (2018, Mar Targarona)

Intérpretes:

Mario Casas, Alain Hernández, Richard van Weyden, Stefan Weinert, Macarena Gómez, Eduard Buch.

España.Color. 110 min.

Sinopsis:

Con la ayuda de un grupo de prisioneros españoles que lideran la organización clandestina del campo de concentración de Mauthausen, Francesc Boix (Mario Casas), un preso que trabaja en el laboratorio fotográfico, arriesga su vida al planear la evasión de unos negativos que demostrarán al mundo las atrocidades cometidas por los nazis. Miles de imágenes que muestran desde dentro toda la crueldad de un sistema perverso. Las fotografías que lograron salvar Boix y sus compañeros fueron determinantes para condenar a altos cargos nazis en los juicios de Núremberg en 1946. Boix fue el único español que asistió como testigo.

-Sábado 31 ​“El cine español y su promoción desde la administración, los medios de comunicación y los festivales de cine”

11.00h

Coloquio:

El cine español y su promoción desde la administración, los medios de comunicación y los festivales de cine

Ponentes:

Lorena Robredo, Paco Griñán y Paula Ponga

Modera:

Moisés Rodríguez

12.00h

Coloquio:

La guerra sin épica: la España dividida

Ponentes:

Juanjo Puigcorbé y Sol Carnicero

Modera:

Moisés Rodríguez

El actor Juanjo Puigcorbé y la productora Sol Carnicero charlarán en torno a ‘La guerra sin épica: la España dividida’ donde harán un repaso por la película de 1985 ‘La Vaquilla’, dirigida por Luís García Berlanga.

Película:

La vaquilla (1985, Luis G. Berlanga)

Intérpretes:

Alfredo Landa, José Sacristán, Santiago Ramos, Guillermo Montesinos, Agustín González, Carles Velat, Violeta Cela, María Luisa Ponte, Juanjo Puigcorbé.

Sinopsis:

Guerra Civil Española (1936-1939). En el frente, un grupo de soldados se limita a escribir cartas o a dormitar. Pero la tranquilidad se rompe cuando un altavoz de la Zona Nacional anuncia que, con motivo de la Virgen de Agosto, se va a celebrar en un pueblo cercano una corrida. Cinco combatientes de la Zona Republicana deciden robar la vaquilla para arruinarle la fiesta al enemigo y conseguir la comida que necesitan.

Premio a toda una trayectoria cinematográfica para Luis García Berlanga y el guionista Rafael Azcona, en el año del centenario de su nacimiento

El certamen concluirá con la entrega del Premio Film e Historia 2026. Con este galardón, la institución provincial pretende homenajear la carrera de dos grandes del cine español: el director Luis García Berlanga, y el guionista Rafael Azcona, en el año del centenario de su nacimiento. @mundiario

Una vez modificado, los resultados conseguidos han sido muy satisfactorios y es por eso que publico a continuación el siguiente artículo escrito por mi hijo (@_sebasfl_) que con 16 años sus conocimientos y afición en la astronomía y astrofotografía van creciendo cada día, aquí explica todo lo realizado y como conseguir una Alternativa económica a Telescopios Astrógrafos que puede estar al alcance de cualquier bolsillo en comparación con los equipos dedicados para ello.

Alternativa económica a Telescopios Astrógrafos

Es bien sabido que la astrofotografía es una afición cara, por eso os quiero mostrar una alternativa muy económica que he encontrado a los telescopios para astrofotografía de cielo profundo, hablo de pequeños telescopios reflectores de segunda mano.

Veremos como un 114/500mm adquirido por sólo 50 euros en Wallapop puede convertirse en una opción viable y efectiva para astrofotografía.

Para elegir un telescopio para astrofotografía hay que tener presente las especificaciones que se buscan en un telescopio para practicar esta disciplina:

- Relación focal, informa de la cantidad de luz que llega al sensor (cuanto más pequeño sea el número f/ mayor luz captará, pero habitualmente tendrá peor calidad de imagen).

- Distancia focal, es proporcional al aumento (dependiendo de lo que queramos fotografiar convendrá o no tener gran aumento). 

- Calidad óptica, la astrofotografía es muy exigente con la óptica así que se procura elegir equipos que no presenten aberraciones cromáticas, esféricas, pérdidas de nitidez, etc.

- Calidad mecánica, en astrofotografía el enfoque es crítico y un buen enfocador puede facilitar mucho esta tarea.

Tampoco podemos olvidar que el telescopio debe adaptarse a nuestra montura.

Ventajas de los Telescopios Reflectores Newton con respecto a otros diseños

-Carecen de aberración cromática
-Buena relación calidad-precio
-Grandes aperturas
-Relaciones focales generosas (fácilmente encontraremos newtons f/<5)

Primeras Pruebas

Cuando adquirí mi telescopio Dobson de 10 pulgadas, supe que dejaría de utilizar mi viejo newton Bresser 114/500 mm que mi padre compró de segunda mano por 50 euros. Con una distancia focal de 500 mm, su relación focal de f/4.9 lo hace atractivo para astrofotografía, así que me dispuse ponerlo a prueba con mi réflex. 

Adquirí la anilla T y el adaptador de 1.25 pulgadas, correspondiente al tamaño del portaocular, y acoplé la cámara al telescopio a foco primario. Para mi sorpresa, no lograba enfocar. El foco quedaba demasiado adentro de la caña del enfocador, algo común en este tipo de telescopios. Ante esta situación, encontré dos posibles soluciones: una opción es elevar el espejo primario mediante un calzador, lo que lo haría quedar más alto dentro del tubo; la otra, acortar el tubo cortando una pequeña sección. Al reducir la distancia entre los espejos, el punto de enfoque se proyecta más hacia fuera, lo que permite lograr el enfoque. 

Esta idea no fue original mía; la vi por primera vez en un astrofotógrafo valenciano que modificó su 114/900 con el mismo objetivo. En su caso, solo necesitaba sacar el punto de foco una pequeña distancia, por lo que añadió un calzador para elevar el espejo primario y así desplazar el punto de convergencia de la luz hacia afuera. 

En mi caso, opté por cortar el tubo. Dado que el espejo primario de mi telescopio está sujeto con una pletina de tres tornillos, simplemente lo desatornillamos, cortamos 3 cm del tubo con una radial, volvimos a perforar agujeros con un taladro para los tornillos de la pletina y, finalmente, lo recolocamos y colimamos. Fue una tarea sencilla que hicimos en un rato por la tarde (digo hicimos porque de cortar se encargó mi padre).

El resultado fue un telescopio "astrógrafo" muy económico. Si lo comparamos con el Sky-Watcher 72ED, un clásico para quienes se inician en la astrofotografía de cielo profundo y que está sobre los 400 euros, mi reflector modificado ofrece algunas ventajas (y desventajas…): carece de aberración cromática, tiene una relación focal más rápida de f/4.9 y una mayor distancia focal de 500 mm (útil para quienes buscan más aumento).

Los dos inconvenientes de mi astrógrafo económico son la coma en las esquinas (véase en la imagen de más abajo), que aplicando reducción de estrellas, BlurXTerminator, o recortando un poco la imagen dejaría de ser demasiado problemática (cosa casi obligatoria para quedarnos con la zona en la que las tomas se solapan); y la mecánica poco cómoda, con un enfocador difícil de manejar. 

Algo que me preocupaba del telescopio era su enfocador de 1.25 pulgadas, ya que temía que pudiera limitar el campo de imagen, considerando que en astrofotografía suelen utilizarse salidas de 2 pulgadas. Sin embargo, al utilizar mi sensor APS-C, la pérdida de campo fue inexistente y aunque el viñeteo es notable, no es demasiado problemático, con tomas de calibración flats o modelización de fondo (dynamic background extraction en Pixinsight) se solucionaría.

Respecto a la colimación: no supone ningún problema. Es cierto que en un telescopio Newton de medio metro de apertura es necesario colimarlo en cada salida ya que con mayor tamaño (y menor relación focal) se vuelven más sensibles, pero en el caso de los reflectores pequeños, el ajuste es mínimo y rara vez se requiere. Además, una vez que aprendes a hacerlo, es un proceso que no toma más de cinco minutos.

Decir que con esta modificación el telescopio no queda inutilizado para hacer visual, pero sí que para enfocar tendremos que sacar más la caña del enfocador o incluso usar un extensor con determinados oculares. 

Una imagen vale más que mil palabras, así que adjunto fotografía de la Nebulosa Omega tambien llamada del Cisne (M17), tomada con el telescopio, apilada en crudo sin flats y sin recorte, con estirado virtual; además el resultado procesado puede verse al final de este artículo.

El la siguiente imagen se puede observar la ampliación de las esquinas y centro de la anterior fotografía, donde podemos ver la aberración por coma:  

Dejo otra muestra de fotografía realizada con el astrógrafo económico, tratándose en esta ocasión de la Galaxia de Andrómeda (Messier 31), de nuevo apilada en crudo sin flats y sin recorte, con estirado virtual:

El la siguiente imagen se puede observar la ampliación de las esquinas y centro de la anterior fotografía, donde podemos ver la aberración por coma:

Conclusiones

Con esto quiero mostrar para aquellas personas que se inician en la disciplina pero que no cuentan con gran presupuesto, esta alternativa mucho más económica. Hay telescopios de iniciación a precios bajos de segunda mano y que pueden adaptarse para astrofotografía (aunque quizás exista algún modelo que no haga falta modificarse...).

En plataformas como Wallapop, he visto algunos telescopios "Dobson de sobremesa" 72/300mm (f/3.94) por unos 50 euros. Tengo curiosidad por saber cómo se desempeñarían en astrofotografía, ya que tienen una relación focal excelente y serían muy portátiles, aunque dudo muchísimo que con ésas lentes ofrezcan buenos resultados. También se pueden encontrar de segunda mano modelos como el mío 114/500, de los que hay muchos,  y otros de 76mm, 130mm o 150mm de diámetro. Pero cuidado con los modelos con lentes de barlow incorporadas en el enfocador, esos no irían nada bien en astrofoto. 

Así que si estás buscando iniciarte en la astrofotografía sin gastar una fortuna o haces capturas con teleobjetivos y quieres acercarte más a los objetos, considera la posibilidad de modificar un telescopio reflector, de segunda mano o uno que tengas abandonado. Aunque se necesitará más paciencia con éstos ya que el manejo siempre será algo más dificultoso que con uno especializado. 

Como podéis ver, utilizo un star tracker Star Adventurer 2i, y debo decir que para telescopios con este peso y aumento, recomiendo utilizar monturas de mayores prestaciones. Aún así, como habéis visto, también pueden obtenerse buenos resultados con esta configuración.

Para acabar, dejo la imagen capturada, procesada y terminada de la Nebulosa Omega (M17, o del Cisne), la misma antes mostrada en el primer ejemplo, en crudo sin procesar.

Puedes seguir a Sebas FL en Instagram y si quieren disfrutar de las fotografías en mayor calidad, también lo puedes seguir en Flickr. @mundiario

Desde las calles de Madrid hasta los recovecos más oscuros del corazón, Fito Mansilla nos sumerge en un universo sonoro donde las pasiones arden y las verdades más profundas se revelan a través de cada acorde y cada verso.

Cantautor madrileño que, con su habilidad para tejer emociones con palabras y acordes, nos ha regalado un nuevo tesoro musical titulado Canciones de Amor y Guerra – Manual de Salvación, su nuevo álbum de estudio, el más extenso de su carrera, formado por un doble disco donde el maestro nos invita a sumergirnos en un viaje sonoro donde confluyen los sentimientos más profundos y las reflexiones más agudas sobre el amor y el conflicto humano y social.

En este álbum, Mansilla nos invita a un viaje íntimo con canciones de amor y guerra a través de paisajes sonoros que exploran las complejidades del amor y los conflictos internos que enfrentamos, en la batalla diaria por la autenticidad y la supervivencia emocional con este manual de salvación que supone para él este trabajo musical y que supondrá también para quien lo escuche y disfrute.

Con su estilo distintivo y su profundo compromiso cada canción es un testimonio de la experiencia humana en su forma más cruda y conmovedora.

Como hicimos cuando publicó su anterior trabajo La Memoria Incendiaria, en esta nueva entrevista exclusiva nos adentraremos en el alma creativa de este talentoso músico para descubrir los secretos y las emociones que lo han llevado a dar vida a este nuevo trabajo.

Acompáñanos mientras desentrañamos los secretos detrás de Canciones de amor y guerra – Manual de salvación.

- En este disco hay una canción que lleva por título Canciones de amor y guerra, ¿Por qué te decidiste por esta canción para darle título al disco?

- Porque creo que resume muy bien lo que quiero contar. Hay canciones muy guerreras, algunas con letras muy directas y explícitas, otras más esperanzadoras como respuesta a las anteriores. El título ya lo sabía antes de escribir la canción.

- ¿Y lo de Manual de salvación?

- Porque lo fue para mí.

- Tiene un sonido que difiere claramente de tus anteriores discos, al menos en algunas canciones, en algunos temas has incluido recursos electrónicos a los que no nos tienes acostumbrados, ¿Cómo describirías respecto al sonido las diferencia con tus trabajos anteriores?

- Quería darle una vuelta de tuerca a las canciones y no hacer un disco con un sonido concreto como los anteriores. También tenía muchas ganas de jugar con elementos electrónicos y que las estructuras no fueran tan previsibles en algunas de ellas. Hay un cambio importante y se nota. Creo que la búsqueda ha sido para bien.

Quería darle una vuelta de tuerca a las canciones y no hacer un disco con un sonido concreto como los anteriores.

- ¿Cuánto ha influido la pandemia en las canciones de este disco?

- No solo la pandemia, también han influido otras cosas que se llevan tiempo cocinando y se están dejando ver ahora. Ya sabes, temas tabú que son secretos a voces, claro. Cantarlo es una de las mejores maneras de decirlo.

- No sé si es porque tiene más canciones en general, pero parece que este disco tiene más canción protesta que en trabajos anteriores, estás más reivindicativo socialmente, ¿estoy en lo cierto?

- Si, así es. Están pasando muchas cosas en los últimos años. Creo que las canciones reivindicativas son herramientas muy poderosas y estamos en un momento donde son muy necesarias.

- ¿Por qué te has aventurado en publicar un álbum doble, no hubiera sido mejor estrategia lanzar dos discos?

- Al principio lo pensé, también por el tema económico. Grabar un disco con 27 canciones es una inversión importante, pero tenía más sentido para mi hacerlo así y editar la obra completa.

- ¿Hubo alguna experiencia personal o evento específico que influyera en la creación de alguna de las canciones del disco que sea especial para ti?

- Claro, todas en general. En mi caso funciono así, me tiene que afectar algo para bien o para mal para después hacer la canción, no me siento a componer pensando de qué voy a hablar, cuando lo hago ya sé lo que quiero soltar. Por destacar alguna donde el proceso fuera más intenso te diría Una Vida, A de Estrella, Pez volador, Madre, El gran truco, Canciones de Amor y Guerra, Divinidad, la traición… Pero como te digo ha sido un proceso muy intenso en general.

- Este disco se ha ido gestando durante tres años, grabado en distintos estudios a lo largo de la geografía del país, un disco ambicioso, cuéntanos cuál fue el proceso de composición y producción del álbum y de quienes te has arropado para llevarlo a cabo en esta ocasión.

- Si, lo grabamos más o menos en tres años en siete estudios diferentes, entre Madrid, Pinto, Murcia, Valencia, Toledo, Barcelona y Vigo. Para la producción conté con Borja Montenegro, Senén García, Vicen Martínez, Fon Román, Esteban Romero y Nelo Sanz y también he producido varias de las canciones yo mismo. Además, también ha participado con un elenco de unas cuarenta personas entre músicos y colaboraciones. Hago duetos con Vicky Gastelo, Nano Stern, Fon Román y Lottar Scarlett, ha sido muy enriquecedor trabajar con todos ellos.

- Como te decía el proceso de componer las canciones fue muy intenso. Lo empecé a escribir en pandemia que coincidió con el nacimiento de mi tercer hijo. No nos dejaban respirar, ni salir… que te voy a contar. Hubo muchos sentimientos encontrados ahí.

- Respecto a si me sentí arropado al principio te diría que como en todas las cosas, a algunos les gustó la idea y a otros les parecía una locura, aunque eso no influye cuando uno lo tiene claro.

- Seguramente, a pesar de ser un disco doble, algunas canciones habrán quedado fuera, ¿Cómo seleccionaste las canciones que finalmente incluirías en este proyecto?

- Quedaron algunas fuera, claro, a veces no es fácil decidir cual entra y cual no. Me suelo dejarme aconsejar y pido opinión, aunque al final la última decisión la tomo yo. Hay temas que tienen que estar sí o sí.

- ¿Hay alguna canción en particular que sea significativa especialmente para ti en este álbum? ¿Por qué?

- Madre y A de Estrella diría yo. La primera habla de una época de distanciamiento con alguien muy importante y la segunda de una pérdida irreparable. Las dos fueron dolorosas y emocionantes de escribir.

- ¿Cómo consideras que ha evolucionado tu estilo musical desde tus inicios hasta ahora?

- Ha ido evolucionando a mejor en mi opinión, al menos así lo siento, aunque eso lo tendría que decir la gente que escucha mi música.

- ¿Cuál fue el mayor desafío que enfrentaste durante la creación de este álbum y cómo los superaste?

- Embarcarte en un proyecto así “tú solo” y tirar adelante con ello hoy por hoy es una proeza. Siempre te asaltan las dudas. Desafío quizás más el cómo llevar a cabo todo lo que tenía en la cabeza, tanto la grabación, financiación. La manera de encauzarlo es confiar en lo que uno hace, esa es la manera de superarlo todo.

- ¿Qué le dirías que se va a encontrar o va a experimentar a quien escuche este trabajo?

- Pues le diría que va a escuchar un disco muy emocionante de buenas canciones y muy sincero. Sin pelos en la lengua, hecho con mucho amor y con mucha mala hostia también.

- ¿Hay algún mensaje central que desees transmitir a través de este disco?

- No sé si es mejor entender el mensaje que uno quiere trasmitir o la interpretación que cada uno otorga a la obra. Lo cierto es que cuando compartes una canción tuya con los demás ya no es tuya, la interpretación va en cada uno, aunque algunas de las canciones son muy explícitas y se entiende perfectamente lo que quiero decir.

- Este trabajo aún no está publicado en plataformas digitales, salvo algunos adelantos y algunos videoclips en Youtube, irás publicando sus canciones poco a poco, lo has sacado en edición física en cd, quien lo quiera escuchar en estos momentos entero tendrá que hacerse con su edición física, ¿podríamos decir que vas contracorriente en estos tiempos?

- No sé, parece que sí, aunque te prometo que no es mi intención. El disco estará al completo en plataformas digitales, pero de a poco, de momento quien lo quiera escuchar tiene que hacerse con él a través de la web o en los conciertos.

- ¿Cómo ha sido la recepción del público y la crítica hasta ahora?

- El disco está teniendo buenas críticas en general. Gente como Fernando Neira, Javier M. Alcaraz (El Chayi) o el maestro Alexis Díaz Pimienta entre otros han escrito cosas bonitas.

- Tienes una amplia gira ya comenzada y aún por delante muchos conciertos a lo largo de este año, ¿Qué nos puedes contar de esta gira, alguna fecha especialmente significativa?

- Todos los conciertos son importantes pero el último de este verano fue digamos una fecha más significativa. Estuve como invitado junto con Alexis Díaz Pimienta en el certamen internacional de autores en honor al maestro Joaquín Sabina que se celebró en Úbeda el pasado 14 de septiembre en la iglesia de San Lorenzo. Fue una noche muy bonita y lo pasamos realmente bien. También espero con muchas ganas la presentación en la sala Galileo Galilei de Madrid para 2025.

- Estás en plena gira presentación, ¿alguna anécdota que nos quieras contar vivida en lo que llevas de gira con este álbum?

- Como anécdota por ejemplo te cuento que el primer concierto de verano que estaba previsto en Cabo de Gata a las dos horas de viaje tuve una avería en el coche y no pude llegar, esas cosas pasan. Pero sí, cuando uno anda por ahí de un lado a otro siempre hay situaciones de todo tipo.

- He visto que tus conciertos, cuando los haces en solitario, no sólo te arropas de tu guitarra, en esta gira además llevas teclado, pad y no sé cuántas cosas más, cuéntanos un poco sobre esto, sobre lo que nos vamos a encontrar en tus conciertos cuando los haces en solitario.

- Si, he ido añadiendo nuevos elementos al directo. Además de la guitarra llevo un pedal de looper, varios pedales con diferentes sonidos, teclado, sintes y PAD de batería. Lo utilizo en alguna canción pero no todo el rato, el concierto sobre todo es en acústico.

- ¿Qué sigue después de este lanzamiento? ¿Ya tienes algún proyecto futuro en mente?

- De momento estoy muy centrado en la gira, pero sí hay proyectos futuros muy ilusionantes. Uno de ellos es Poética Sonora con el escritor Roberto Gallego. Es un proyecto de poesía y canciones, muy teatral con guion de Roberto muy potente. Hicimos varias presentaciones estos últimos años y hubo muy buena respuesta de la gente, el próximo año retomamos con nuevo material, pero en la misma línea.

- ¿Cuál ha sido la novedad musical que más te ha gustado de las descubiertas últimamente?

- Hace poco descubrí a un grupo de Valladolid que se llama Siloé. Escriben unas canciones preciosas y el rollo que tienen me gusta mucho. Lo recomiendo.

- ¿Cuál ha sido el último concierto al que has asistido como público?

- Pues realmente no tengo mucho tiempo de ir a conciertos porque ando mucho en la carretera haciendo los míos, además tengo tres hijos pequeños y cuando no estoy de gira estoy con ellos y con mi mujer en el pueblo donde vivimos. Pero el último así “grande” fue el verano pasado en las noches del botánico viendo a Smile que es el nuevo grupo que han montado Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead. Hace un par de semanas estuve viendo a Fran Fernández en la sala Galileo en Madrid.

- El grupo madrileño Versilia me dejó una pegunta para mi próximo artista entrevistado, que has sido tú y es esta: ¿Qué canción de las ya existentes te hubiera gustado componer y por qué?

- Hostia, se han escrito muchísimas buenas canciones, así a bote pronto te diría Un vestido y un amor del gran Fito Páez, por ejemplo, que es de mis escritores de canciones preferidos. En mi opinión es una canción redonda con una armonía y una letra majestuosa.

- Ya para acabar, te voy a pedir a ti también que me dejes una pregunta para el próximo artista entrevistado, que no sé quién será, pero que haré en tu nombre.

- Le preguntaría por ejemplo quienes son sus influencias musicales.

Podeis seguir a Fito Mansilla en Facebook, Instagram, YouTube y Spotify, además teneis su Página Web. @mundiario

Recordando por el título a la distopía clásica de Ray Bradbury, Fahrenheit 451, Noviembre 451 es más que un simple álbum; es una declaración artística que reflexiona sobre la sociedad contemporánea, sus contradicciones y sus sueños perdidos. Con una mezcla de melancolía y esperanza, Versilia nos sumerge en un universo sonoro donde las emociones fluyen libremente.

A lo largo de sus distintos discos, ha tejido un tapiz musical que no solo despierta los sentidos, sino que también provoca reflexiones, nos sumerge en un universo donde la emoción y la crítica se entrelazan.

Nos presenta ahora un LP donde lo de larga duración cobra bastante sentido dado que está compuesto por 17 temas, de los cuales hay una versión de Amaral y una revisión de un gran tema propio muy importante en la historia del grupo como es La calle de los barros.

En esta entrevista exclusiva a Rocío Medina y Javier González, nos adentramos en el corazón de este grupo madrileño para descubrir los secretos detrás de Noviembre 451, explorando su proceso creativo, su inspiración, sus influencias, la visión que impulsa su música y las emociones que esperan ser desatadas en cada canción. Desde las calles de Madrid hasta los rincones más profundos de la imaginación, Versilia nos invita a desentrañar los misterios de su mundo sonoro y a reflexionar sobre el poder transformador de la música en la sociedad moderna.

Prepárense para un viaje fascinante a través de los sonidos y las palabras de uno de los talentos más prometedores de la escena musical madrileña.

- Desde nuestra última entrevista han pasado muchas cosas, no en vano son más de 10 años, fue en noviembre de 2013 y habíais lanzado Mecánica Celeste, vuestro LP debut, ¿qué es lo más significativo que ha pasado en Versilia desde entonces? ¿cómo ha cambiado el grupo?

Rocío: Hemos vivido mucho desde que comenzamos, en lo personal y como banda. Hemos tenido distintos integrantes y músicos de apoyo, hemos publicado dos discos más después de “Mecánica celeste”, hemos tocado mucho y conocido mucha gente en este camino. Y nuestra música ha ido cambiando con nosotros a lo largo de estos años.

Javi: Los parámetros de la vida van cambiando con el paso del tiempo. Desde ese primer disco han pasado muchas cosas, incluida una pandemia que paralizó el mundo. Todas esas experiencias han marcado nuestra forma de entender el mundo y esa profundidad se refleja también en esta nueva etapa, tanto en las letras como en la sonoridad de las canciones. No diría que es tanto un cambio, es más una evolución, personal y musical, que forma parte del proceso de desarrollo al que nos enfrentamos cada uno con el paso de los años.

- ¿Qué inspiró el título Noviembre 451 para el nuevo disco, tiene que ver con la distopía clásica de Ray Bradbury “Fahrenheit 451?

Rocío: El título de Noviembre 451 se inspiró en que Javi y yo (Rocío) nacimos en noviembre. Añadimos 451 por la canción 451 Fahrenheit, que hace un guiño a la obra de Bradbury.

Javi: Fahrenheit 451 es una canción que condensa mucho de lo que significa para nosotros ese disco. La pasión, el rendirse a los deseos más puros, independientemente de que haya quien pueda cuestionar si es el camino correcto o no. Todo eso es Noviembre 451... Estuvimos barajando que la canción diera título al disco y que todo el concepto del arte gráfico tuviera al fuego como hilo argumental, ya que 451 grados Fahrenheit es la temperatura a la que arde el papel. Pero al final nos decantamos por Noviembre, otra palabra que es parte de nosotros.

- ¿Hay mucha diferencia en cuanto a sonido y a temática general de este álbum en comparación con los trabajos anteriores?

Rocío: Nosotros creemos que sí la hay. Al empezar a componer este disco, sentimos que necesitábamos temas con más energía en cuanto a temáticas, melodías, arreglos y sonoridades.

Javi: Este sonido está más cerca de nuestra esencia actual y de la música que escuchamos en nuestro día a día. También está más enfocado al directo, con la intención de que toda esa energía que hay dentro de las canciones no se quede sólo ahí y pueda ser llevada también a los conciertos.

- ¿Existen experiencias personales o eventos que hayan influido especialmente en la creación de alguna canción en este álbum?

Rocío: Absolutamente. Hay experiencias de amor, de pérdidas de personas queridas y la necesidad de aprovechar el tiempo del que disponemos, de decepción y frustración, de miedo, de reivindicación…

Javi: Noviembre 451 recoge temáticas muy profundas. Por desgracia, hemos perdido mucha gente por el camino y ese dolor ante la pérdida se plasma en algunas canciones. Pero también hay cabida para canciones optimistas, dedicadas al coraje frente a la vida, a la valentía de no dejar de hacer nada que te llene de luz por miedo al fracaso. Ese es el mensaje que hay detrás de las canciones: Hay que dar valor al tiempo que tenemos, disfrutar de lo que nos apasiona y no dejarnos guiar por los parámetros que rigen esta sociedad tan cuadriculada y consumista.

- Hablarnos del proceso de composición y producción de "Noviembre 451" así como de dónde y con quienes os habéis arropado para grabarlo y sacarlo adelante.

La composición de melodías y letras es en la mayor parte de Rocío. Para los arreglos y la producción hemos vuelto a trabajar con Iker Arranz, que lleva con nosotros desde nuestro primer álbum.

- ¿Hubo algún desafío específico que enfrentaron durante la creación de este disco? ¿Cómo lo superaron?

Rocío: Nos hemos enfrentado a ciertos cambios, que supusieron un reto para nosotros. Pero tuvimos muy claro que queríamos ir hacía allí.

Javi: El mayor desafío ha sido conseguir materializar este disco nosotros solos. Mucha gente no es consciente del esfuerzo que hay detrás de sacar un álbum, tanto en lo económico como en el tiempo y sacrificio que hay que dedicar para que todo salga perfecto. El disco incluye además 17 canciones, algo que rompe con los cánones de la inmediatez que marcan ahora mismo la industria. Eso ya de por sí es una apuesta algo arriesgada. Y luego está el libreto. Nosotros somos de cuidar mucho todos los detalles, incluyendo el arte gráfico para los nostálgicos del CD físico. Y en este disco lo hemos diseñado nosotros. Nos ha llevado mucho más tiempo pero una vez que el desafío ha sido superado y tienes el disco terminado te llena todo mucho más.

- ¿Hay alguna canción en particular que tenga algún significado especial sobre las demás en este disco para cada uno de vosotros? ¿Por qué?

Rocío: Es un disco realmente especial para nosotros, con cada una de las canciones que lo integran. Quizá Hacia la luz, Eternos, Donde el corazón me lleve, 451 Fahrenheit y Cinco litros sean las que más significado tienen.

Javi: Por la profundidad del mensaje estoy de acuerdo en que esas podrían ser las canciones más especiales del disco. Añadiría la versión de La calle de los barros, ya que ésta es la canción con la que iniciamos nuestro camino y eso la hace responsable de algún modo de todas las cosas que hemos conseguido después. Y también incluiría Flotar, ya que es una de las canciones que más disfrutamos en los directos y que resume bien esa contundencia de sonido al que queremos llevar nuestra música a partir de ahora.

- ¿Qué le dirían a los que van a escuchar las canciones que compone “Noviembre 451” que se van a encontrar?

Rocío: Canciones con mensajes muy claros y mucha más energía que en nuestros discos anteriores.

Javi: Se van a encontrar todo lo que somos nosotros en forma de canciones. Yo les diría que degusten el disco a la antigua usanza, dejando de lado la idea del single que tanto se lleva ahora mismo. La portada ya dice mucho de lo que hay dentro: los 4 elementos, agua, fuego, tierra y aire. Todas las canciones juegan con eso y sólo escuchando el disco completo, de principio a fin, van a apreciar bien los pequeños detalles y darle sentido a todo el conjunto.

- ¿Cómo describirían la evolución musicalmente hablando de Versilia, desde su primer álbum hasta Noviembre 451?

Rocío: Hemos llegado a un lugar en el que nos sentimos muy cómodos ahora. Con un directo potente que disfrutamos muchísimo y con el que el público disfruta mucho también.

Javi: Como he comentado al principio, nuestra música ha evolucionado paralelamente a cómo hemos madurado nosotros como personas. Obviamente las motivaciones y problemas  que tienes de adolescente no son las mismas que tienes ahora. Tampoco las ambiciones. Y eso se refleja inevitablemente en el sonido. Diría que es un proceso normal y hasta cierto punto lógico, de lo contrario no seríamos honestos con nosotros mismos.

- Habéis incluido una versión del tema Estrella de Mar de Amaral, ¿por qué este tema en concreto?

Rocío: Estrella de mar es un tema especial para nosotros, desde siempre. El disco que lleva el mismo nombre fue con el que comenzamos a seguir a Amaral y esa canción en particular nos ha acompañado en muchos momentos importantes de nuestra vida desde entonces.

Javi: La influencia en nuestra música y todo lo que nos ha marcado ese disco se aprecia desde el principio de nuestra trayectoria, David Ángulo fue la persona que diseñó el disco de Amaral y él fue también el encargado de hacer el diseño de Mecánica Celeste. En nuestros primeros conciertos, antes incluso de ser Versilia,  siempre había una versión de Amaral en el repertorio. Este año Eva y Juan cumplen 25 años, nos parecía un bonito homenaje a ellos y a nuestros orígenes.

- También habéis incluido una revisión de vuestro tema del disco Mecánica Celeste titulado La calle de los Barros, una estupenda canción que supongo os habrá dado muchas alegrías y en la que además contasteis entonces con la colaboración de María Villalón, ¿por qué habéis decidido hacer esta revisión?

Rocío: Queríamos traer alguna de nuestras primeras canciones a las sonoridades en las que nos movemos ahora. Y pensamos que La calle de los barros sería el mejor tema para hacerlo. Cuando comenzamos a trabajar en la nueva versión, nos gustó mucho y lo tuvimos claro del todo.

Javi: La calle de los barros fue nuestra primera canción. Diría que es la única que no ha faltado nunca en nuestros directos y para nuestro público es como un himno, ya que es la que más corean  y disfrutan en los  conciertos. Si había una canción para darle una segunda vida y llevarla a una sonoridad más actual, era esa.

- ¿Qué aspecto de este álbum están más emocionados de compartir con sus seguidores?

Rocío: Las nuevas sonoridades y el directo que acompaña al disco.

Javi: El disco está enfocado al directo. Es ahí donde queremos crear esa sinergia con el público.

- ¿Cuál es el significado detrás de la portada del álbum?

Todo el disco, incluyendo el libreto, hace referencias constantes a los cuatro elementos. Lo que somos, lo que nos inspira.

- ¿Cuáles son las principales influencias musicales que se reflejan en este nuevo disco?

Rocío: Estamos escuchando mucho Arde Bogotá, Viva Suecia… sin olvidar influencias como Amaral o Supersubmarina.

Javi: No son influencias del momento actual, siempre hemos escuchado ese tipo de música, sólo que quizás ahora se reflejan de forma más notable en nuestras canciones.

- ¿Cómo ha sido la recepción inicial del álbum por parte de los seguidores y la crítica?

El disco está teniendo muy buena acogida y hemos recibido muy buenas críticas.

- ¿Hay alguna historia interesante detrás de la creación de alguna de las canciones del álbum que les gustaría compartir?

Rocío: Presentamos Tan a fuego como candidata al Benidorm Fest de 2023, pero no fue seleccionada.

Javi: Algunos de nuestros amigos al ver el set list, se pensaban que Cinco Litros llevaba otra temática… Más allá de eso, las canciones son interesantes para nosotros en lo emocional, más que por su proceso de creación.

Para mi la música solo tiene dos etiquetas, que las canciones te emocionen y te hagan vibrar o que no lo hagan, da igual el estilo que lleven.  Javier González

- ¿Cómo os clasificaríais dentro de la música actual? 

Rocío: No sabemos si nuestro estilo es pop, es indie o una mezcla. Aunque no nos preocupa.

Javi: Para mi la música solo tiene dos etiquetas, que las canciones te emocionen y te hagan vibrar o que no lo hagan, da igual el estilo que lleven. Nosotros estamos en el primer grupo, en el de los artistas y bandas que componen siempre desde el corazón.

- ¿Hay alguna colaboración especial en este disco que les gustaría destacar?

Nos han acompañado Álex Mantua y Lara Morello a la voz, en Donde el corazón me lleve y Eternos, respectivamente. Y en la versión acústica de Eternos, hemos contado con la guitarra de Diego Supernadie y el violín de Kálber.

- Hicisteis la presentación por todo lo alto en Madrid, ¿tenéis planes de nuevas presentaciones próximamente? ¿alguna fecha próxima?

Rocío: Estamos cerrando fechas fuera de Madrid para los próximos meses.

Javi: Y en Madrid, dentro de unos días, estaremos tocando en las fiestas de Fuencarral.

- Unas preguntas que quiero me respondáis cada uno:

Un disco de reciente lanzamiento que recomiendes:

Javi: El Presente, de Shinova.

- Tu último descubrimiento musical:

Rocío: Valmara

Javi: Julia Debis, Alicia Castillo, Elem, Celia Becks, Yarea, Carla Lourdes...

- ¿Cuál fue y cuando el último concierto en el que estuviste como público?:

Rocío: El perro del bar y Ulises Messner

Javi: Bely Basarte, en la Sala del Wizink. 

- Un grupo o artista fuera de la onda mediática musical que recomendéis seguir:

Rocío: La ley de Mantua, Lara Morello, Supernadie y Emisión Zero.

Javi: Última Llave, Lu Decker, Paula Serrano, Yaiza, Ciudad Jara, Ara Fiore, Siloé y todos los que he mencionado antes como descubrimientos.

- Para acabar, algo que vamos a iniciar con esta entrevista, dejadme una pregunta para la próxima entrevista que haga, que no sé a qué artista será pero que haré en vuestro nombre.

¿Qué canción de las ya existentes te hubiera gustado componer y por qué?Puedes seguir a Versilia en su Web y en sus redes: Facebook, Instagram, X (Twitter), YouTube, Spotify. @mundiario

Según la biografía oficial de Gonzalo de Cos publicada en su web:

"El artista Gonzalo de Cos (Jerez de la Frontera, 1991) creció entre discos de los Stones, Neil Young, Lucinda Williams y Sinatra entre otros. Formó parte de varios proyectos en su ciudad antes de su traslado a Sevilla, lo que conllevaría el inicio de su carrera musical en solitario. En mayo de 2015 llega la primera prueba de fuego para Gonzalo, donde pasa a abrir escenario para Rubén Pozo (Pereza), al que posteriormente ha acompañado varias veces más a lo largo de su carrera en solitario. Dicha noche fue el pistoletazo de salida definitivo para el proyecto que comenzaba a brotar a un ritmo desenfrenado.

En toda esta vorágine de conciertos y carretera, Gonzalo de Cos, acompañado de la banda Los Herederos se lanzan a la composición y posterior grabación del primer EP, Palabras, bajo la producción de Javier Valverde (Supersubmarina) en los estudios La Viña, Baeza".

Es en 2017 cuando se erige la trayectoria musical en solitario del cantautor gaditano Gonzalo de Cos con el lanzamiento de Los Clásicos. Hablamos de un EP formado por seis cortes que convidan el cuidado de un artesano de las letras con la nobleza del folk americano; una obra para los más exquisitos paladares.

Tras una gira de presentación con más de 70 conciertos por toda la geografía española, el cantautor lanza el videoclip del segundo single de Los Clásicos, No me dio tiempo, así como un nuevo trabajo grabado en directo en formato audiovisual titulado Directo en Grabaciones Sumergidas.

Ahora llega El Impacto de las Flores y lleva la firma editorial de Flor y Nata Records.

Descubrimos un poco más de Gonzalo de Cos y su nuevo disco El Impacto de las Flores en la siguiente entrevista:

-¿A qué o quién se le puede atribuir parte de la culpa de que hayas entrado en este mundo de la música?

-Un día, cuando era pequeño, nos pusimos a ordenar el trastero y encontramos la guitarra antigua de mi madre. Desde entonces no la he abandonado, a decir verdad, sigo tocando con ella a veces y es la verdadera culpable de que haya entrado en el mundo de la música.

-¿Cuáles son las principales influencias en la música de Gonzalo de Cos?

-Bueno, tengo muchísimas influencias, ya que soy un fiel oyente de la música a diario, pero las más representativas en mis últimos trabajos proceden de los discos de artistas como Quique González, Morgan y bandas de folk americano, como Chatham County Line, Lucinda Williams, etc.

-¿En qué te basas para las composiciones de tus canciones, vivencias propias, ajenas, inventadas?

-Soy incapaz de escribir sobre vivencias ajenas a mi persona. Mi verdadera fuente de inspiración a la hora de escribir es la desidia, la desmotivación, la pérdida. En fin, es una forma de superar dichos traumas; me ahorro la terapia escribiendo canciones (jeje).

-Grabar un disco como el que acabas de publicar, compuesto por diez canciones, debe suponer un esfuerzo muy grande para alguien sin una discográfica detrás, ¿en qué merece la pena este esfuerzo, como te ves recompensado?

-La autoproducción como tal es un esfuerzo titánico para bandas y artistas, sobre todo a nivel económico. Has de hacer una inversión faraónica para cubrir gastos de estudio, masterización, en mi caso músicos, diseño de carpeta y singles, duplicación para formato físico, etc. Hay muchos apartados en los que los artistas y las bandas echan mucho de menos el apoyo económico que antaño ofrecían las compañías discográficas, pero los tiempos cambian y hemos vuelto a los tiempos que existían antes de la época dorada de dichas compañías.

Por suerte, para este disco he tenido el apoyo de Flor y Nata Récords para la publicación y distribución de “El impacto de las flores” y se nota a la hora de liberarte también de las campañas de comunicación, subida a plataformas digitales y numerosas tareas más que desde Flor y Nata han abordado.

-Este disco se ha ido gestando poco a poco, has ido presentando algunos temas a lo largo de este tiempo y a través de videoclips, un modo más gráfico de presentación que quizás haga más notorio un lanzamiento musical, ¿cómo de importante ves el lanzamiento de videoclips de cara a dar a conocer la llegada de un nuevo disco?

-Estamos en una época visual, por lo que los videoclips y artes gráficas son casi tan importantes como el nivel de la canción en sí. Es por ello que es un aspecto a cuidar en cada lanzamiento que hagas en este mundo. El videoclip de “El impacto de las flores” fue una delicia grabarlo con Juan Carlos Grande en un enclave maravilloso como es la hacienda Al-Baraka rodeado de enormes músicos que me acompañaron en el camino de la grabación del nuevo trabajo. Creo que merece más la pena alargar los lanzamientos y acompañarlos de material audiovisual de calidad que realizar un bombardeo de lanzamientos sin acompañamiento visual.

-Estamos viendo que cuando quieres que tu disco se conozca, partiendo de una posición de cantautor independiente con tanta oferta disponible en redes, el asunto se hace complejo y hay que trabajar duro, pero hoy día parece que todo ese trabajo se vuelque en las redes, ¿se ha vuelto las redes sociales la herramienta número uno para la música?

-Supuestamente sí, aunque yo también soy muy fan de las herramientas tradicionales como salir a tocar a salas pequeñas e ir haciendo público, aunque sea poco a poco. También he de decir que soy un poco perezoso con el tema de las redes sociales y me cuesta tener los perfiles actualizados diariamente; es una tarea pendiente que tengo que trabajar.

-¿Qué opinión te merece la presencia de la música en televisión actualmente?

-Esto es un tema bastante espinoso, creo yo. La opinión popular sobre la música deja a los cantautores un poco alejados del marco principal, al igual que a las bandas a las que suelo seguir. Obviamente, tal y como he comentado antes, estamos ante una época en lo que lo visual prima y quizás una banda tradicional de pop rock no es tan visual actualmente como otros estilos musicales que sí ocupan los puestos más altos de las listas. Es por eso que creo que hay poco espacio para promoción en cierto tipo de estilos musicales en la televisión.

-Y ¿qué te parece el panorama musical actual, lo que triunfa, lo que no, etc.?

-Bueno, aquí podemos utilizar casi la respuesta de la pregunta anterior. La sociedad va modificando sus gustos según épocas y esta época ha caído en la casilla del reguetón y de la música urbana. Soy poco seguidor, por no decir nada, de dichos estilos, aunque sí reconozco el talentazo que tienen algunos artistas del sector como, bajo mi humilde punto de vista, tiene C. Tangana.

-El Impacto de las Flores, un bonito título reflejado de forma bastante gráfica en la portada del disco, te decidiste por el título de la canción número cinco para darle nombre a este LP ¿cuál fue el motivo?

-Bueno, creo que El impacto de las flores, a la vez de ser un título algo abstracto, es concreto con el concepto del disco. Era una forma de plasmar la idea que teníamos del impacto de algo delicado. Nunca se pensó en otro título porque fue un amor a primera vista en cuanto apareció la canción, que también he de decir que no fue de las primeras.

-¿Qué le dirías a cualquiera que se va a encontrar en el disco El Impacto de las Flores cuando le dé al play?

-Se va a encontrar una fuerte carga sentimental bañada de armonías, letras cuidadas y corazón en estado puro. Si algo puede definir este disco, al menos en mi opinión, es corazón. Todos los días de grabación fueron maravillosos y muy pocas veces nos encontramos perdidos en el proceso, algo que me sorprendió puesto que la producción del disco también ha sido propia y tenía algo de vértigo a la hora de afrontarlo en los compases antes de entrar en el estudio.

Se va a encontrar una fuerte carga sentimental bañada de armonías, letras cuidadas y corazón en estado puro. Si algo puede definir este disco, al menos en mi opinión, es corazón.

-Supongo que todas las canciones son especiales para su autor, pero te pregunto, ¿hay alguna canción especial entre estas diez y que puedas reseñar por qué?

-Como bien dices, todas las canciones, al menos en mi caso, son importantes y especiales, pero sí que es cierto que a nivel sentimental algunas son más intensas que otra. En este disco creo que la palma se la lleva Huracán, al igual que se la llevaba Soledades en el anterior.

La razón es la misma, ambas hablan sobre momentos diferentes que he tenido que afrontar sin mi madre y, de alguna forma, con estas canciones siempre hay algo en los discos de ella y eso es muy importante para mí.

-En este disco hay una canción en colaboración, Estar pegado a ti con Tranquilo Venancio, una banda del otro lado del charco, de Argentina, ¿cómo surge esta colaboración?

-Sergio, el director de Angelito Producciones, una agencia argentina que se encarga de potenciar bandas emergentes en Latinoamérica, contactó conmigo para realizar una entrevista hace unos años para su perfil en redes y creamos una amistad. Desde entonces hablamos muchísimo y de esas conversaciones surgió conocer a Ariel de Tranquilo Venancio. Nos pusimos de acuerdo en colaborar ambos proyectos tanto en una canción de mi nuevo disco como en una canción del suyo, que aún está pendiente. Creo que Ariel le da un soplo de aire fresco a “Estar pegado a ti” que hace que la canción suba un escalón más.

-¿Te mojarías en decir con quien te gustaría especialmente contar alguna vez para una colaboración en un disco?

-Bueno, me encantaría contar con Quique González, es uno de mis referentes principales en la música y es uno de los artistas que más sigo desde sus inicios, así que sería un sueño hecho realidad poder compartir canción con él.

-Diez canciones donde se nota que las cosas se han querido hacer bien, con una buena producción, de gran elegancia sonora y buenas letras, con contenido que transmite, ¿que nos puedes contar de donde se ha grabado, masterizado y sobre el equipo del que te has rodeado?

-Bueno, con Fernando Zambruno, de Pancake Analog Recording, ya había trabajado varias veces antes de la grabación de este disco. Tenemos una buena relación, por lo que la conexión en el estudio fue total. Fernando es un tipo con una paciencia infinita y con una cualidad para sortear los problemas frente a la mesa increíble. Creo que elegir Pancake como estudio de grabación fue un completo acierto porque las canciones también llevan el sello de dicho estudio y se nota.

El mastering lo hicimos con Mario, en Kadifornia. También había trabajado con él en discos anteriores y me encanta su forma de exprimir al máximo las canciones muy cerca de la línea de meta. Aparte, es una maravillosa persona y verle trabajar es un privilegio.

De los músicos que me han acompañado poco más tengo que decir de lo que siempre he dicho. Todos pusieron el corazón en cada segundo que pasaron en el estudio y este disco es igualmente de ellos que mío. Más que músicos son compañeros de viaje y amigos y eso para mí es casi más importante que el que sean unos titanes en sus instrumentos, que también lo son.

-Te voy a preguntar por una de mis canciones favoritas del disco, “Zapatos de Charol”, ¿cómo surge esta canción y de que historia o experiencia sale?

-Es una canción que tiene una carga sentimental bastante importante. Un amigo estaba pasando por un muy mal momento, pero era incapaz de afrontar el problema por sí solo. Era incapaz de reconocerlo, por mucho que su entorno intentásemos hacérselo ver para salir de ahí y seguir adelante. Tuvimos ciertas dudas, en el estudio, sobre qué intención o intensidad darle, pero creo que acertamos mucho dándole esa ambientación intimista, con una base de tambores y con un bajo poderoso.

-Un álbum que cabalga entre el folk americano, la canción de autor y el rock de los 60, ¿estás de acuerdo con esta descripción o cambiarias o añadirías algo?

-Bueno, creo que es la mejor definición para un disco que bebe mucho del formato cantautor, excepto en ciertas canciones, ya que la presentación del disco, en su mayor parte, la hago como un cantautor, a guitarra/piano y voz, por lo que quería que esa forma de ver el proyecto y de transmitir las canciones fuera también la seña de identidad de “El impacto de las flores”.

-Editaste copias físicas de tu EP Los Clásicos y lo vas a hacer también de tu nuevo trabajo, el LP que nos ocupa, El Impacto de las Flores, en estos tiempos de plataformas digitales musicales donde los disco pierden su parte tangible y la experiencia física y sensorial que esto conlleva, como ves yo lo tengo claro, pero ¿qué supone para ti el formato físico de un disco?

-Yo soy coleccionista de discos compactos y de discos de vinilo, por lo que para mí el formato físico es muy importante. Sé que la corriente actual va llevando a las bandas o artistas a no publicar álbumes completos, por la inmediatez que ofrecen las plataformas digitales, o a no editar en formato físico los trabajos, pero creo que, de cara a crear un recuerdo en la mente de alguien que haya asistido a un concierto o que tenga fe en tu proyecto, el disco es la firma de dicho recuerdo, es una nota en la nevera que te recuerda que hace x años estuviste en un concierto y pasaron cosas.

-Un disco que hayas descubierto últimamente y nos recomiendes.

-Yard Sale, de The Brook and the Bluff

-Un cantante o grupo extranjero no muy conocido, pero para ti indispensable.

-Si dijera Bob Dylan caería en ser predecible, así que diré Chatham County Line. Su álbum IV fue el culpable de adentrarme en el folk americano y el bluegrass.

-Y de igual manera, uno español.

-Quique González, sin lugar a dudas.

-¿Cuál ha sido el último concierto al que has asistido como público?

-El último concierto al que asistí como público fue al de Los Intrusos del Savoy en la Sala Jazzville de Madrid.

-¿Hay fechas de presentación en directo de “El Impacto de las Flores” a la vista?

-Ahora mismo tenemos cerradas pocas fechas, pero estamos pendientes de cerrar 4 o 5 fechas más. Lo que sí que tenemos claro son las ciudades por las que vamos a pasar sí o sí.

Fechas confirmadas:

1. 16 de diciembre – Mercado de Prosperidad (Madrid)

2. Ciudades confirmadas:

3. Jerez de la Frontera

4. Sevilla

5. Valencia

6. Madrid

7. Toledo

-Muchas gracias Gonzalo por esta entrevista, ¿alguna cosa que nos quieras contar o adelantar para acabar?

-En estos conciertos estoy incluyendo canciones nuevas que también serán grabadas próximamente, así que espero que a la gente que le haya dejado con un poco más de hambre la escucha del disco de Gonzalo de Cos, se pasen por los conciertos para descubrir lo que llegará en un futuro, esperemos cercano.

Que nunca muera la música en directo y que el público siga apostando siempre por la música. @mundiario

Puedes seguir a Gonzalo de Cos en su Web y en sus redes: Facebook, YouTube, X (Twitter), Instagram, Spotify

Cuando hay un artista o un grupo que nos toca la fibra, cuyas letras nos engancha, nos sentimos reflejados en ellas y llega a conseguir que esto sea algo que se repite a lo largo del tiempo, trabajo tras trabajo, disco tras disco, año tras año, su música se convierte en un pilar fundamental en nuestra vida y pasa a formar parte de nuestra banda sonora vital y la admiración hacia el artista es absoluta.

Pues precisamente eso les pasa a los seguidores de RevólveR, una banda parte de la historia viva de la música de este país, que lleva más de 30 años sobre los escenarios y es en esta “bendita locura RevolveRa”, como ellos mismos la llaman, cada año para el cumpleaños de su alma mater Carlos Goñi, le preparan una sorpresa y este año se han superado yendo más allá y merece ser contado.

No sé si habrá algún otro artista en este país que tengan unos seguidores que lo admiren tanto como para que se movilicen, trabajen en grupo y hagan lo que han hecho éstos revolveros de todos los rincones del país, por tener una muestra tan grande de cariño y agradecimiento hacia el encargado de escribir gran parte de la banda sonora de sus vidas.

En Facebook hay un grupo de seguidores que se llama Revólver Team, desde donde nace cada año la maquinación de la sorpresa de cumpleaños de Carlos Goñi, siendo Rocío, administradora del grupo, la impulsora de la iniciativa anual y la cabeza pensante, ahora seguramente esté pensando la del año que viene, pues dice que, para ella esto ya es una tradición.

Pues bien, este año, antes del verano, estando Rocío de viaje por Valencia, conoció al luthier artesano y maestro en la fabricación de guitarras Toni Fayos, del cual Carlos Goñi ya tiene una guitarra y es quien trabaja para la reparación, modificación y mantenimiento de sus guitarras, así que empezó a ver la posibilidad de que Toni le fabricara una guitarra de la que ya Carlos había estado hablando con él como futuro proyecto, con unas características determinadas que ya el artista había especificado y de las cuales Toni tenía tomada buena nota, así que ahí empezó a germinarse el regalo de cumpleaños de este año, se trataría de una guitarra siguiendo el modelo Classic Telecaster Esquire del 56 con realización de relic, es decir, herrajes y cuerpo envejecido para conseguir apariencia de guitarra usada y con las especificaciones técnicas ya comentadas por Carlos Goñi.

Rocío pidió en Revolver Team que quien quisiera participar en el regalo de cumple de este año se pusiera en contacto con ella por privado y con estas personas formó un grupo de Whatsapp, donde comentó la idea y sabido el presupuesto fue sorprendente en el poco tiempo que se llegó al objetivo, claramente la idea de una guitarra que iba a ser fabricada a medida por Toni Fayos sería un claro acierto que a todos entusiasmó, ya visualizaban la cara de Carlos cuando la tuviera en las manos por primera vez, se comienza por tanto la fabricación de la que sería bautizada como “Rosita”.

Pero ahora vino algo para la sorpresa de éstos locos revolveros que sin duda desataría la euforia a la que ya eran adictos, Onda Cero tenía organizado un concierto de Revólver en Madrid el día 4 de octubre, cuatro días antes del día del cumpleaños y quisieron participar siendo cómplices en la entrega de la guitarra, así que Mónica, de Onda Cero, le dio gran sorpresa a Rocío cuando le dijo que un buen número de invitaciones seria reservadas para que los seguidores de Revolver pudieran asistir al concierto, así que todos los participantes del regalo además de otros muchos más podrían asistir al evento y realizarían la entrega del regalo.

Lo días pasaban, la fecha se acercaba Rocío gestionaba las invitaciones para que nadie quedara fuera y Toni avanzaba en la fabricación de Rosita, enviando fotos durante la fabricación para que pudieran ver el progreso, mientras tanto Moni, una mas en esta "locura RevolveRa”, fabricaba púas con los nombres de todos los participantes y una caja porta púas que acompañaría a la guitarra.

Llegado el gran día, el Teatro Príncipe Pio fue el punto de reunión en la capital de revolveros venidos de todos los puntos cardinales del país, desde Andalucía, Extremadura, Galicia, Navarra, Asturias, Mallorca, Valencia, etc., se dieron cita para disfrutar de un concierto de su grupo favorito, pero sobre todo para luego vivir la entrega de Rosita, así como para muchos, tras años de contacto en redes, conocerse en persona por fin, eso fue sin duda otra de las cosas que harían mágico ese día, colocándolo en un lugar privilegiado de los buenos recuerdos, para siempre para todos ellos.

El concierto fue espectacular, intenso, emocionante para los revolveros allí reunidos, de los más entregados y acérrimos del país, los de la bendita locura, los adictos a la euforia, como dice el título del último disco de RevólveR.

Al finalizar el concierto de aproximadamente una hora y media, las puertas se abrieron y la gente fue saliendo, quedando sólo los que conocían el secreto tan bien guardado que era Rosita.

Unos minutos después, Carlos fue avisado de que había mucha gente aún en el teatro que no se iba y lo esperaba, “ay esos locos RevolveRos”, así que salió y todos empezaron a cantarle cumpleaños feliz haciéndole entrega de una tarta, tras esto, le fue leído una dedicatoria por Sara, una admiradora que él conoce y cuyas palabras casi lo llevó al punto de hacerlo llorar de la emoción.

Aquí pensaría que acababa todo, pero al poco tiempo se dio cuenta que no era así, cuando le hicieron entrega de una caja con forma y tamaño de maletín de guitarra, fácil tenía ya imaginarse que era, sobre todo al ver entre la gente a su amigo Toni Fayos que vino desde Valencia para disfrutar ese momento también, Carlos empezó a desempaquetar con ayuda de Mat Sena, el capitán de la nave como él lo llama y cuando por fin llegó a abrir el maletín y ver a Rosita, se quedó sin palabras de la emoción, tanta como la de todos los allí presentes, quedó mudo por unos instantes, cuando se recompuso un poco la cogió en sus brazos y la gente le preguntó cómo se llamaba diciéndole donde podía ver en nombre, que estaba grabado en un placa junto al asa del maletín, él al verlo dijo riendo “Rosita”, acto seguido se le hizo entrega de “Las púas de Rosita”, tras esto, Carlos arrodillado aún delante de Rosita y mientras la miraba y acariciaba empezó a agradecer con un pequeño e improvisado discurso el regalo recibido, que con la voz un poco rota de la emoción terminaba así:

“Me sobrepasa con mucho estas muestras de cariño por que al final lo único que he hecho ha sido dedicar 40 y tantos años de mi vida a esto, pero porque aquí está mi vida, no me cuesta esfuerzo, no me cuesta trabajo, más allá de que a veces me cansen un poco los kilómetros, pero luego una vez que veo esto lleno, el alma se me reconforta y estas cosas que hacéis es que no se ni siquiera como poder estar a la altura, os juro que no sé, no se estar a la altura de estas demostraciones de cariño”

Entre la emoción, la felicidad y la satisfacción de haber llegado a este momento, después de meses esperándolo donde todo se estuvo preparando, tras estas palabras de Carlos Goñi el “Rosita Team” formado también por otros cómplices de todo esta aventura como Mat Sena y Oscar Rico de Sena Productions, Mónica de Onda Cero y todos los demás presentes, daba por concluida la noche con un sonoro aplauso.

Así acabó esta noche que se quedará en los más reconfortantes recuerdos de estos adictos a la euforia, estos orgullosos de tener la bendita locura RevolveRa, que sin duda le han regalado a Carlos Goñi no sólo una guitarra, si no también toda la admiración y el cariño de cada uno de ellos.

Que Rosita sea una buena compañera querido Carlos, en lo que es tu vida y tu pasión, la música. @mundiario

Es el primer largometraje del director portuense José Manuel Rebollo, que está experimentado en realización de cortometrajes y que “como una necesidad vital” como él ha señalado, da el salto al largo con esta película, que además de dirigir ha escrito y producido.

Protagonizada por María Andrómeda, Mabel Carrión y Asencio Salas, cuenta una historia que aborda temas de vital importancia y que en este caso van de la mano, como son la soledad, el duelo por un ser querido, la depresión, la locura y el suicidio, pero dejándonos al final de todo un mensaje esperanzador y que no deja indiferente al espectador.

Entre tanta oferta de cine rimbombante con empacho de efectos especiales, una película de bajo presupuesto, de cine independiente fuera del grueso del circuito comercial, tiene que ser capaz de contar una buena historia para que resulte interesante y llame la atención y en Sola se consigue con creces, se cuenta algo con significado, algo sobre lo que ha de abandonarse el tabú y ha de abordarse como necesidad social, como ocurre con la depresión y la salud mental.

Con unas grandes interpretaciones, momentos cargados de tensión buscada en los planos estáticos y los planos secuencias magistralmente rodados, ayudado por la música que encaja en cada momento, con el protagonismo de la casa donde ocurre todo, junto a una ambientación cuidada al detalle, la película nos sumerge en la historia al completo.

María Andrómeda es la protagonista principal y sobre la que recae mayormente el peso interpretativo de la película, le sigue Mabel Carrión en el papel de la madre, que realiza una estupenda interpretación y hace un magnífico tándem con su compañera de reparto, por último y quien tiene menos tiempo en pantalla es Asencio Salas, pero no por eso menos importante, el actor se come la pantalla en sus planos y es en sus apariciones donde mayor tensión se genera, sobre todo en la que para mi es la mejor escena de la película, donde tiene una conversación con el personaje de Mabel Carrión.

En definitiva, José Manuel Rebollo hace una gran labor en dirección y los tres protagonistas forman un triángulo interpretativo que funciona perfectamente, dotando a la película de la credibilidad suficiente para absorber al espectador.

Sola se ha realizado sin la ayuda de ninguna institución pública y se ha financiando en parte por una campaña crowdfunding y con fondos privados.

La película es proyectada inicialmente la semana del 19 al 25 de mayo en los siguientes cines: Los Multicines Al Andalus (Cádiz), Pequeño cine Estudio (Madrid) y los Cines Broadway (Valladolid).

Sinopsis: Tras recibir una mala noticia, Marta decide encerrarse en casa por voluntad propia. Aunque este confinamiento no será fácil de sobrellevar, teniendo en cuenta que empiezan a suceder cosas extrañas. @mundiario

Dudas y Conclusiones sigue la estela de ese anterior disco, continua dentro de su marcado estilo, con arreglos y producción cuidada y elegante que adorna letras personales con las que el oyente puede identificarse, disfrutar de sus historias, su musicalidad, su sentimiento en cada corte (pista o archivo para las nuevas generaciones que no sepan que es un corte en un disco) que compone esta nueva colección de canciones.

Estas canciones son el resultado de mis dudas y conclusiones, de mis aciertos y desaciertos, de la vida en su máxima expresión, pero sobre todo de mi manera de ver y sentir la música. Que la belleza de la música y de la vida esté siempre pegadita a ti. Joaquín Palacios.

Sitúate de la manera mas cómodamente posible y dale al play a Dudas y Conclusiones y disfruta de la música de Joaquín Palacios mientras lees esta entrevista.

-La música, bonito mundo, pasional como pocos, en ocasiones te busca y a veces te encuentra, ¿cómo te encontró a ti y como hizo que te dedicaras a hacer música?

-Me encontró de la mejor manera posible, con mis amigos de la infancia. Decidimos hacer un grupo y trabajamos dos veranos en una terraza recogiendo vasos para poder comprarnos los instrumentos. Aprendimos de manera autodidacta y sobre todo descubrimos que la música era la mejor vía posible para compartir, conocernos, y que no es solo entretenimiento, va más allá, une vidas.

-El mundo de la música puede ser muy poco agradecido a veces, ¿te sientes agradecido a la música?

-En la música como en la vida todo tiene su parte justa e injusta. Cuando algo te apasiona y las cosas no van como imaginas o esperas siempre buscas la manera de reinventarte. Me encanta hacer discos y cuando alguien escucha, comparte o compra una entrada para uno de mis conciertos, no se me ocurre mejor manera de devolver ese cariño que seguir haciendo canciones. Este oficio tiene la capacidad de emocionar e incluso cambiar vidas y cuando te rodeas del equipazo que yo he tenido para este álbum, solo cabe agradecimiento.

-¿Cuáles son las principales influencias en tu música?

-Como te decía antes, la música puede y te cambia la vida al menos en mi caso. Un programa de radio llamado DIALOGOS TRES presentado por Ramón Trecet me sumergió en músicas que ni imaginaba que existían. Descubrí a músicos como JEFF BUCKLEY, THE GEOFF SMITH, EVA CASSIDY, RICHARD BONA y todo lo relacionado con las nuevas músicas.

-Dudas y Conclusiones, ¿has conseguido conclusiones para todas tus dudas? no te digo en la vida, eso puede ser muy personal, sino en la música.

-En eso estamos, La música y la vida van de la mano, en ente disco me dejo llevar, no hay meta posible. Intento que cada canción nos transporte a un viaje de ida y vuelta, a seguir descubriéndole detalles a la vida, al amor en toda la extensión de su palabra. Un canto a la amistad, mi regalo más preciado. Si mis dudas y conclusiones consiguen emocionarte, el viaje ya ha merecido la pena. Han sido dos años de mucho trabajo y dedicación, pero aquí está Ahora toca disfrutar, ver y sentir como la gente conecta con las canciones.

-¿Cómo de difícil es grabar un disco hoy en día para alguien que no está en el candelero mediático-musical sólo reservado para unos cuantos, que no cuenta con una discográfica fuerte detrás y que se lo tiene que autogestionar todo?

-Muy difícil, en mi caso mi anterior disco y este son de una grandísima producción para alguien que se autoproduce un disco y no está en el negocio musical, directamente es un suicidio, pero como dicen los béticos “estamos locos de la cabeza”. Hemos venido aquí a jugar, no sé cuánto tiempo podré seguir permitiéndome seguir haciendo estos discos, pero como te dije antes voy a contracorriente, cuantos menos discos se venden es cuando mis producciones son mejores. Pero la música tiene eso de injusto, puedes hacer una grandísima producción o simplemente grabar un disco a guitarra y voz, y el último te puede emocionar incluso más. Quiero decir con esto que al final lo importante son las canciones, pero si te rodeas de los mejores medios posibles mucho mejor. Este oficio solo entiende de currar, currar y currar. Seguimos en la lucha.

-Son muchos los músicos que hay fuera del candelero mediático-musical, que hacen buena música y conciertos por salas cada semana, que no cuentan con las radios más allá quizás de la local de la zona donde viven, pero que gracias a las redes sociales tienen sus seguidores desde cualquier punto geográfico, que están al tanto de sus conciertos, en este sentido las redes han sido una estupenda herramienta, ¿qué opinas tú, usas las redes sociales para dar a conocer tu música?

-A día de hoy se ha convertido casi en el único medio para difundir la música, me guste o no. Intento que las redes sociales no se lleven todo el foco mediático, porque soy de la vieja escuela y me siguen encantando los medios tradicionales como la radio o la prensa escrita, como es vuestro caso. Gracias a espacios como este no todo está perdido. Gracias de todo corazón por el apoyo y difusión.

-¿Qué opinas de la presencia de la música en televisión?

-Desgraciadamente la presencia de la música en televisión se reduce prácticamente a programas de concurso. Echo de menos la gran cabida que tenía la música en directo en televisión sin importar el género musical, entrevistas etc… Ahora parece que todo se reduce a ser el numero uno y a tener éxito y se nos olvida que lo que nos hace grandes es todo el esfuerzo y trabajo que hay detrás. Siempre nos quedara la dos.

-Compones todas tus canciones, ¿en qué te inspiras principalmente para componer, vivencias propias, ajenas, historias inventadas, …?

-De lo propio y de lo ajeno, pero siempre tirando de imaginación, es lo maravilloso del oficio de hacer canciones.

-Este disco lanzado en abril de 2023, se ha grabado entre los meses de diciembre de 2021 a septiembre de 2022, un proceso de grabación largo, ¿cómo se ha desarrollado, por qué tanto tiempo?

-En el momento que decides hacer un disco como este, tienes que hacer una preproducción bastante organizada, y hay muchos factores que no dependen de ti, por ejemplo, a la hora de elegir estudio o músicos, compaginar fechas es bastante complicado, y eso hace que se alarguen bastante los plazos. Ha sido un viaje lleno de curvas, pero de grandísimas satisfacciones. Me he rodeado de músicos increíbles. Un aprendizaje constante.

-¿Qué puedes decir a quien vaya a escuchar tu disco que se va a encontrar cuando le dé al play, que le estás ofreciendo?

-Que cada canción es un mundo por descubrir, que seguirás descubriendo detalles a medida que más lo escuches, pero sobre todo que las canciones son las protagonistas y no quien las interpreta. Que saques tus propias DUDAS Y CONCLUSIONES.

-Te has arropado prácticamente del mismo equipo de profesionales para este disco que para el anterior, cuéntanos un poco quienes han sido y por qué.

-Sí, prácticamente ha sido el mismo. Grabado entre Sevilla y Madrid. Hemos hecho un fichaje nuevo, Curro Martín, ha sido el encargado de grabar todas las guitarras del disco. Ha hecho un trabajo increíble, todo un descubrimiento. Y Consolación Martín “Chon”, que ha grabado coros. Pero como siempre la guía de toda la producción corre a cargo de Juanmi Begines “Jubego”, él hace que mis canciones entren en otra dimensión. De los seres mas bonitos y que más admiro. He vuelto a contar con la gracia divina de David Simó a la batería y la maestría de Manolo Nieto en el bajo. La voz la he grabado con mi admirado Gonzalo Lasheras. El disco se ha grabado y mezclado por el maestro Luis Villa y masterizado por Mario G Alberni.

El diseño del disco ha sido de mi querido Martin Acosta.

CASI NA….

-En tu anterior disco, en la canción “Pasajero soy” dices en una frase “la música te busca y a veces te encuentra” y con ese lema pusiste en marcha una bonita iniciativa donde colocabas CDs de “Soy Capaz” en lugares estratégicos para que la gente los encontraran, menudo regalo bonito, ¿cómo se te ocurrió?

-Todo empezó con mi primer trabajo en 2004 “Sentirse azul”. Siempre me gustó la idea de compartir mi música e intentar hacer un poco más agradable el día a la gente. No me importó mucho el cómo, pero me encanta pensar hasta dónde podría llegar mi música. Compartir, a fin de cuentas, para mí es esencial en la vida y en la música, como no podría ser de otra manera.

-¿Te dio satisfacciones esta iniciativa, alguna anécdota digna de contar?

-Sí, me ha dado muchas. En una de ellas, una chica se encontró un CD y me escribió diciéndome que le había encantado el disco, y que le encantaría entrevistarme para el programa “Hoy por hoy” en Cadena Ser, ya que casualmente ella trabajaba allí.

En otra ocasión, otra chica se encontró el CD en su coche, casualmente era periodista y trabajaba para un periódico, y le encantó la forma de hacer difundir mi música, y consiguió que me hicieran una entrevista para su periódico.

Desde aquí quiero dar las gracias a toda la gente que me comparte fotos y me comenta sus sensaciones al encontrarse mi música. Me sigue emocionando.

-Además de lanzar “Dudas y Conclusiones” en las plataformas digitales, lo sacas en CD, cosa que aplaudo, ¿qué significa para ti la edición física de un disco hoy día entre tanta red, plataforma, Smartphone y demás condiciones que hace de la música un producto infravalorado de consumo rápido de usar y olvidar?

-A mí me sigue gustando el placer del formato, como con un libro, que sientes que todo es más humano, en este mundo de canciones de usar y tirar. Creo que ambas pueden convivir perfectamente.

-En “Soy Capaz” contaste con la colaboración especial de Javier Álvarez en el gran tema que es “Canción que podría”, en este nuevo disco no hay colaboración, ¿no buscaste una colaboración o quien hubieras querido no pudo?

-En este disco ni se ha dado ni se ha buscado. La colaboración de Javier Álvarez son de esos regalos que te da la vida y que no puedes dejar pasar.

-¿Qué dice la voz de mujer con la que da comienzo la canción “Ojos de Meiga”?

-Ya me gustaría a mí saberlo, si conoces a alguien que sepa gaélico… Son cosas de mi arreglista, son voces sacadas de librerías musicales, en este caso nos encantó esta chica. Va mucho en la onda de las nuevas músicas, como te comenté anteriormente. Queríamos enlazar tradiciones entre norte y sur.

-¿Cuál es la canción más especial para ti en “Dudas y Conclusiones” y por qué?

-Pues justo una de las más especiales es “Ojos de Meiga”, un homenaje al norte y al sur, a la tradición, pero sobre todo a mi compañera de vida. Un canto a la diversidad.

-La última canción del disco, titulada “Bienvenido a mi vida” ¿es a un amor pasado, o a un amor presente?

-Efectivamente es un amor, pero en este caso es un amor teatral, esta canción forma parte de una obra de teatro del mismo nombre, en la que tuve el honor de componer la banda sonora y que junto con la canción de Madrid dan vida a esta maravillosa historia escrita por Susana Mercado.

-¿En qué formato defenderás el nuevo repertorio en tus conciertos, con banda o tú sólo a guitarra y voz?

-A guitarra y voz, defender este disco yo solo me sigue poniendo los pelos de punta. Me gusta el reto. Desgraciadamente llevar una banda tiene unos costes que hay que cubrir y condiciones que no se dan. Jugamos en otra liga.

-¿Hay alguien con quien sería un sueño para ti contar alguna vez para una colaboración en un disco?

-Hace poco vi en directo a Silvia Pérez Cruz, y como dijo Salvador Sobral, he sido emocionalmente atropellado por su concierto, ha sido todo un descubrimiento.

-Recomiéndanos un disco que hayas escuchado últimamente y te haya gustado mucho.

-El último disco del grupo celta escocés RURA, Dusk Moon, una delicia.

-La última nueva canción que hayas conocido y que te haya gustado mucho.

-Agape de la banda británica de folk Bear´s Den

-Tu último descubrimiento musical.

-El músico ingles Jacob Collier, un genio.

-Y una o un cantante de siempre e indispensable.

-Eva Cassidy.

-¿Sigues en Madrid en un proyecto teatral donde pones la música? Cuéntanos algo sobre ello, nueva temporada, ediciones, lugar, etc.

-Hicimos casi 100 representaciones de la obra “Bienvenido a mi vida”, pero con la pandemia se paró, y no se volvió a retomar. Un reto increíble que me une a esta maravillosa compañía de teatro llamada Serendipity. Vendrán cosas nuevas.

-¿Tienes ya fechas de presentación del nuevo trabajo?

-La presentación será el 3 de junio en la sala Collage Burlesque de Madrid.  @mundiario

Joaquín Palacios, un compositor expansivo y sin prejuicios, un artista melancólico y nostálgico, aunque no por ello triste. Filosófico tal vez, de los que hacen reflexionar, deja copias de sus CDs en algunos coches y sitios que le inspiren algo, porque le gusta imaginar hasta dónde puede llegar su música, con una nota que dice "La música te busca y a veces te encuentra". Una iniciativa que define su trabajo dentro de un género musical que se resiste a ser encorsetado en la noción de cantautor al uso. Bordea más, quizás, el estereotipo de un investigador. Explorador de la belleza.

Puedes seguir a Joaquín Palacios en redes en los siguientes enlaces: Youtube - Bandcamp - Spotify - Soundcloud - Facebook

Estamos ante una letra comprometida que celebra cómo la comunicación en redes y las nuevas tecnologías en general están creando un movimiento que “se le escapa de las manos a ese poder invisible que nos dirige”, tal vez porque las nuevas tecnologías generan precisamente un nuevo movimiento social.

Esta entrevista a Álex de la Nuez nos la acerca nuestro amigo Enrique Mezquita.

– ¿Por qué nace “La Caja de Pandora”?

– Desde que percibí claramente el potencial de las redes para comunicarse entre la gente, fui evaluando las maneras en que los poderes trataban de distorsionar ese monstruo que ellos mismos habían creado. La canción trata de celebrar que la balanza se decante hacia la transparencia, ya que las nuevas tecnologías están generando un movimiento social que se escapa del control de los poderosos. Además, busca explicar que no vivimos un problema de derecha o izquierda, sino de arriba y abajo. De hecho, la gente que lo ha escuchado se identifica igual..., independientemente de su ideología. Para eso está el arte, ya que que personalmente no soy tan optimista.

– ¿Qué podemos apreciar en ella?

– Musicalmente es un tema inspirado en George Harrison, del cual hereda su desarrollo armónico, pero también con pinceladas de Jeff Lyne (ELO) y Travelling Willburys. Y por otro lado, las acrobacias armónicas de Chico Buarque y tintes “tequileros” en el riff que se repite durante la canción.

– Oído el tema, ¿debemos ser optimistas o pesimistas respecto al futuro de la sociedad?

– Como ya he comentado, a pesar del pesimismo, quiero celebrarlo pues que seamos conscientes de esa realidad ya es un gran paso adelante. A la vez que los mass media están más controlados por las corporaciones, también crece el número de personas que desconfían de estos. Aunque, no podemos negarlo, la desinformación también campa a sus anchas en Internet.

– Y en el terreno musical, ¿cómo cree que está el panorama?

– No tan horrible como parece en España. Hay muy buena música por ahí: Maro es una cantante portuguesa que hace unos temas preciosos, The Beths son un buen grupo, Billie Eilish y la misma Rosalía son artistas con un talento descomunal, al margen de gustos personales. De hecho, hay algo que llevo viendo en persona desde que empecé hace 40 años, pero que  existe desde siempre: por un lado, toda innovación causa rechazo; por el otro, esto es música popular y no estamos en posición de sentar cátedra.

– ¿Cuáles son los planes de futuro de Álex de la Nuez?

– No future, Now, here, nowhere…,acabo de publicar un tema. Como el concepto “álbum” está anticuado, ya veré cuándo saco el siguiente, aunque será mucho más pronto de lo habitual. Tengo una banda para defenderlo en vivo, aunque la situación del mercado (y eso que nos pidieron que renunciáramos a cobrar por los discos…) es insostenible. @mundiario

Puedes seguir a Álex de la Nuez en:  Instagram - Facebook.

El primer volumen de una serie que recorre con ritmo único uno de los periodos más apasionantes de la historia universal, la conquista de América, fiel a cuantos hechos se conocen de ella, viajando en el tiempo junto a sus protagonistas, disfrutando de la historia, inmersos en aventuras, intrigas, descubrimientos, amores y desengaños, en busca de fortuna de la mano de Bernal de Conil, un chico que se embarca en La Pinta, unas de las tres embarcaciones comandadas por Cristóbal Colón que cruzarán la Mar Océana hasta el otro lado del mundo.

El lector acompañará a Bernal y sus compañeros a lo largo y ancho de la geografía de las Indias, donde conocerá a Cái, un joven taíno, con el encuentro de ambos mundos dará comienzo una epopeya que marcará un punto de inflexión en la historia.

Los autores

David Martos, (Madrid, 1969). Investigador y apasionado de la historia de la América Española, uno de los principales divulgadores online del periodo de la Conquista de América a través de su blog que es referencia, www.historiadelnuevomundo.com. Un espacio que fundó y administra él mismo. Reside desde hace años en Santo Domingo, República Dominicana.

Fernando Marañón (Madrid, 1968). Director creativo de una agencia de comunicación especializada en Cuba, a la que viaja con gran frecuencia, es por vocación escritor y dibujante. Ha publicado Circo de fieras (2004, reeditada en 2010), Tiene delito (2006) y Gilda en los Andes (2017), entre otras. También ha colaborado en obras colectivas y de encargo. Ha ilustrado libros de Grijalbo y Santillana y escrito en revistas de todo tipo (Nickel Odeon, Más Galicia, Qué leer, Singular, Kobe, Gastroplanet, etc). Fue durante ocho años comentarista cultural en Cadena SER, Telemadrid y Onda Cero.

En MUNDIARIO ya entrevistamos a Fernando Marañón con motivo de la publicación de su anterior novela, Gilda en los Andes, puedes leer aquella entrevista pinchando AQUÍ.

–  ¿Cómo surgió la idea de crear la obra literaria “Bernal del Nuevo Mundo”?

– Fernando: La idea fue de David. Le encantaba el periodo hasta tal punto de convertirse en un estudioso del mismo. También en divulgador, a través de su blog www.historiadelnuevomundo.com. Me trasladaba a la menor ocasión que las novelas llegan más lejos que los documentos, que esos parecen reservados solo a los expertos. Total, que me lio.

– David: Se resistió durante años, pero ha acabado enganchándose (ríen). La idea de crear una novela histórica que abarcase la conquista de América me vino porque hice un rápido análisis de qué obras había publicadas sobre el tema y vi que la mayoría eran sobre un tema o hecho muy concreto y, si algún autor o colección se extendían más, lo hacían de forma inconexa y aislada, por lo que no presentaban un relato global como se merece este evento. Entonces pensé que sería muy interesante crear algo que abarcase de forma unitaria toda la conquista y con un testigo único como es Bernal, algo así como unos “Episodios Nacionales” de la conquista de América, al estilo de los de Galdós sobre el siglo XIX, sin querer ser pretencioso. Se lo propuse a Fernando y aquí estamos.

–  Esta obra, enmarcada en novela histórica, ¿es realmente una invitación a conocer historia o a vivir unas aventuras ficticias con unos personajes de ficción como en cualquier pura novela?

– Fernando: Es ambas cosas. Se trata de que la gente conozca la historia sin tener la impresión de que está clavando codos para aprenderla. No, eso suena aburridísimo. Y aquí se pretende lo contrario: vamos a divertirnos, aunque de paso ampliaremos conocimiento sobre un periodo apasionante, no solo de la historia de España, sino de la humanidad. Todo aquello cambió la concepción del mundo.

– ¿Qué es más complicado, hilvanar una aventura dentro de un marco histórico que comprende unos hechos documentados o donde todo es ficción y podemos tomarnos las licencias históricas que queramos, si es que lo hacemos?

– Fernando: Cada forma de contar tiene sus pros y sus contras. Si te limitaras a narrar Historia harías una simple crónica, pero si dejas a la imaginación dueña y señora de todo puedes meter unas morcillas importantes. La ventaja de utilizar ambas vertientes es que se consigue cierto equilibrio. Además, en este periodo el material real ya es de por sí novelesco, hasta increíble en muchos casos: el Teide en erupción, el Mar de los Sargazos, los peces voladores, los caribes caníbales, el fuerte Navidad… solo el primer tramo del volumen, ateniéndose a lo que se conoce, destila aventura. Cuando lo inventas todo puedes tener más libertad, pero tienes que inventarlo TODO. Y lo que suele acabar pasando es que el autor de ficción pura se inspira a menudo en hechos reales que adapta a su trama. Aquí hacemos lo contrario: adaptar la trama a los hechos reales.

El autor de ficción pura se inspira a menudo en hechos reales que adapta a su trama. Aquí hacemos lo contrario: adaptar la trama a los hechos reales.

– El marco histórico donde se desarrolla la obra es un poco complicado quizás de tratar sin molestar a nadie, ha cobrado gran actualidad y es un periodo discutido como pocos y puede generar distintos puntos de vista que alimenten la leyenda negra o la leyenda rosa, ¿os ha generado preocupación este hecho a la hora de desarrollar y escribir la novela?

– David: El problema es la politización de la historia. Algunos políticos han visto una mina en la historia de la conquista de América para utilizarla como victimización y apoyar y justificar sus reivindicaciones actuales por unos hechos ocurridos hace 500 años. En esta novela y en la construcción de su marco histórico me he basado en las crónicas de Indias y en estudios serios recientes, sin ningún tipo de miedo a qué dirán. Si la historia lo dice poco me importa que alguien se moleste, si se molesta es su problema, no el nuestro, ni el de la historia.

– ¿Cómo ha sido el proceso creativo entre escritor e historiador? ¿Cómo habéis coordinado vuestras respectivas labores?

– Fernando: Digamos que David traza cada ruta que vamos a seguir en el mapa de la conquista; es, además –por decirlo en el lenguaje de la obra-, el rey que da las capitulaciones y el armador que pone el barco, la tripulación, el alimento y las armas.

– David: Luego Fernando toma el timón y pilota la nave por aguas desconocidas. Vamos, que lo va contando y le añade personajes y aventuras de su propia cosecha. Es quien tiene que convertir los datos en novela, conmigo manteniendo a raya su calenturienta imaginación y mandando refuerzos cuando los necesita. Mientras él escribe, yo me ocupo de suministrarle cuanto necesite sobre hechos concretos, costumbres interesantes, vestimentas, dietas, anécdotas verídicas de la época que puedan apuntalar su ficción.

– Fernando: Eso es lo difícil y lo divertido: trenzar la verdad de los hechos con lo imaginado. Es pasar de “esto es lo que sucedió” al “pudo suceder así”.

– A este episodio de la historia lo llaman “El Descubrimiento de América” y también “La Conquista de América”, para vosotros ¿cuál os parece más acertado?

– David: Descubrimiento y conquista son distintos procesos. El proceso de descubrimiento no fue solamente el ocurrido en 1492, sino que posteriormente continuaron las expediciones que fueron descubriendo el resto del continente a ojos de los europeos: en el viaje de Colón se descubrieron gran parte de las islas caribeñas, para luego otros navegantes continuar descubriendo la costa centroamericana y el resto del continente. Del descubrimiento en sí se pasaría a la conquista del territorio descubierto y explorado, produciéndose según el lugar distintos tipos de conquistas: más violentas o más pacíficas en función de las circunstancias del lugar, pero la constante fue llegar al lugar, buscar alianzas con los nativos y tratar de negociar con los que no se aliaban. Si no se llegaba a un acuerdo se desataban los enfrentamientos y el que vencía se hacía con el poder y el territorio.

– Esta obra literaria, ¿con qué lector conectará mejor, con el español, el latinoamericano o pensáis que con ambos por igual?

– Fernando: Esperamos que con todos. Aunque el narrador sea el español, cuenta el pasado de todos, puesto que ellos y nosotros somos fruto del encuentro de ambos mundos. Pero si vamos al aprecio de lo precolombino que predomina en América, también hemos tenido muy en cuenta la mirada indígena en la saga. Digamos que hay un personaje tan protagonista como Bernal nacido en “Las Indias” antes de que los españoles lleguen allí. Serán amigos y enemigos a lo largo de la serie, según toque en cada momento.

– David: lo que se narra en esta serie es la historia común de ambos lados del océano por lo que espero y deseo que conecte con ambos por igual.

– Juan Laborda Barceló, escritor y doctor en historia es quien escribe el prólogo de Mares Nuevos, ¿por qué lo habéis elegido a él?

– Fernando: Es profesor de Historia, escribe en publicaciones especializadas, pero además es un excelente novelista. Es decir, que brilla en las dos facetas que nos interesan en este caso. Además, es un gran tipo, no hay más que leer su prólogo para darse cuenta (risas).

– El protagonista indiscutible es Bernal, de Conil, un pueblo gaditano a orillas del Atlántico, ¿es ese el origen del protagonista por algún motivo en especial?

– Fernando: Estaba claro que tenía que ser andaluz, nos facilitaba ir directos al grano, cómo se embarcaba, con quién. En cuanto a Cádiz, ya sabes que me gusta que los protagonistas sean de Cádiz, no sé, es como un talismán. Hitchcock salía en sus pelis y Cádiz sale en mis novelas. Conil era perfecto: marinera, pesquera, con historia… Y luego lo bien que suena el nombre ¿no?: Bernal de Conil. 

– En este primer volumen Bernal es un chico de unos 13 años, ¿es pues esta novela apta para recomendar su lectura a chicos menores adolescentes?

– Fernando: La primera parte del libro especialmente, creo que podría leerla un chaval de trece o catorce y disfrutarla mucho. Es muy aventurera, sencilla de seguir, con un lenguaje muy asequible. Después, el texto crece con el personaje, pero sin pasarse (espero). Yo ensayé con una hija de quince años la accesibilidad del “libro primero” (primera parte de Mares Nuevos) y aprobamos con nota. 

– David: Viendo como en los planes educativos modernos restringen cada vez más el estudio de la historia y de algunos de sus episodios más interesantes, creo que los  padres de esos adolescentes deberían de proporcionarles esta novela para asegurarse de que sus hijos están recibiendo la información adecuada de un hecho tan impresionante como es la Conquista de América, por lo que sí, esta novela es muy apta y muy recomendable para una educación histórica de la juventud actual y de lo que no es la juventud también.

– Esta novela que llega, Mares Nuevos, es la primera de una trilogía, ¿no convierte en arriesgado a este proyecto el ser concebido como una trilogía?

– David: Hay mucho que contar, hacerlo en un solo tomo era inviable. Afortunadamente, lo más destacado (lo más sonado también), sucede en un rango de tiempo de unos sesenta años. Aunque para mí es apasionante toda la historia hispanoamericana, siglo a siglo. Pero la llegada, la expansión por el Caribe, la conquista de México y Perú… todo eso sucede en un tiempo razonable. No para una sola novela, pero para una serie de esta extensión sí.

– Fernando: Y estoy yo para tachar (ríe)

– ¿Cuándo está previsto que llegue el segundo y tercer volumen?

– Fernando: Vamos a toda vela, la idea es que en un año como mucho salga la siguiente entrega. Ya está casi lista. 

–  ¿Cuál ha sido el mayor reto a superar desde desarrollo y creación a la publicación de Mares Nuevos?

– David: Convencer a Fernando de que el proyecto era magnífico, realizable e ilusionante. Y lo mejor es ver que el fruto está siendo mucho mejor de lo que en un inicio pensé.

– Fernando: Convencer a David de que hay detalles históricos que solo le importan a él.

– Fernando, tu anterior novela, “Gilda en los Andes” es un auténtico homenaje al mundo del cine y como gran cinéfilo que eres tengo que preguntar, ¿es Mares Nuevos una novela cinéfila? Es decir, adaptable al cine, …o serie, ya que estamos en la era de las series.

– Fernando: Bueno… ¿hay algún productor en la sala? Bromas aparte, todo lo histórico tiene una potencia visual digna de llevarse a la pantalla. Los escenarios, las vestimentas, los paisajes, los barcos, la acción… Pero es algo caro de hacer, si se quiere hacer realmente bien. Cuando se comparan los presupuestos de la épica anglosajona con lo poco que se intenta en el mundo hispanohablante en un tono similar, pues salimos perdiendo por goleada. Ya antes de entrar en la manera de enfrentarse al resultado. Los anglosajones no parecen tener ningún complejo con sus asuntos del pasado. Nosotros sí. 

– La novela en formato físico cada vez parece tenerlo más complicado, pero no se puede negar que su encanto supera con creces a la novela en formato digital y por ello es que se resista a desaparecer, ¿creéis que llegará pronto el día en que se deje de editar novela en formato físico?

– David: a mí me gusta el formato papel, pero si te soy sincero cuando estoy leyendo en papel a veces echo de menos eso de seleccionar el texto y llevarlo a un buscador o ir a una cita interna con un solo click sin tener que buscarla manualmente. En lo práctico, lo digital gana por goleada, pero en papel la verdad que mantiene su magia…

– Vosotros ¿sois de leer novela en papel o en libro electrónico?

– Fernando: Papel

– David: Ambos, y el podcast y audiolibros van ganando terreno...

– ¿No creéis que hoy día con tanta oferta de entretenimiento ante tanta pantalla de tan distintos tamaños, tanta plataforma digital con películas y series a porrillos, la lectura de una buena novela se hace cada vez más difícil?

David: En el caso de la novela histórica, yo creo que el que le gusta este género, aunque tenga ofertas de otros muchos tipos de ocio sigue leyéndola con placer y devoción. Leer novela histórica no es simplemente leer o entretenerse, es viajar en el tiempo y en el espacio dentro de tu propia mente, es despegar y volar y esta experiencia es personal e imposible de ser sustituida por cualquier otra oferta visual.

Fernando: Estoy de acuerdo, pero solo en parte. El recientemente desaparecido Jesús Quintero hablaba de que nunca hasta ahora se había presumido de no abrir un libro. Que “los analfabetos de hoy son los peores, porque saben leer y escribir, pero no ejercen”. No sé si eso tiene que ver con el crecimiento exponencial de otras fórmulas de ocio aparte de la lectura. Quizá no esté relacionado. Lo que sí es evidente es que la multiplicidad de opciones hace que le dediques menos a cada una. Y la pantalla tiene un plus de atractivo, te lo muestra, no tienes que tomarte la molestia de imaginarlo. Hasta parece que las series han sustituido a los libros y muchos libros sueñan con convertirse en serie (para amplificar su éxito, claro). También es cierto que los lectores de novela histórica son especie un poco aparte.

– Estáis con las presentaciones de “Mares Nuevos”, de momento habéis presentado el pasado 10 de octubre en Madrid y presentáis el próximo 4 de noviembre en Conil de la Frontera, la primera en la capital, donde vive Fernando y la segunda en el pueblo de Bernal, el protagonista, en Conil de la Frontera, ¿haréis más presentaciones en lugares ligados a la novela?

– La idea es pasar por Salamanca, Barcelona y Sevilla también, pero el sueño más ambicioso es presentarla en Santo Domingo y La Habana, La Española y Cuba. Hay posibilidades y las vamos a apurar todas.

El 4 de noviembre, presentación de Mares Nuevos en Conil de la Frontera (Cádiz), en el espacio cultural La Chanca, en la Nave de la Sal a las 19:00h, con el escritor, Fernando Marañón y el documentalista de la obra, David Martos. Próximamente más fechas de presentaciones en otras ciudades, con más información en https://bernaldelnuevomundo.com/ @mundiario

Su último disco de estudio se llama Cuatro Rosas, “una apuesta por un rock más potente, con aires sureños (California, Nuevo México…), sonidos más áridos, slides, nuevas armonías en las voces... manteniendo e incluso potenciando la base rockera y contundente que nos caracteriza”, según destaca su líder, Leo Fernández.

Nos gusta que la gente vea identificada una parte de sus vidas en nuestras canciones - Leo Fernández (Sin Tregua)

¿Cómo nació el proyecto de Sin Tregua?

- Es la evolución natural que siguió a mi anterior proyecto, Mar Adentro. La banda ha pasado por varias transformaciones hasta llegar a lo que es hoy en día. Desde una formación acústica con la que giramos varios años de violín, cajón flamenco y guitarra, pasando por batería, violín y guitarra, hasta la transformación en banda de rock (que era la idea con la que hice Sin Tregua) de bajo, batería y guitarra. Desde ese momento, la banda fue poco a poco aumentando en componentes, los cuales nos fuimos conociendo, como se suele decir,  en la carretera. Y para la grabación de nuestro undécimo aniversario, llegó prácticamente a lo que es hoy en día: una banda de rock potente y muy solvente en el escenario.

¿Cómo definirías vuestra música y cuáles son las principales influencias?

- Sé que sonará a tópico, pero es difícil de autodefinir el estilo que uno hace. Una amiga y comunity manager, Vane Balón (Distrito Uve), nos definió como una “banda de rock sin ataduras”. Eso es debido a que, aunque es evidente el rock en nuestra discografía, no me rijo estrictamente por los acordes, armonías, temáticas y estructuras típicas del género. Las influencias de la música de Sin Tregua son sobre todo bandas de rock español como Revólver, La Frontera, 091, Los Secretos, Los Rebeldes, Tahúres Zurdos…

¿Qué os inspira en la composición?

- Procuro salirme de la temática de amor clásica que suele hacer todo el mundo. Hay cosas de las que hablar, problemas que nos atañen a todos y situaciones en las que la gente se ve envuelta de un modo u otro. No son letras autobiográficas, al menos en su mayoría, pero no dejan de ser situaciones reales o que podrían serlo para mucha gente. Creo que gran parte del público puede sentirse identificado, ya sea totalmente o en parte, con muchos de los temas.  Y nos gusta que la gente vea identificada una parte de sus vidas en nuestras canciones.

Tras cinco discos y 16 años, ¿cuál es tu visión de la trayectoria del grupo?

- Pues sinceramente creo que ha sido una trayectoria ascendente. Quizá no tanto en el ámbito de “ser muy conocidos”, pero sí en el plano de la banda en sí. Sonamos cada vez con más solidez y solvencia y las composiciones han ido mejorando a nivel compositivo y armónico. Creo que todo es gracias a que no damos por buena cualquier cosa y a que intentamos, dentro de nuestras circunstancias (trabajos, familia, etc.), perfeccionar y pulir cada detalle.

Y dentro de vuestra historia, ¿qué representa Cuatro rosas?

- Pienso que es el mejor disco que hemos hecho hasta ahora. Estamos todos muy orgullosos de la parte que corresponde a cada uno, así como del resultado final. Y plenamente convencidos de que este disco aún tiene mucho que “decir”.

A corto y medio plazo, ¿cuáles son vuestros proyectos?

- En previsión tengo, como poco, tres discos más, teniendo el concepto muy claro, así como por dónde quiero que vayan y cómo realizarlos. Y creo que sorprenderán gratamente. Todo eso, por supuesto, siempre que las circunstancias nos permitan llevarlos a cabo. El objetivo principal es llegar a tanta gente como sea posible y hacer disfrutar al público con nuestro trabajo.

¿Y con quién os gustaría colaborar?

- ¡Pues he de decir que nos gustaría colaborar con todo el mundo! Jeje… A ver, seriamente, siempre he pensado que la música es sobre todo compartir. Todo el mundo dice, como si liberase un poco alguna carga que lleva consigo, que los grandes artistas son gente normal, como tú o yo. No estoy de acuerdo del todo con esa afirmación. Después de haber pasado unos años ya en este mundillo y conocer a gente como Aurora Beltrán, Rebeca Jiménez, Merche Corisco… puedo decir que son personas con algo especial, tienen un brillo y una personalidad que les hace destacar, ser distintos. Poder compartir una canción con ellos en un estudio o en directo, es algo mágico. Un intercambio de energías y un aprendizaje (para nosotros al menos) que no tiene precio. ¿Con quién me gustaría que aún no he podido cantar? ...pufff, entre otros, con Carlos Goñi, Javier Andreu, Nacho Campillo, Álvaro Urquijo, Loquillo, Carlos Segarra, Manuel España, Mikel Erentxun, Rafa Sánchez, José Manuel Casañ…

Para mas información puedes seguir a la banda Sin Tregua en sus redes:

Youtube - Instagram  - Facebook  - Twitter  

Puedes escuchar Cuatro Rosas de Sin Tregua en Spotify.

Esta entrevista que traigo en esta ocasión, está realizada por mi amigo Enrique Mezquita.

- ¿Cómo nació la colaboración con Álex de la Nuez?

En marzo de 2020, gracias a las redes sociales, contactamos y vimos la posibilidad de colaborar en la promoción de su último tema en aquel momento, “Rimando hasta la victoria”. A medida que profundizábamos en la labor promocional, le comenté a Álex que me gustaba escribir letras y nació la posibilidad de que musicara e interpretara alguna de ellas. Y, hasta el momento, esa colaboración se ha plasmado en cuatro temas.

- La primera canción que ve la luz es “Esencia”, ¿cuál es su historia?

Me gusta mucho hacer turismo rural y de pueblos pequeños y con encanto. Hace unos años, conocí la iniciativa de la asociación “Los pueblos más bonitos de España”, que actualmente agrupa a 104 poblaciones. Como una guía o referencia, empecé a planificar viajes y recorridos para ir conociendo esos pueblos (a día de hoy, llevo 77 visitados). Sus calles y plazas, sus rincones y su gente... se convirtieron en fuente de inspiración y finalmente nació la letra. Posteriormente, Álex le puso una fantástica música y una sentida interpretación.

- ¿Y qué pretendes plasmar en la canción?

En primer lugar, lo especiales y mágicos que son estos destinos, que tienen un ritmo de vida y trato humano que no se encuentra en las ciudades. Y después, la importancia de recordar, honrar y preservar nuestros orígenes, que es una buena forma de no perder nunca el norte. De ahí, lo de “Esencia”...

- Aparte de este tema, ¿hay otros que próximamente irán viendo la luz?

Sí, en una primera etapa preparamos tres canciones más que tratan temáticas muy diversas. Una es sobre la evolución de una persona a lo largo de las décadas de su vida; otra, de reconocimiento a los profesionales y el resto de la sociedad que, que desde el primer día, trabajaron con ahínco para minimizar el impacto de la covid-19... E incluso una sobre algo tan curioso y original como una “luna de fresa”.

- ¿En qué te inspiras para componer las letras?

Como periodista, llevo toda la vida acostumbrado a “escribir”, pero también con el deseo de poder dar rienda suelta a una vena más creativa... y sin límites. Por ello la inspiración puede venir de cualquier sitio, escenario o persona... Se trata, de forma muy gráfica, de “ver con los ojos y el corazón”, ya que, para que algo suene sincero y auténtico, lo mejor es sentirlo realmente.

- Aparte de Álex de la Nuez, ¿otras colaboraciones en marcha o en proyecto?

La verdad es que tengo trato y contacto con otros músicos y, en mayor o menor medida, hay proyectos o ideas germinando. Pero aún es pronto para poder apuntar más cosas. Lo que está claro es que cuando fructifiquen os lo contaré encantado.

 - ¿Para quién te gustaría escribir?

La verdad es que soy muy amante de la música española de los 80-90 y de los conciertos. Si me fijo en mi historia musical, sin duda para Los Secretos o Revólver, que forman parte fundamental de la misma. También soy “heredero” de grupos y solistas como La Unión, Cómplices, Nacha Pop o Luz Casal.

-  ¿Y tus referentes a la hora de componer?

Me sentiría ya muy satisfecho con acercarme a la milésima parte de lo conseguido por dos creadores maravillosos y míticos como Enrique Urquijo y Antonio Vega. Sus figuras y obras son inmensas y siempre estarán bien presentes.

“Recordar, honrar y preservar nuestros orígenes es una buena forma de no perder el norte” - Enrique Mezquita (letrista y periodista)  

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En junio de 2018 publica su primer disco de estudio: "Causas perdidas", un LP de 10 canciones que van desde la energía del rock and roll hasta la delicadeza de una reflexión intimista. Este disco le lleva a recorrer el país en una gira acústica de más de 50 conciertos.

En 2020 publica varios singles: "Fuera de tu mundo", "Días árticos" y "Tierra mojada", nacida esta última como un canto a la resistencia en los tiempos difíciles que estábamos viviendo en esos días, la canción mas multitudinaria grabada durante el confinamiento en la que cuenta con la colaboración de más de 40 artistas y cuyo vídeo, donde podemos ver a todos, está disponible en Youtube.

Hace unos días ha salido a la luz el nuevo EP de estudio de Javi Badillo, titulado "Las Consecuencias", formado por 5 nuevas canciones y que ya está disponible en todas las plataformas digitales.

5 canciones cargadas de emociones contradictorias que surgen por la situación de pandemia que hoy vivimos, por la constante lucha personal de sentirnos vivos y por lo inevitable de vernos caer cuando todo falla. 

El EP abre con "El Apagón" como metáfora a esa oscuridad en la que nos sumergimos, y en la que parece que no hay luz. Continúa derrochando actitud en cortes como "Apocalipsis Now" o "Sálvese quien pueda", criticando la falta de humanidad en la sociedad y esa lucha por la supervivencia individual, hasta llegado el punto en el que todo explota y hay que asumir "Las Consecuencias" de nuestros actos. Termina con "Después del diluvio", grabada en directo a guitarra y voz, donde entra de nuevo la luz al asumir el aprendizaje de volver a ponerse de pie y empezar de cero. 

Producido por Lucas Bauer (Los Intrusos) y Cristian Chiloé (Tequila, Manuel Carrasco, etc..) y contando con músicos como Santi Marín (Batería), Jorge Hidalgo (teclados), Pato Frank (Bajo) y Lucas Bauer (guitarras).

Cartel presentación "Las Consecuencias" de Javi Badillo en La Fidula Canalla, Madrid. / RR SS. 

El próximo sábado 29 de Mayo Javi Badillo estará en Madrid presentando su nuevo trabajo en la sala La Fidula Canalla a las 13:30h, una buena ocasión para disfrutar la música en directo de este artista que tiene por delante mucho camino en el mundo complicado de la música y muchas cosas por contar y por cantar, las entradas están disponibles en ENTRADIUM.

"Las Consecuencias es un viaje que todos hacemos varias veces en nuestras vidas, sólo por el hecho de sentir. Por tanto, Las consecuencias, al final, son el punto más exacto del crecimiento personal", ha dicho Javi Badillo. "Muchos meses resistiendo y remando contra esta incertidumbre que nos envuelve a todos los que nos dedicamos a hacer canciones.  Pero ahí seguimos, al pie del cañón". @mundiario

Ella es Vicky Gastelo, natural de Torrelavega, una de las artistas cántabras de mayor relevancia dentro del panorama musical español, con 5 discos publicados y canciones escritas para otros cantantes españoles de renombre como Pastora Soler, Marta Sánchez, Malú o internacionales como Ednita Nazario.

Sus canciones hablan de amor, de desamor, de los problemas sociales cuando “la calle es un ring”, de actualidad relevante sabiendo que “ya volveremos al mar”, letras llenas de sensibilidad, algunas son homenaje y agradecimiento como su reciente "Mami dice que", pero todas tienen el punto en común de llegarnos a emocionar, a tocarnos la fibra y a demostrarnos que la música nos alimenta el alma y que es algo vital, de que la Música se escribe con mayúsculas.

“Cómo alguien que no vive en un ambiente especialmente musical puede amarlo tanto. Cómo puede crecer tanto que ocupe tu cuerpo, el alma y la mente las veinticuatro horas del día durante años. ¡Cómo es posible que veas música y canciones en todas partes! ¿No parece una enfermedad psicológica? Es una adicción.”

 

 

 

 

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Vicky Gastelo defiende su repertorio por los distintos escenarios del país, guitarra en mano o acompañada por grandes músicos, pero siempre ofreciendo un directo de calidad, sin dejar indiferente a nadie que disfrute la música en vivo.

De pequeña apuntó alto y pidió un piano para Reyes Magos, pero le regalaron una guitarra “de estudiante”. Con tan sólo diez años escribió su primera canción y ahí empezó todo en el mundo de la música para Vicky Gastelo, historia que llega hasta el día de hoy y que aún tiene mucho por ofrecer.

- ¿Cuándo, cómo y por qué decidiste dedicarte a esto de la música de forma seria?

- Dedicarme profesionalmente fue a partir de que me llamara Sony Music para grabar mi primer disco En la luna, pero la verdad es que no hay un día en el que lo decides. Fue todo de una manera natural. Empecé a tocar en las salas de Cantabria y me fui dando a conocer. Pronto empezaron a llamarme de otras salas, promotores y poco a poco fui entrando en el circuito musical, primero en Cantabria y luego en Madrid.

- ¿Cuáles son tus referencias en la música?

- Primero fue la formación clásica. La gente se sorprende cuando cuento que intentaba poner letra a Chopin pero es verdad. Después, los músicos de mi banda que eran mayores que yo me enseñaron muchos cantautores nacionales y americanos. Hasta entonces sólo escuchaba lo que sonaba en la radio.

- Eres compositora no solo de tus canciones, sino también para otros cantantes, cuéntanos cómo se hace esto, ¿te encargan una canción que hable sobre un tema determinado u ofreces distintas canciones ya escritas y escogen la que les gusta?

- La verdad es que el camino es muy variopinto. A veces muestro canciones que tengo escritas para mí, otras veces me siento con algunas amigas a escribir juntas o algunos amigos productores me piden canciones con unas características concretas. Lo apasionante de este trabajo es que cada canción tiene su historia detrás.

- Supongo que entre las canciones que escribes siempre habrá algunas que nunca ofrecerás a otros, que te las reservas para ti, ¿es así? en ese caso, ¿qué tienen esas canciones?

- Sí, claro. Cuando escribes sobre temas muy personales, sólo las puedes cantar tú. Esas ni siquiera las enseñas.

- Algunas de tus letras suenan en boca de artistas conocidos en Latinoamérica, pero tú como cantante, ¿has dado ya el salto al charco o piensas hacerlo?

- Lo bueno de las redes es que te llevan a cualquier parte del mundo. Con el disco anterior visitamos varias ciudades de México y en cuanto se pueda volveremos.

- Cuando lanzaste al mercado tu último disco "Lo he vuelto a hacer", quise hacerte una entrevista donde habláramos un poco de ese trabajo pues me parece que es estupendo, pero por varios motivos no pude, así que en esta ocasión no dejaré escapar la oportunidad, ¿por qué ese título?

- Hasta hace poco yo he editado mis discos y me he encargado de todo así que acabo las giras agotada. Además, la inversión económica es muy grande. Cada disco es una apuesta. Si va bien y sobre todo, si me hace feliz me lanzo al siguiente. Música haré siempre, discos quién sabe…

Portada del disco Lo he vuelto a hacer. /  Vicky Gastelo

- Comienzas los agradecimientos en el libreto del disco con “Este disco es muy especial para mí. Es una renovación en muchos sentidos…” ¿En qué sentidos ha sido una renovación “Lo he vuelto a hacer”?

- Sobre todo fue una renovación personal pero fíjate que desde entonces ahora ha vuelto a girar mi mundo. Lo he vuelto a hacer lo escribí prácticamente cuando vivía en Barcelona y ahora he vuelto a Cantabria.

- En ese disco hay estupendas colaboraciones de habituales en tu música y tú en la de ellos, al menos hablando de conciertos, pero nunca hasta ahora en uno de tus discos, se trata de Andrés Suárez y Carlos Goñi (Revólver). Las canciones donde colaboran cada uno, ¿se las propusiste tú, las eligieron ellos, como fue esto?

-Las elegí yo. Veía claramente sus voces en ellas.

- Al escuchar las estupendas "El sitio", "Frena", "Pensando en azul", se puede pensar perfectamente que son estados en un mismo proceso, ¿fue así?

- Absolutamente, mis canciones son como una extensión de mí, con una poquito de literatura, claro.

- Muchas veces has dicho que la música es alimento del alma y que esperas que tus canciones lleguen a tocar el alma un poquito y a emocionar a quién la escucha, ¿cómo de importante y necesaria crees que es la música y su efecto?

- La música salva, sana, acompaña. La música es alimento para muchos de nosotros y en estos momentos más que nunca.

- Tratan siempre de emparejar la música con el ocio o entretenimiento, ¿dónde clasificarías la música, en ocio-entretenimiento o cultura-entretenimiento? Aunque quizás se podría hacer la clasificación mejor en ocio-entretenimiento y ocio-cultura, no sé qué pensaras tú.

-La música es un arte, hecho por artesanos. La música es un lenguaje para expresarnos y comunicarnos. Para mí es mucho más que ocio o entretenimiento.

- ¿Es cultura toda la música que se hace?

- Como forma de expresión es parte de nuestra cultura, de nuestro modo de vida siempre. Dentro de unos años, viendo lo que escuchamos ahora se explicará el momento que vivimos. Personalmente, creo que hay cosas que tienen un bajo nivel artístico pero también son parte de nuestra cultura, si te referías a eso.

- En todo caso, a pesar de ser algo tan presente en nuestras vidas, ¿está poco valorada la música?

-La música está muy valorada, lo que está poco valorado es el trabajo del creador, sobre todo económicamente.

- Durante el confinamiento del año pasado escribiste una canción cuyo título "Ya volveremos al mar", fue también el nombre de una campaña que pusiste en marcha para recaudar dinero en ayuda a las residencias de mayores en un momento que lo pasaban muy mal, ¿cómo surgió esta iniciativa tan bonita y necesaria?

- Pues es que no podía ver las noticias y el trato a nuestros mayores. No podía ver esa injusticia. Y pensé que esa canción igual podía ayudarles de alguna manera. Lie a todo mi equipo y nos pusimos en marcha. Es de las experiencias más bonitas que me ha regalado la música.

- "Ya volveremos al mar", ¿qué idea surgió antes, la canción o la campaña solidaria?

- La canción.

- "Mami dice que" es tu última canción que ha visto la luz, se puede entender cómo un homenaje a tu madre, a las madres, a la figura maternal que tanto nos ayuda, ¿fue esa la idea, escribir un homenaje a las madres o surgió lápiz en mano y terminó siéndolo?

- Nació siendo un agradecimiento a mi madre y a medida que iba escribiendo pensaba en la figura materna, en su absoluta dedicación y quise que se convirtiera en un homenaje para todas.

Videoclip de Mami dice que. YouTube. 

- En estos momentos que aún estamos inmersos en esta desesperante pandemia, ante la imposibilidad o extrema dificultad de hacer conciertos presenciales, ha surgido la fórmula de los conciertos online de pago, cuando volvamos a la ansiada normalidad, a los conciertos de siempre, ¿crees que este tipo de conciertos seguirán haciéndose como algo ya normalizado?

- Creo que van a convivir, sí. Es una fantástica forma para que te vean en otros lugares o para personas que no pueden salir o desplazarse.

- Siguiendo con la desesperante actualidad, son muchos los músicos y los trabajadores relacionados con el sector, como del sonido, iluminación, etc., los que aseguran sentirse completamente abandonados por la administración, en una situación límite a estas alturas, donde ni siquiera le pagan dinero que les deben organismos como ayuntamientos, ¿qué piensas sobre todo esto, crees que la administración pública debería hacer más?

- Ahora mismo lo importante es que se reúnan con los representantes del sector y juntos regulen un convenio donde estemos todos los trabajadores (creadores, técnicos, promotores, etc) protegidos y se tomen medidas para este momento y futuros.

- Movimientos como #SalvarALaHosteleria ha surgido de los hosteleros, quizás el sector de la cultura tendría que hacer lo mismo, como ya hicieron con #LaCulturaEsSegura, ¿crees que volveremos a ver nuevas movilizaciones del sector de la cultura en general y de la música en particular?

-Bueno Alerta roja sigue trabajando activamente.

- ¿Cómo ves la actual presencia de programas musicales en televisión, te parece una buena oferta, crees que falta algún tipo o concepto de programa, etc.?

- La mayoría no son musicales, son talent shows que están muy bien para darse a conocer pero faltan espacios donde mostrar nuestro trabajo.

- Y en la radio, donde también cada vez parece más difícil sonar, donde la radio fórmula impera, no suenan apenas esos músicos de nuestro país que no acaparan puestos de los 40 principales pero que hacen buena música, que graban sus discos y no paran de dar conciertos (cuando se podía y cuando se pueda nuevamente) y que tienen sus seguidores, debería haber más programas como el "Nacional Tres" de Nacho Herrero, por ejemplo, ¿por qué crees que no hay más programas así? ¿crees que es por un tema de audiencia?

- No tengo ni idea pero supongo que sí que se deberá a la audiencia.

- Eres muy activa en redes sociales, ¿te parecen hoy día una herramienta necesaria e imprescindible para todo el que se dedique a la música?

- Ojalá hubieran existido en mis comienzos. Antes, si no tenías una discográfica, no tenías forma de darte a conocer. La cercanía que te ofrecen con el público es algo alucinante.

- Por mucha era digital y todo tipo de plataformas multimedia, yo soy amante de las ediciones físicas, el CD, pienso que hacen el trabajo tangible, que se pueda tocar con las manos me parece importante, ¿qué opinas tú, pasa por tu mente dejar de hacer ediciones físicas de tus discos llegado el momento o te resistirías a ello?

- Seguramente deje de fabricarlos. Es un alto coste que cuesta recuperar si no se venden y la realidad se impone. Los coches nuevos, por ejemplo no llevan ya reproductor de CD. Yo acabo de lanzar un USB con toda mi discografía por eso y unos imanes con frases de mis letras, justamente por ese romanticismo que mencionas.

- ¿Hay alguna cosa que no te puedes olvidar de llevar cuando vas a dar un concierto? Y no me refiero a la guitarra, sino a algún objeto o algo tipo amuleto.

-No, pero siempre recibo un mensaje de alguien muy especial.

- ¿Con qué formato de concierto disfrutas más, acústico o eléctrico con toda la banda o tú sola guitarra y voz?

- La verdad es que con todos. Yo me emociono tocando siempre.

Vicky Gastelo en Galileo Galilei. / RR SS.

- Dinos un grupo o artista español de tus preferidos actualmente.

- Mis amigos, Rulo, Andrés Suárez, Marwan, Conchita, Rozalén, Georgina, Funambulista, Dani Martín, Vanesa….

- Y uno extranjero.

- Tedeschi Trucks band, Bon Iver, Stu Larsen, Mumfort and Sons, James Bay.

- Un disco reciente que hayas escuchado últimamente, que te haya gustado y que nos recomiendes.

-Babel o Sigh No More de Mumfort & Sons.

- ¿Nos dirías algún artista que te gustaría que colaborara en una de tus canciones para un próximo disco?

-Entonces no sería sorpresa…

Puedes seguir a Vicky Gastelo en Facebook, Spotify, Instagram, Twitter.

@mundiario

Suenan en las emisoras de radio y en los programas de música de la televisión, pero los de música de verdad, donde los que van muestran su material original, donde la música se graba en concierto y no forma parte de un concurso show-sensacionalista, suenan en programas como son Los Conciertos de Radio 3 de TVE2 o Al Sur Conciertos de Andalucía TV.

Grupo formado por los hermanos Aurora y Ángel Pérez que, desde su tierra, San Fernando, en La Bahía de Cádiz, llevan su propuesta musical por los escenarios de todo el país, su música con raíces americanas nacida en la Bahía de Cádiz suena desde su formato más íntimo, donde sólo van acompañados de sus dos guitarras, al formato de banda folk-rock bien engranada. 

Pero sea de un modo u otro, con su música al desnudo o arropada, siempre el principal protagonista es el brillo que forma las melodías que suenan desde la guitarra de Ángel y la voz  y guitarra de Aurora, marcando el sello sonoro en un grupo que no será uno más del montón para aquél que disfrute de su música, sobre todo si lo hace en directo, lo más probable es que pase a ser parte de su colección de música particular o familiar.

Este verano han estrenado espectáculo y lo han hecho en el incomparable marco de los Jardines del Real Alcázar de Sevilla, dentro de la “XXI edición de Noches en los Jardines del Real Alcázar", con cuatro fechas de las cuales se colgaron los carteles de “Entradas Agotadas” en los dos conciertos ya celebrados, los próximo son los días 10 y 26 de septiembre, así que aún tienes la oportunidad de disfrutar de su concierto en un lugar tan especial.

Con el título de "Windy and Warm", Aurora y Ángel se presentan en solitario con sus guitarras acústicas sobre el escenario, para llevarnos a un viaje emocional a través de la música popular de raíces folk, country y blues en un personal homenaje que aúna canciones clásicas significativas para ellos junto con composiciones propias, dentro de un mismo hilo conductor.

En MUNDIARIO ya hemos entrevistado a Random Thinking en una ocasión, ahora vuelven y vamos a hablar con ellos principalmente de la situación tan difícil que estamos atravesando a consecuencia de la pandemia del covid-19 con lo que repercute en el mundo de la música y sobre su nuevo espectáculo Windy and Warm entre otras cosas:

— “Windy and Warm”, es el título de una canción de Johnny Dee, popularizada en los 60 por Chet Atkins, ¿por qué habéis escogido este título para vuestro nuevo espectáculo?

— La hemos escogido por varias razones: En primer lugar, es una canción que abrió horizontes y tendió puentes entre los géneros que recorremos en el espectáculo. En segundo lugar, el espectáculo es un viaje muy personal, por canciones y artistas que nos han marcado de una u otra manera, dentro de esos géneros. Ésta es una de nuestras canciones favoritas, la forma de tocar de Chet Atkins supuso un antes y un después y Ángel como guitarrista ha sido muy influenciado por su figura. Por último, el título significa “cálido y con viento”, que curiosamente encaja perfectamente con el clima de nuestra tierra, Cádiz.

— ¿Qué nos vamos a encontrar en ese viaje que nos proponéis titulado “Windy and Warm”?

— Windy and warm es un recorrido musical por el folk y el blues, con canciones y artistas que consiguieron extender de forma brillante el alcance de estos géneros en la música popular, tendiendo puentes entre estilos. Este recorrido consta de “paradas” en forma de canciones, que, dentro del marco anterior, hemos escogido por estar asociadas a nuestras vivencias y experiencias como personas y como músicos. En definitiva, con “Windy and warm” queremos poner en valor la música como experiencia vital. La música como arte y como cultura puede hacernos reflexionar, recordar a un ser querido, liberar nuestra mente, darnos el empuje que necesitamos, o incluso salvar vidas. Así buscamos que lo sienta el público.

La música como arte y como cultura puede hacernos reflexionar, recordar a un ser querido, liberar nuestra mente, darnos el empuje que necesitamos, o incluso salvar vidas. Así buscamos que lo sienta el público.

— Atravesamos malos tiempos para la lírica y cualquier género musical con tanto bloqueo de giras y festivales a consecuencia de la pandemia, pero vosotros este verano habéis entrado en la programación de la XXI edición de las Noches en los Jardines del Real Alcázar de Sevilla con cuatro fechas, no son muchas de cara a la temporada de verano, pero con una calidad impresionante por el lugar y supongo que porqué ya conocéis la organización dado que ya habéis estado antes en este ciclo de noches tan especial con la cultura. ¿Os habéis ceñido a esta única apuesta porque sabíais que garantizarían la seguridad o no ha dependido de vosotros más fechas por cancelaciones y demás?

— Hemos cancelado varias fechas en la zona centro y norte de España por precaución. Nos gustaría recalcar que dicha precaución no se refiere a los conciertos que íbamos a realizar en sí, todos contaban con una organización impecable, sino a los trayectos, ya que eran viajes largos durmiendo fuera de casa y con paradas en zonas de paso en carreteras. Por otro lado, el estreno de “Windy and warm”, lo pensamos por y para el incomparable marco de XXI Noches en los Jardines del Real Alcázar de Sevilla. Por suerte, está pudiendo llevarse a cabo con gran éxito. Desde aquí, agradecemos al programa Kultur del Gobierno de Navarra, a la organización de XXI Noches en los Jardines del Real Alcázar y al resto de gestores culturales, entidades y personas que se están dejando la piel, dejando claro que es posible planificar y organizar, garantizando la seguridad de todos. Los eventos culturales no solo son seguros, sino que son imprescindibles en nuestra sociedad. Por eventos culturales entendemos contextos donde el arte es el verdadero protagonista y las medidas sanitarias son perfectamente realizables.

— ¿Cómo están siendo esos conciertos con tanta medida de seguridad, distanciamiento, no poder saludar a vuestro público tras en concierto y cantar ante un público que está distanciado entre ellos y con mascarilla?

— Sin duda está siendo diferente a como era habitualmente. Al término de los conciertos nosotros siempre saludábamos al público y firmábamos nuestros discos. Por la seguridad de todos, esto ya no es posible. Nos gustaría que no fuera así, pero de nada sirve lamentarse, toca adaptarse y tratar de disfrutar y hacer disfrutar al máximo al público. Creo que nos hemos adaptado bastante bien e incluso pensamos que la gente, tras sus mascarillas, está aún más receptiva y deseosa de conectar. Luego, a través de las redes, tiene lugar parte de ese encuentro que ahora no puede realizarse en persona al terminar el concierto.

— Que se cuelgue el cartel de “Entradas Agotadas” en estos días donde hay miedo entre la gente y mucha no se atreve a acudir a eventos multitudinarios, a pesar de la reducción de aforo ¿habría que hablar de un logro doblemente meritorio?

— Es una maravillosa noticia. Como te decíamos antes, la cultura es imprescindible, las personas necesitamos conectar, vivir la música, el cine, el teatro…que nos muevan por dentro y experimentar todo lo que el arte transmite. Toda esta situación sanitaria y el confinamiento que hemos pasado, como es lógico han generado mucho miedo, pero también muchas ganas de vivir, de sentir y conectar.  Es un logro colectivo, de los artistas también, pero sobre todo de todas las personas que han hecho posible que se lleve a cabo el ciclo con una organización ejemplar, y sin duda, del público.

— Pienso que el ocio y el entretenimiento es donde en tiempos de crisis más se escatima, pero la cultura y el arte debe de protegerse, según esta reflexión, para vosotros la música ¿en qué estantería debería estar colocada, en la del ocio y entretenimiento o en la de la cultura y el arte? 

— En nuestra opinión, como en cualquier manifestación artística, siempre que se cumplan unos mínimos técnicos y expresivos, la música es sin duda cultura y como tal debe ser tratada por todos. Lo que ocurre es que el disfrute de las artes (cine, teatro, danza, música, pintura…) casi siempre conllevan ocio y entretenimiento para el público. La ciencia, al igual que las artes, es también un producto cultural humano, pero, sin embargo, generalmente y por desgracia no suele resultar tan entretenida al gran público. Dicho esto, lo que ha ocurrido en ocasiones es que se ha optado por la vía más sencilla: Rebajar la música a ocio/entretenimiento y medir todo por el mismo rasero. Gran error y algo que no podemos permitir, porque cualquiera es capaz de entender la diferencia entre, por ejemplo, un concierto en un teatro donde el público no se relaciona, está sentado con su mascarilla todo el tiempo, la casuística es controlable y es posible cumplir a rajatabla todas las normas sanitarias (probablemente de forma más estricta que en cualquier restaurante, donde para comer hay que estar sin mascarilla) y, por ejemplo una discoteca, donde la actividad principal es tomar copas y socializar.   

— En estos tiempos de pandemia parece ser que a la música la están dejando fuera de lo que se considera importante, podemos ver que por toda la geografía de nuestro país se están prohibiendo las actuaciones musicales por pequeñas que sean ni con medidas que valgan en ningún bar o local de copas, cargándose la actividad de tantos músicos que se mueven por circuitos de pequeño aforo, ¿no creéis que se podría hacer las cosas algo mejor por el bien de este colectivo y sobre todo de cara al final del verano y por tanto a los conciertos al aire libre?

— Como decíamos antes, se puede y se debe hacer mejor, de hecho, para eso cobran muchos, para aportar soluciones pensadas y meditadas, no para salir en fotos y medir índices de su propia popularidad. Vivimos un momento en el que necesitamos capacidad crítica a todos los niveles de la sociedad, hay que distinguir y ver los matices porque el mundo es cada vez más complejo, algo que ya era así y que está pandemia ha puesto aún más en relieve. En muchos casos las soluciones sencillas a granel no dan respuesta a una situación que es compleja y variada. Es lo que ha pasado con la música, la cultura, los museos, los restaurantes, discotecas, bares, botellones…Debemos acostumbrarnos todos a discernir, distinguir, ver matices más allá del negro y el blanco y, sobre todo, a aportar soluciones con previsión, organización y sensatez.

— ¿Qué pensáis de esta frase que publicó hace unos días en sus redes la compositora y cantante Vicky Gastelo a la que admiro y sigo?: “No sé qué os va a curar el alma cuando nos hayamos ido a la mierda”

— Sin duda, viene a decir lo mismo que comentábamos antes. La cultura en todas sus vertientes: Arte, filosofía, ciencia, lenguas, patrimonio… son absolutamente imprescindibles para el género humano, nos permite conocer el mundo en todas sus vertientes y a nosotros mismos en toda nuestra complejidad, desde diferentes enfoques.  No estamos descubriendo nada que no se debiera saber ya. Es algo que, tras siglos de civilización, deberíamos tener totalmente interiorizado.

— Hace unas semanas se vieron fotos de una corrida de toros en una plaza hasta la bandera de público, con la que está cayendo en el gremio de la música por tanta prohibición y ver esto, lo que parece ser un significativo uso de distintas varas de medir, ¿qué sensaciones os provoca ver algo así?

— Absolutamente indignante. Nos da igual si son toros, manifestaciones de cualquier ideología, bares atestados de gente sin cumplir medidas, barbacoas privadas, partidos de fútbol, reuniones de amiguetes o botellones. Las normas existen por un motivo justificado y están para cumplirlas, se deben exigir a todos por igual y sancionar cuando no se cumplan.

— ¿Cómo estáis viviendo esta situación y cómo la están viviendo vuestros amigos y compañeros dentro de vuestro círculo musical?

— Con preocupación como es lógico. Existía un tejido que ya era muy frágil antes de todo esto y cuya supervivencia ahora es una incógnita.

Existía un tejido que ya era muy frágil antes de todo esto y cuya supervivencia ahora es una incógnita.

— Quizás ando algo perdido, pero ¿hay alguna asociación que defienda los intereses en su conjunto del colectivo de músicos en esta situación tan complicada?¿Juega algún papel en este aspecto la famosa SGAE o únicamente están para recaudar y "velar" por los derechos de autor?

— Todo lo referente a estos temas es un torbellino muy difícil de seguir, con destituciones y nombramientos continuos de cargos, descontento, cruce de comunicados…Es muy cansino. Los artistas debiéramos empezar por explicar a la sociedad y a nosotros mismos que son los derechos de autor y porqué es justo que se respeten y los autores los cobren. Estoy segura de que incluso muchos artistas/músicos no saben que son exactamente. Hay un gran desconocimiento sobre el verdadero sentido de las cosas. Seguidamente, es necesario una organización o colegio de profesionales en condiciones, como existe en otros muchos gremios profesionales, con criterios de ejemplaridad y transparencia. Pero es complicado, el gremio musical es muy disperso, no es fácil aglutinar sensibilidades, comprender que, además de la actividad creativa, es necesario tomar las riendas en primera persona de aspectos que son de gestión, porque nadie va a poner más interés en ellos que los propios interesados.

— Acaba de nacer SEDA (Sociedad española de derechos de autor) y supone dos cosas fundamentales. La primera y más importante, que los músicos que así lo deseen tienen una alternativa por primera vez para que sus derechos de autor sean gestionados por otra entidad y no por la SGAE y la segunda novedad es la ruptura del monopolio de ésta. ¿Qué opináis de esta novedad?

— La verdad no lo conocíamos. Como te decíamos antes, son tantas noticias y vueltas de tuerca a este asunto que resulta muy complicado seguir la actualidad.

— Tengo entendido que los músicos no tienen epígrafe propio donde darse de alta en el IAE, sino que tienen que darse de alta en Artista/profesional taurino. Aunque el nombre del epígrafe es lo de menos (aun sonando a recochineo), deja clara una sensación de que hay mucho por hacer, ¿no os parece?

— Así es, hay muchísimo por hacer. En nuestra opinión, hay que trabajar por profesionalizar de una vez por todas en España la actividad de los músicos, tanto en referencia a la imagen que la sociedad tiene de ellos, como a nivel normativo (hablamos siempre de música popular, desconocemos como es el circuito de música clásica). Para ello habría que dejar de echarle la culpa de todo siempre al otro, y por supuesto huir de la tendencia continua de politizarlo todo. Necesitamos compromiso y trabajo tanto por parte de las administraciones, para conseguir una normativa justa que potencie la creación y premie a quién lo hace bien en lugar de freírle a impuestos. Eso evitaría los pagos en “B” y la ausencia de cotización, algo tristemente habitual. Pero, por otra parte, es preciso que músicos, promotores, dueños de salas… pongan de su parte. Que además de protestar, no normalicemos y aceptemos en la práctica lo que no debería ser normal.

— Desde la política nos venden que de esta “saldremos más fuertes”, aunque el balance será negativo, ¿creéis que sacaremos algo bueno de esta situación tan complicada, como arreglar al menos aspectos y deficiencias que han salido a relucir con esta pandemia y mal llamada “nueva normalidad”?

— Creemos que sí hay cosas muy positivas que habremos aprendido. Por ejemplo, todo lo referente a educación cívica-sanitaria, como la higiene de manos, no toserle o estornudarle encima al que está al lado, si estás malo quédate en casa y evita contagiar al resto…incluso normalizar el uso de mascarillas. Todo esto es positivo. Más allá de ello, no creemos que vayamos a ser ni mucho peores ni mucho mejores. Creemos que las sociedades y las personas no cambian en tan poco tiempo, que más o menos, tenemos lo mismo que ya teníamos: Por un lado, personas responsables, solidarias y conscientes, que afortunadamente somos la mayoría. Por otro lado, personas egoístas, insolidarias y absolutamente falta de valores, que probablemente son una minoría. Lo que ocurre es que la pandemia ha puesto el foco en la sociedad y todo se ha hecho más visible.

— Si de vosotros dependiera, ¿qué medidas fundamentales pondríais en marcha para mejorar la situación de los músicos en este país?

— Lo que te comentábamos antes. Necesitamos por parte de todos los implicados más objetividad, actitud constructiva y criterio, más compromiso y trabajo y menos vísceras, ideología y egocentrismo. Creemos que habría que trabajar a dos niveles: Por una parte, en mejorar la imagen, el conocimiento y el prestigio de la profesión, y, por otra parte, la normativa del sector y de la actividad, que ahora mismo carece de verdadera utilidad. Desde luego no es una tarea fácil y es necesario que haya voluntad para ello.

— En estos meses atrás donde nos han tenido confinado, muchos músicos, algunos muy famosos, otros menos, han realizado conciertos online desde su casa, vosotros no os habéis animado en esta iniciativa ¿por qué? 

— Durante el confinamiento publicamos posts de ánimo y en los que charlamos con la gente que nos sigue vía redes. Somos usuarios de las redes sociales e interactuamos mucho en ellas, pero no solemos subir vídeos tocando o haciendo versiones, ni hemos hecho conciertos online. La razón es que sencillamente no nos ha apetecido. Es posible que en algún momento nos apetezca y lo hagamos. Si que hay que matizar que, una cosa es esta coyuntura excepcional, donde es lógico que los artistas nos impliquemos de forma altruista, al igual que otros profesionales, y otra cosa muy distinta es dar por hecho que la actividad artística es gratuita.

— Algo que me interesa especialmente, ¿cómo va el nuevo disco, hay fechas ya marcadas en el calendario?

— Ya estamos trabajando en un nuevo disco, y seréis de los primeros en tener noticias. Es un proceso largo pero precioso, nos encanta. Nos encontramos ahora mismo en preproducción, seleccionando temas, conceptos y dirección artística.  Por otro lado, queremos seguir con la recta final de la gira de “Right here and now” y llevar el nuevo espectáculo “Windy and warm” a otros escenarios, visto el éxito que está teniendo en su estreno en XXI Noches en los Jardines del Real Alcázar. Todo ello, dentro de lo posible con la situación actual.

— ¿Tenéis en vuestros planes la grabación de un disco en concierto?

— Jajaja, pues mira no lo teníamos en mente ni se nos había ocurrido, pero no es mala idea.

— Vuestra música ha dado el salto al cine, ¿cómo ha sido?

— Colaboramos con nuestra música en la nueva película del periodista e historiador José Manuel Colón. La película se llama “El camino”, se estrena este otoño y trata la temática de la inmigración desde una perspectiva rigurosa y muy humana. Participan otros artistas y profesionales tan reconocidos como Javier León (nominado al Emmy por la serie “The Crown”). Las anteriores películas de Jose Manuel Colón: “La manzana de Eva” y “Black man, white skin”, se encuentran en Netflix disponibles en todos los países del mundo. Es un enorme placer participar en proyectos cinematográficos de tanta calidad.

— Hablando de cine, ¿nos recomendáis una peli que hayáis visto últimamente?

— Recientemente hemos disfrutado mucho viendo de nuevos varios clásicos incontestables: “Eva al desnudo”, “La costilla de Adán” y “La heredera”, esta última con motivo de la muerte de Olivia de Havilland. Son películas que nadie debería perderse.

— ¿Sois de ver series? ¿alguna recomendación?

— Yo (Ángel) soy más de series que Aurora. Mi recomendación es la serie “The last kingdom”, drama histórico ambientado en la Gran Bretaña medieval.

— ¿Algún descubrimiento musical reciente?

— Más que descubrimientos, redescubrimientos: Nos encontramos en el canal Sundance TV una noche hace unas semanas el concierto celebración del 40 aniversario de Toto: “40 tours around the sun”. Estamos disfrutando de nuevo de su discografía, siempre nos han gustado mucho y, por ninguna razón en concreto, llevábamos tiempo sin escucharlos. Otro redescubrimiento parecido hemos tenido recientemente con los magníficos Steely Dan y, Ángel en concreto, con Joe Satriani. Cuando pasa esto es muy divertido, es como reencontrarse con viejos amigos.

— ¿Alguna novedad que nos podáis adelantar de cara al próximo otoño que pronto nos llega?

— Nuestros planes a corto plazo pasan por acabar, con el mismo éxito que ha empezado, el estreno de nuestro nuevo espectáculo “Windy and warm”, dentro de la serie de conciertos en los Jardines del Real Alcázar de Sevilla, que no es poco teniendo en cuenta la situación. A comienzos de otoño, acudiremos al estreno de “El Camino” y trataremos de planificar nuevas actuaciones para nuestros espectáculos, dentro de lo que sea posible. Por último, continuaremos trabajando en nuestro nuevo disco. @mundiario
 

Puedes seguir a Random Thinking en sus redes: Facebook - Twitter - Bandcamp - Spotify En MUNDIARIO esta es la segunda entrevista a Random Thinking. Si queréis conocer un poco más a Ángel y Aurora y su proyecto musical, recomiendo la lectura de la anterior entrevista. 

Según el artista, “se trata de una canción muy setentera en las guitarras y con un mensaje directo a la fe y la esperanza en la música, las palabras y el arte en general, remando/rimando contra las tendencias hasta alcanzar la victoria personal”.

Sin compañía discográfica, De la Nuez destaca que “es un proyecto absolutamente independiente y hecho con todo el alma”. En el vídeo del tema, desarrollado por Delarosa Films, aparece su hijo Pablo, “que es el mayor responsable de que mantenga la ilusión de ser creador intacta y mi consejero”.

Rimando hasta la victoria. / YouTube

Para De la Nuez, este proyecto es el inicio de una nueva etapa, marcada por lucha para reclamar “que la música no es moda ni tendencia, que no es sólo innovar desde los estilos sino desde lo más básico de su esencia: la canción y el mensaje”. “Rimando hasta la victoria” es la primera de una serie de canciones que acabarán formando un disco, “pero que irá lanzando poco a poco porque no depende de los planes de marketing de una compañía”.

En el disco, además, se recuperarán canciones antiguas que en su día no tuvieron apoyo “pero que llegaron a mucha más gente de lo que las listas oficiales reflejaron”. Tanto los clásicos como los nuevos temas se empezarán a presentar en directo con una banda sencilla pero contundente de músicos “que me han ido acompañando a lo largo de la carrera”. A la espera de la vuelta a la normalidad para poder ver a Álex de la Nuez sobre el escenario, puedes disfrutar del videoclip de Rimando hasta la victoria, su primer adelanto en este esperado regreso a la primera línea de la música nacional. @mundiario 

Enlaces: Distrokid, Spotify, Youtube, Instagram, Facebook.

Hace unos días, la cantautora Vicky Gastelo ha escrito una canción durante su confinamiento. La ha compartido en redes solo con el objetivo de llevarnos un poco de esperanza a casa, pero en vista de que la canción ha gustado mucho ha pensado de hacer algo más con ella, tratar de ayudar un poquito más.

Ya volveremos al mar. / YouTube

Con esa idea en la cabeza ha movilizado a todo su equipo habitual, a su manager, su webmaster, a su agencia de comunicación, etc., y por supuesto a su banda, con la que en tiempo récord han grabado la canción con toda la grandeza instrumental y de producción que merecía, para finalmente ponerla a la venta y todo lo que recaude donarlo a la asistencia a nuestros mayores, que como ella misma dice es "el sector de la población que está viviendo estos momentos de manera muy injusta según mi parecer y quiero hacer algo por ellos". Sus músicos son Mario Carrión, Dani Casielles, David Escudero, Iñaki García, Alex Larraga, con el apoyo técnico formado por Marina Vicente (Agencia Mankell) - vídeo y campaña, Jozef Zador - web y David del Valle – Prensa.

Campaña de ayuda a los mayores. / Mundiario

Se ha creado la plataforma www.yavolveremosalmar.org con toda la información, donde se puede escuchar la canción y comprarla por el importe que cada uno quiera a partir de 1€, que será en realidad una donación pues todo lo recaudado irá íntegramente a la asociación Sonrisas, una organización no gubernamental sin ánimo de lucro fundada en Madrid el día 10 de junio de 2014 pero con alcance nacional, que desarrolla desde entonces un proyecto dedicado a la atención y visita de personas enfermas en colaboración con las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad del Estado, Fuerzas Armadas y Emergencia. El 100% de lo recaudado irá destinado a la compra de material sanitario guantes, mascarillas, gel, etc. para diferentes residencias de ancianos del país donde más lo necesiten. @mundiario

“La Memoria Incendiaria” está compuesto por 11 temas que canta al amor, a la vida, a la lucha y la perseverancia, a la esperanza, al desplante sin rencores, etc., experiencias vitales, en definitiva, se trata del “diario de un viaje inacabado” como se puede leer a modo de subtítulo en la portada del disco.

Canciones con contenido que se mueven dentro del pop-rock, acompañado de coros y arreglos orquestales e instrumentales que las hacen crecer convirtiendo al disco en un trabajo musical indispensable, en donde además han colaborado artistas como Marwan, Jorge Marazu, Rebeca Jiménez, Ondina Maldonado y Mara Barros.

Texto de la página de Facebook de Fito Mansilla escrito por alguien que lo conoce mucho mejor que yo y que lo define muy bien:

En el Fito Mansilla cantautor destaca dos vertientes: Por un lado, una firme apuesta encaminada hacia el pop y el rock, donde imperan las melodías rotundas y elegantes. Y por otro, el intimismo más desnudo, que fluye del sentir de un hombre que siempre ha querido amar a corazón abierto –sin vacunas contra el dolor –, respirar la realidad a bocanadas y vivir a pie de acera, para sentir el pulso de la ciudad, el bello caos que nos circunda.

Así pues, dos vertientes que coexisten bajo el denominador común de una voz joven, vital, desgarrada, capaz de transmitir el sentimiento específico de cada canción. Un caudal de voz que sabe susurrar en los momentos de intimismo, pero que también sabe clamar cuando la melodía cabalga in crescendo hasta apoderarse del escenario y del público, ese público que sucumbe a una música muy viva y a unas letras con contenido.

Fito Mansilla, que ha bebido del mejor pop y rock de las dos últimas décadas, ha forjado su vocación con la tenacidad del que sabe que hay que tensar con precisión las cuerdas de una guitarra hasta conseguir la canción soñada.
Porque él es eso: un cantautor genuino. No una promesa, sino una realidad. El presente.

Ana Isabel Trigo Cácere

— ¿De dónde te viene la pasión por la música, a quien tienes que agradecerle que despertase en ti tal interés?

— Ha habido varias personas a las que estoy muy agradecido por mostrarme la música en diferentes etapas de mi vida. Mi abuelo tocaba la trompeta, mi abuela me regaló la primera guitarra, mi padre por las cintas en el coche de camino al pueblo, sonaba Adamo, Ana Belén y Victor Manuel, Serrat… y mi primo Diego me mostró los primeros vinilos de los Maiden, White Lion, Deep Purple…

— Tengo entendido que llegado un momento en tu vida decidiste dejar tu trabajo estable para dedicarte de pleno a la música, ¿cómo se toma una decisión así de arriesgada?

Trabajaba en el aeropuerto y empezaba a hacer los primeros conciertos, era una cosa u otra y me decanté por la que más me gustaba, no fue tan difícil. Por otro lado, allí trabajaba la mayoría de la familia y ellos no lo vieron igual de bien al principio.

— ¿Sobre qué te resulta más fácil componer o disfrutas más haciéndolo, sobre la vida, el amor, el desamor, lo social…?

— Disfruto mucho haciendo canciones, es un trabajo que me apasiona cuente lo que cuente. Escribo sobre todo sobre cómo me siento, creo que mis canciones son muy introspectivas en ese sentido. No toco demasiado el tema social ni me sale bien inventarme historias.

— Ya sabemos lo complicado que es el mundo de la música, ¿cómo se las maravilla un músico sin una gran discográfica detrás para grabar y sacar adelante su disco?, como hiciste con los anteriores a este último que has publicado y ahora estás presentando.

— Hay que currar mucho, tener paciencia y mucho amor a esta profesión. No volverse loco y quererlo todo para ya. Creo que hay que sacarle jugo de a poco, ir aprendiendo cada vez más. También es importante tener un buen puñado de canciones en las que creas incluso más que en ti mismo.

— Con tu nuevo disco “La memoria incendiaria”, has firmado con Warner, ¿cómo te facilita las cosas firmar con una compañía así?

— En mi caso nunca había hecho promo y con este disco estoy haciendo entrevistas. El disco se puede conseguir en las tiendas de todo el país, estás más visible en las plataformas digitales. También tiene sus inconvenientes pero nada es perfecto. Creo que hay que sacarle partido a todo y aprovecharlo el tiempo que dure, siempre se aprende algo. Yo seguiré grabando canciones esté en una discográfica o no.

— ¿Qué opinas de Internet para un músico, beneficia o perjudica, para dónde se inclina la balanza?

— La industria musical ha cambiado mucho en los últimos años. Es la hostia que puedas subir tu música y se tenga acceso a ella desde cualquier parte del mundo, eso es increíble. Pero no es tan bonito todo, hay matices. También hay tanta información que a veces uno no sabe dónde mirar. Por otro lado personalmente saco más beneficio con la venta de discos en los conciertos que lo que me llega de todas las plataformas digitales juntas de largo, lo que se gana por cada reproducción en ridículo.

— ¿Cómo te manejas con las redes sociales, las usas para promocionar tu trabajo?

— Llevo mis redes sociales al día pero no soy muy amante de ellas. Entiendo la importancia de estas para poder promocionarte, estar en contacto con gente de cualquier parte del planeta, por ejemplo. También entiendo que vivimos en una época tecnológica brutal y esto es solo la punta de iceberg. Pienso que como en todo hay que saber sacarle provecho, lo que pasa que me temo que no es como nos quieren hacer creer, es más ingeniería social que otra cosa Están inventadas pensando más en la globalización y en el control de masas. Son más REDES que SOCIALES

— Otra herramienta que brinda Internet son las plataformas Crowdfundings, de las cuales no has hecho uso, ¿qué opinas de este medio para conseguir financiación para la grabación de un disco?

— He sido mecenas de unos cuantos compañeros. A mí me parece bien, es gente ayudando a otra gente a sacar su proyecto adelante. Al final sale todo el mundo beneficiado. Encima hay recompensas y cosas muy interesantes para la gente que se implica. Yo no lo hice pero no lo descarto.

— Siguiendo con herramientas de Internet, existen las plataformas digitales para la venta de discos, aunque tú además siempre los editas en formato físico, ¿es para ti necesaria y fundamental su edición física en CD?

— Sin duda alguna. Me encanta en formato físico. Sigo comprando CDs y vinilos, tengo un montón de cassettes. Hasta que se pueda me gustaría que mis discos  también salieran en formato físico. Sobre todo me gustaría hacer una tirada en vinilo de algún disco mío algún día.

— ¿Qué opinas de la presencia de la música en televisión actualmente?

— Apenas se cuentan con una mano los programas realmente interesantes, es una opinión personal. El de Ariel Rot mola, no sé si lo vuelven a emitir ahora, también La Hora Musa que ha comenzado nueva temporada, los conciertos de radio3. Yo pondría al menos uno todos los días así como los que nombro. Alguno más dando cancha a músicos emergentes pero sin jurado. Por otro lado lo que hacen con la música que se emite de madrugada en la televisión pública es insano y bochornoso, la rueda lo llaman, un nido de sinvergüenzas, otra liga aparte.

— ¿Alguna vez te has presentado para un programa de esos cazatalentos o has pensado hacerlo?

 — No lo he hecho nunca y de momento no lo tengo pensado. Pero no me  parece mal que haya gente que vaya, de hecho hay gente muy preparada que va a estos programas. Muchos llevan ya un carrerón como artistas.

— ¿Cómo ves el panorama de la música en directo en cuanto a posibilidades para tocar?

— Hay un problema serio con las licencias, lo veo y me lo cuentan de primera mano. Todos los años cancelo algún concierto por esta razón. Lo ponen muy difícil para conseguir estas licencias y si te arriesgas aunque sea con un concierto acústico a medio gas las multas son tremendas. Por otro lado está la SGAE que pretenden cobrar por silbar mientras meas. Te hablo del circuito en el que me muevo la mayoría de las veces que es el de salitas y pequeños cafés, la realidad es que cada vez hay menos lugares así para tocar.

— ¿Qué le dirías a cualquiera que se va a encontrar en tus conciertos?

— Pues pretendo que se encuentre con alguien que le haga sentir cosas a través de las canciones, que se emocione, que disfrute, que salga mejor que entró. En definitiva que cuando se vaya piense que ha merecido la pena estar.

— Hay quien dice o decían, al menos lo he oído muchas veces, que la música de autor estaba muerta, que el concepto del cantautor no tenía futuro, yo eso nunca lo vi así, son muchos cantautores de éxito los que hay que llevan décadas ahí arriba, además un cantautor en sus discos o en sus conciertos con banda puede sonar mejor que la banda de rock del momento, pues saben arroparse para la ocasión de un buen elenco de grandes músicos.
Pero si es verdad que en estos últimos tiempos el cantautor o cantautora está viviendo un repunte muy interesante, promovido en gran parte por las mujeres que están surgiendo con fuerza, cantautoras como Vicky Gastelo, Road Ramos, Carmen Boza, Rebeca Jiménez, etc., y que en algún caso han alcanzado un nivel de éxito y notoriedad nacional e internacional espectacular como ocurre con Conchita, Rosana desde hace algún tiempo y más recientemente con Rozalén. ¿Qué opinas de todo esto?

— A veces hablamos demasiado, la canción de autor nunca estuvo muerta, ha tenido sus épocas, no diría ni mejores ni peores, le hacían más o menos caso pero siempre ha habido público y habrá que siga a la canción de autor. También es cierto que a finales de los noventa tuvo un repunte importante y ahora está más viva que nunca, pero creo que siempre estuvo ahí al igual que las cantautoras, aunque también creo que de una forma diferente, ahora nos mojamos menos en el contenido. Admiro a todas las compañeras que nombrabas antes, son magníficas cantautoras y grandes artistas a las que sigo y me alegro de sus éxitos.

Respecto a lo que decías es así, un cantautor con una buena banda puede sonar igual de contundente que una banda de Rock y parecer una banda de rock.

— A mí me da la sensación de que la etiqueta de cantautor antes nadie la quería y ahora parece que hasta la desean.

— Yo no lo sé, imagino que para algunos es como una moda, si ahora mola lo soy, si no está de moda prefiero otra cosa. El cantautor o cantautora son los que escriben sus canciones y las cantan, eso es así, lo demás va en la pedrá de cada uno y en las etiquetas que se inventan.

— Cuando comenzaste la grabación de “La memoria Incendiaria” publicaste en redes que comenzabas a grabar el mejor disco de tu vida, ¿eras consciente del compromiso que suponía decir eso tras tu anterior disco, “Pulsiones”?

— Creo que pulsiones es un disco de buenas canciones, pero no tiene una gran producción. Di muchísimas vueltas para grabarlo y nunca estuvo presente la figura de un productor, las canciones están tan y como yo las vi y las grabé en un cuatro pistas, así se las envié a los músicos y en esa línea se tocaron, no estoy diciendo que sea un mal disco, de hecho me parece un discazo. Pero en la memoria incendiaria aparte de que creo que también es un disco de buenas canciones, además cuenta con la figura en la producción de Borja Montenegro. Desde el principio hasta el final pasa todo por él y eso se nota para bien. Cuando empecé a currar en el disco con Borja no tardé en darme cuenta de que estaba grabando el mejor disco de mi vida.

— Dentro de “La Memoria Incendiaria”, ¿tienes algún tema que sea especial sobre el resto por algún motivo?

— Va a sonar a tópico pero no hay ningún tema de relleno, todos son muy especiales, pero me tocan la fibra mucho “el tripulante” y “vienes” que están dedicados a mis hijos.

— Has grabado en Diciembre Estudios, cuéntanos un poco sobre dónde, cómo y con quien se ha gestado este disco.

— Diciembre estudios en un estudio relativamente nuevo regentado por Borja Montenegro y Pablo Villuendas, dos cracks de la música. Borja como guitarrista, arreglista y productor y Pablo como técnico de sonido. Quiero que mis próximos discos se graben allí. Me siento muy cómodo trabajando con ellos, además con Borja me une también la raíz, los dos somos de Santa Olalla, un pueblo de Toledo. Es la persona con la que mejor me entiendo musicalmente. Sabe llevar las canciones hasta lugares que ni imaginaba. Pablo es una barbaridad lo que sabe de sonido, mezclas y todas esas cosas que a nosotros se nos escapan. Además son mis amigos. Todo lo bueno que diga de ellos es poco.

— Has contado con colaboraciones de lujo, háblanos un poco de éstas.

— La verdad es que sí. Están Rebeca Jiménez, Marwan y Jorge Marazu que hacen que las canciones tomen una dimensión diferente. Flipé mucho con ellos cuando estuvieron en el estudio, son tres artistas maravillosos y encima muy buena gente. Fue un gusto. También está Antonio Eme que escribe la letra de el bando vencedor. Rubén Fuentes toca el piano en ese tema. A los coros están mis queridas Ondina y Mara Barros. Para mí son también invitados de alguna manera.

— ¿Qué nos vamos a encontrar en La Memoria Incendiaria?

— Un trabajo sincero y honesto ante todo. La memoria es un gran disco lleno de buenas canciones y unos arreglos y una producción impecable de Borja. Tocan unos de los mejores músicos del país y eso se nota también. Pero sobre todo lo definiría como un disco muy sincero de principio a fin en todos los pasos que hemos dado. Desde la primera palabra hasta el último acorde, pasando por el diseño gráfico y todo lo que lo envuelve.

— Ya para terminar una pequeña batería de preguntas cortas:Un disco indispensable en el panorama musical extranjero.

— Mellon collie and the infinite sadness de Smashing Pumpkins

— Un disco indispensable en el panorama musical español.

— De un lugar perdido de Antonio Vega

— Un cantante o grupo español que sigas especialmente.

— Solista Quique González, grupo Love of Lesbian

— Un cantante o grupo extranjero que sigas especialmente.

— Solista Fionn Regan, grupo Radiohead

— ¿Qué disco de los que suenan como novedad actualmente has oído y te ha gustado especialmente?

— Cala de Fionn Regan

— Eres un trovador como tú mismo te defines, que no para de dar vueltas recorriéndose España entera, llevando su música a cada rincón y haciendo disfrutar y emocionarse a todo asistente a tus conciertos, ¿en qué ciudades podremos verte próximamente?

— Pues esa es mi realidad y estoy muy contento de que sea así y así me gustaría que siguiera siendo por mucho tiempo. He arrancado hace unos días la gira otoñal en Coruña y haré cerca de treinta fechas hasta diciembre. Estaré por Almería, Badajoz, Madrid, Murcia, Zaragoza, Santander, Barcelona, Andorra, Albacete y así…

— Muchas gracias Fito por esta entrevista, que todo vaya genial con “La Memoria Incendiaria”, te vemos en los conciertos.

— Gracias a ti, amigo. Ha sido una entrevista muy bonita. Nos vemos pronto.

Lugares Feroces ha sido grabado en el estudio de grabación “La caja del ruido” en Mallorca, bajo la producción de Carlos y Damián Tejedor, ex “Casa Rusa”. Excepto “Días de carretera” grabado en Madrid y producido por Pepe Curioni.

Luis Cadenas irrumpe con fuerza en el panorama musical con un disco formado por 11 temas de sonido contundente y letras cercanas para el disfrute de cualquier amante de la música de autor, pero con sonido rock y su estilo propio, aunque con sus claras referencias a Antonio Vega o Quique González entre otros.

Dale al play en Spotify y disfruta de “Lugares Feroces” de Luis Cadenas mientras lees esta entrevista que le hemos hecho para que lo puedas conocer un poco mejor.

Aún conservo cuadernos del colegio rellenos de canciones de Serrat en vez de apuntes…

- ¿Tu talento artístico musical te viene de familia?

- Por supuesto, toda la cultura musical que tengo es herencia familiar. Siempre ha sonado buena música en casa y desde muy niño mis padres y mis hermanos me han puesto buena música. Desde Mozart a Elvis pasando por Maria Callas o Dean Martin.

- Siendo realistas, todos sabemos que es una apuesta de alto riesgo dedicarse a tiempo completo a la música, en tu caso ¿cuándo y por qué te interesas en la música como para dedicarte de lleno a este mundo?

- Pues en realidad nunca hubo ese momento de ruptura con la supuesta “vida real” para afrontar una vida dedicada a la música. Siempre lo he llevado dentro. Aún conservo cuadernos del colegio rellenos de canciones de Serrat en vez de apuntes… por poner un ejemplo.

- ¿Cómo te definirías dentro del mundo de la música?

- Pues un currante. Un trabajador del oficio más bonito del mundo que es hacer canciones.

- Tu nuevo disco, “Lugares feroces” no suena a disco de cantautor, ¿has tratado de alejarte del sonido de la canción de autor a propósito o es algo que ha ocurrido de manera no buscada?

- Bueno, en realidad no es buscada la estructura de las canciones, pero sí lo es el sonido. Las canciones pueden defenderse por ellas mismas a guitarra y voz perfectamente como en mis otros discos. Y es canción de autor. Lo que es cierto es que hemos intentado modernizar un poco el sonido de mis discos anteriores, dándole un aire más actual. Y eso ha hecho que adquieran un perfil más rockero, pero sigue siendo canción de autor.

- Pusiste en marcha un proyecto de crowdfunding para ayudarte a sacar adelante “Lugares feroces”, esta opción es muy usada por los que como tú son artistas independientes y autogestionados, la gente respondió, apoyó tu proyecto y conseguiste el objetivo fijado, pero ¿qué hubiera ocurrido si no hubieras alcanzado el objetivo?

- Pudimos conseguirlo gracias a un montón de amigos y amigas que apoyaron el proyecto y de los que estaré siempre agradecido. Al final este tipo de plataformas es una ayuda de promoción más, la gente comparte tu proyecto, aunque no ingrese dinero para que llegues más lejos y eso es interesante siempre para los que no tenemos ningún sello discográfico detrás.  Si no lo hubiera conseguido no habría pasado nada, pensaríamos otra alternativa más compleja y con tiempo y trabajo habría salido también.

- Cosas como un proyecto crowdfunding no se podría llevar a cabo sin la existencia de Internet, pero la red de redes facilita también otras posibilidades menos positivas para un músico, para la cultura y la creación en general, ¿qué opinas de Internet para un músico como tú, beneficia o perjudica, para dónde se inclina la balanza?

- Yo he crecido musicalmente en la era de Internet. No puedo hablar realmente de lo que pasaba en los 80 o 90 (aunque me habría encantado formar parte de esa etapa). A mí me ha ayudado mucho para llegar a personas que de otra manera hubiera sido imposible. Por ejemplo, tengo casi más seguidores en Mexico que en Mallorca, eso es cuanto menos curioso. Desgraciadamente por otra parte eso nos ha perjudicado también, ya que no hay dinero y las compañías ya no apuestan por los artistas como antes, y mucho menos por la gente que está empezando.

- Eres usuario de las redes sociales, ¿cómo las usas principalmente, de forma personal o en relación con tu carrera musical?

- Hace años que las utilizo de manera profesional. De todas maneras, son tan distintas entre sí que hay que interaccionar de manera independiente si quieres que funcionen al cien por cien todas ellas.

- Siguiendo con herramientas de internet, existen las plataformas para la venta de discos en formato digital, aparte parece que quieran extinguir la cotidianidad del cd y su reproductor, últimamente hasta los están eliminando de los coches, donde en su lugar tienes un puerto usb, con todo ello tú además editas en formato físico, ¿cómo de importante es para ti la edición física en CD de un disco?

- Una pena que arrastro desde hace años es no haber podido lanzar los discos en formato vinilo, con eso te lo digo todo. Para mi es fundamental tener el disco en mis manos. Es como un buen libro, me niego a creer que vaya a desaparecer el papel, por mucho soporte digital brillante y luminoso. Tener un buen diseño de disco, leer el libreto, buscar detalles dentro, las fotos del artista etc… meter el disco en el coche, darle al play y perderte conduciendo con tu música favorita. Eso no se va a perder nunca.

- La música en TV había llegado a un punto que no existía más allá del programa cazatalentos de moda, últimamente estamos viendo, además –en la televisión pública al menos- algunos programas centrados verdaderamente en la música, dejando a un lado el factor reality y el sensacionalismo, ¿qué opinas de la presencia de la música en televisión?

- No veo mucho la tv yo más allá de series y películas. No hay mucha oferta desgraciadamente y eso sin duda es un error. La cultura literaria, musical y cinematográfica que tenemos en este país es enorme y deberían existir en las televisiones programas ensalzando lo mejor que tenemos, que es mucho. Desde luego no las miserias del ser humano, pero ya sabemos qué programas funcionan.

- ¿Alguna vez te has presentado para un programa de esos cazatalentos o has pensado hacerlo?

- No. Lo respeto, cada año contactan conmigo, pero no me interesa. Tengo otro perfil.

- ¿Cómo sería para ti el programa de música ideal en televisión?

- Pues desde luego un programa valiente, donde se apueste por apoyar a los músicos enormes que tenemos y que no suenan por las radios convencionales. Y desde luego ayudar a la gente que está empezando a asomar la cabeza. Un país donde no haya sitio en la televisión para Jaime Urrutia es una vergüenza.

- ¿Cómo ves el panorama de la música en directo en nuestro país para músicos que tratan de hacerse su hueco en tan difícil mundo?

Pues lo veo complicado. No sé si estamos acostumbrados a las luces y focos que vemos en las televisiones, en esos super programas de talentos, pero la vida real es otra. El mundo de la música es muy complejo ahora mismo. Subirte al coche (si lo tienes) con tu guitarra y tu equipo de música, separarte de tu familia e ir a tocar por pueblos, bares, restaurantes, salas de toda la península, algunas con mejores condiciones que otras, es cruel a veces. Para los que no tenemos ayudas no tenemos otra opción que esa. Y no te puedes permitir el lujo de flojear ni deprimirte, porque ahí se acaba todo. Por otro lado, vivir de la música es una vida maravillosa y yo no lo cambiaría por nada. 

- ¿Qué le dirías a cualquier amante de la música como yo que se va a encontrar en tus conciertos?

- ¡Que deje el móvil! Que disfrute, se relaje, que vaya con alguien a quién quiera y pase un rato estupendo. Nada más y nada menos.

- Dentro de “Lugares Feroces”, ¿tienes algún tema que para ti sea especial sobre el resto por algún motivo?

Varios. Hay canciones antiguas que recuperamos de otros discos que lógicamente tienen un peso importante en la historia de mi vida. Respecto a las nuevas… quizá me quede con “Lugares feroces”. Por motivos que no puedo contar ;)

- Has grabado en el estudio “La caja del ruido”, cuéntanos un poco sobre la grabación, con quien, por qué con ellos, etc.

Por que son grandes profesionales y grandes amigos también. Por que han confiado en mí desde el principio, y han conseguido con su apuesta personal sacarme de un sonido un tanto ya añejo para darme una nueva versión más actual y renovada. Ellos son Carlos y Damián Tejedor (ex “casa rusa” y ahora “San Damián”). Yo sin duda animo a todos a grabar con ellos.

De todas maneras, la piedra angular la puso Pepe Curioni que me grabó en Madrid la primera canción que se grabó de este disco “Días de carretera”. Producido por él en el estudio de Cristian Chiloé.

- ¿Qué nos vamos a encontrar en “Lugares Feroces”?

Pues un repaso de mi historia musical. Un lavado de cara. Y desde luego las bases en las que se cimentarán mis futuros discos. Eso no quiere decir que sea un disco de paso ni mucho menos. Es un disco que cierra una etapa.

Días de carretera. / YouTube

Preguntas y respuestas cortas

- Para terminar, una pequeña batería de preguntas de respuestas cortas: Un disco indispensable en el panorama musical extranjero.

- The heart of Saturday Night . Tom waits

- Un disco indispensable en el panorama musical español.

- Cualquiera de Antonio Vega

- Un cantante o grupo español que sigas especialmente.

- Quique González

- Un cantante o grupo extranjero que sigas especialmente.

- Bob Dylan

- ¿Qué disco de los que suenan como novedad actualmente has oído y te ha gustado especialmente?

- Ríen los dioses. Gatoperro

- ¿Algo que nos quieras contar, sobre tus próximos conciertos, proyectos?

- Estoy a punto de publicar mi primera novela, a medias con mi hermano Arturo. Ciencia ficción-terror. Y que nos veremos muy pronto en los escenarios o abajo. @mundiario

Con este concierto los hermanos Nacho y Javier Campillo se han subido al escenario tras 10 años sin hacerlo como Tam Tam Go y ofrecieron un gran concierto para un entregado público, donde revisaron grandes éxitos de su carrera además de algún tema inédito.

Comienzan así una gira titulada “Volando sobre un tacón” que es el título del disco que saldrá a la venta en septiembre y que repasa los grandes éxitos de la trayectoria del grupo en nuevas versiones y que cuenta con la colaboración de un buen número de artistas del panorama musical: Izal, Andrés Suárez, Mikel Erentxun, Morgan, Coti, Manuela Vellés, Txetxu Altube…

Diez años después de aquél estupendo concierto en el Teatro de Mérida que fue editado en cd+dvd y que hasta ahora sería el último disco editado por el grupo.

Tam Tam Go es el primero de los grupos que llegan a este resort del pueblo de la provincia de Cádiz, en los próximos meses llegarán grupos nacionales e internacionales para completar una serie de 20 conciertos que se extenderán hasta el próximo mes de diciembre.

Stay Alive® 720° es un ciclo de conciertos que traerá al emblemático resort artistas como Mikel Erentxun, David DeMaría, Revolver, Javier Ruibal, La Unión, Coti o Modestia Aparte.

De momento las siguientes fechas confirmadas y con la venta de entradas abiertas son las siguientes:

• Modestia Aparte – 3 de agosto
• Mikel Erentxun – 9 de agosto
• David de María – 13 y 14 de septiembre
• Revólver – 21 de septiembre
• Javier Ruibal – 26 de octubre
• La Unión – 30 de noviembre

Los interesados podrán optar por la compra de sólo la entrada al concierto o un pack que incluye además la estancia en este estupendo e idílico hotel donde se celebrarán los eventos.

Las entradas con las distintas opciones se pueden adquirir desde la siguiente dirección:
http://stayalive720.es

Benalup-Casas Viejas es una localidad que está ubicada en el corazón de la provincia de Cádiz, con un increíble entorno dentro del Parque Natural de Los Alcornocales y cercana a maravillosas playas del litoral gaditano, reconocidas mundialmente.

Tal y como nos cuentan en la página mencionada antes:

“Se trata de conciertos exclusivos por su reducido aforo y la calidad del servicio en uno de los enclaves más atractivos de Europa, al sur de Andalucía, en el corazón de la provincia de Cádiz y a pocos kilómetros del estrecho de Gibraltar, un lugar mágico en plena naturaleza.“

En esta ocasión ya como todos saben, Carlos Goñi y su banda lo ha querido hacer rodeado de sus seguidores en un concierto en el Teatro Circo Price de Madrid, donde ninguno de los asistentes sabían que estaban asistiendo a la grabación del Básico 4, algo que Carlos Goñi anunció una vez empezado el espectáculo, para sorpresa de todos y que se ha querido dejar plasmado en el disco.

Carlos Goñi supo acompañarse bien en el escenario para la ocasión, reuniendo a Cuco Perez, Manuel Bagües, Josvi Muñoz, Julio Tejera, Edu Olmedo, Cristina Narea y Mayte Pizarro también a los mandos del sonido jugaba con garantía con Mat Sena y Manuel Tomás, que siempre están presente cuando Revólver están en modo REC.

Este trabajo se presenta en su edición física en una cuidada y antojadiza edición disco-libro, en un formato de mayor tamaño de lo que suele ser habitual que hará las delicias de todos, sobre todo de los coleccionistas, una edición de lujo muy acorde para lo que alberga que merece mucho la pena tener. El diseño gráfico ha sido realizado por el artista sevillano Guillermo Luceño, con las fotografías de Irene Bernad.

El Básico 4 ha salido a la venta este 10 de mayo, pero desde hace días se podía hacer la reserva firmada, que a lo largo de hoy ya ha estado llegando a los primeros afortunados, muchos de ellos han plasmado sus reacciones en las redes sociales, sobre todo en Facebook en el grupo mas activo de seguidores de la banda llamado “RevólveR Team”, por cierto a cuya creadora, Rocío Gonzalo, se ha incluido en los agradecimientos del disco, algo que ha supuesto una gran sorpresa para ésta acérrima seguidora de Revólver, precursora además del vídeo felicitación del último cumpleaños hasta la fecha de Carlos Goñi que le dedicaron sus seguidores y amigos, que publicamos en su día aquí en Mundiario.

Carlos Goñi sigue haciendo lo que mejor sabe, lo que le gusta, siempre llevando el control, con la misma pasión que al principio o quizás mas, sabiendo con “quien jugarse los cuartos”, fiel a su estilo que alberga muchos pero sólo con una forma de hacer las cosas, siempre la misma, siempre bien y todo esto se ve en sus seguidores, siempre fieles llenando sus conciertos, reuniendo a varias generaciones, padres e hijos. 

En este trabajo vamos a disfrutar de una banda sonando descomunalmente con un Carlos Goñi pletórico en un estado de forma vocal fantástico que nos hará tener que colocar este disco en la parte mas visible de nuestra estantería, en la reservada a los mejores de nuestra colección musical, para poder tenerlo fácilmente localizable cada vez que nos apetezca disfrutarlo, ...que se pare el mundo, que yo le doy al PLAY. Como dice mi amigo Luis Abad: “Sale a la venta esta joya que es el #BasicoIV de Revolver. En estos tiempos donde casi todo es de usar y tirar, ver una banda en estado de gracia y un disco con esta presentación y calidad es sencillamente una maravilla”.

Si es por ti, de Revlver. / YouTube

Setlist de Básico IV:

1. Lisa y Fran

2. Más tequila

3. Frío en Madrid

4. No escupas al suelo

5. Y pasa el tiempo

6. 21 gramos

7. so de saber

8. Blackjack

9. Entre las nubes

10. Campanilla

11. Esperando mi tren

12. Olvidé nuestra canción

13.Si es por ti

Una historia que servirá para inspirar a muchas personas, mostrando las necesidades que puede tener cualquier persona sordociega a través de la vida de Gennet Corcuera, desde que nació en Etiopía hace 37 años, pasando por los momentos más relevantes de su vida, como en el que Carmen Corcuera, suegra del embajador de España en Addis Abeba, la encontrara y se interesara por ella hasta el punto que para conseguir su adopción pasó dos años trabajando en el centro de acogida donde Gennet fue abandonada, su difícil proceso de integración y aprendizaje en un mundo donde no había lugar para gente como ella, los recuerdos desvaneciéndose en la memoria de su madre adoptiva Carmen a consecuencia del terrible alzhéimer, el gran logro de convertirse en la primera mujer sordociega europea que consigue un título universitario, hasta la actualidad en que Gennet es una persona independiente y totalmente integrada en la sociedad, residiendo en Sevilla y trabajando como educadora especial en el único centro residencial especializado en sordoceguera que hay en España.

En la película a través de una voz en off que representa su yo interior y del proceso de escritura en su ordenador, Gennet cuenta su propia historia y nos permite entrar en su mundo de silencio y oscuridad para entender cómo ha sido y como es su vida, transformando ese mundo de aislamiento, como cualquiera lo llamaría, en todo lo contrario.

Me llamo Gennet cuenta con la coproducción de TVE, ha sido grabada en exteriores de Almería, Sevilla y Etiopía, en el reparto están Gennet Corcuera, Ángela Molina, Miriam Díaz Aroca, Micky Molina, Zewdu W. Mariam y el propio director, Miguel Ángel Tobías.

Escena de Me llamo Gennet. / Acca Media.

Dar visibilidad a los sordociegos, es el objetivo del director de la cinta; "hay que cuidarlos para tener un desarrollo pleno y todo el mundo muestra interés en saber cómo es la vida de Gennet desde que nació en Etiopía hasta el día de hoy. En el momento actual es Gennet la que se interpreta a sí misma, la película cuenta el proceso de cómo aprendió y cómo entra a conocer conceptos como el amor, la alegría o la soledad".

“Me llamo Gennet es una historia llena de esperanza, de optimismo y de afán de superación que supone un canto a la vida con mayúsculas. Espero que esta película contribuya a dar visibilidad a las barreras con las que se encuentran las personas sordociegas, ayudando a generar conciencia social y a encontrar apoyo para que tengan una vida más fácil y digna”, señala Miguel Ángel Tobías.

La cinta ha sido presentada en el Festival de Cine de Málaga, estará en los cines en el mes de octubre y el 10% de la recaudación irá destinado a ASOCIDE, la Asociación de Sordociegos de España, que tal y como ellos mismo mantienen:

“Servirá para sensibilizar a la sociedad sobre la sordoceguera, las grandes barreras a las que nos tenemos que enfrentar, y todo lo que somos capaces de conseguir con los recursos necesarios. Nos supondrá una gran ayuda a la hora de poder seguir luchando por cumplir nuestros objetivos y mejorar la calidad de vida de las personas Sordociegas”.

Junto con la película, Acca Media ha preparado un reto titulado “Y si fuera Gennet”, cuyo objetivo es detectar todas las necesidades tecnológicas del colectivo de personas sordociegas para poder hacérselo llegar a empresas que puedan desarrollar ideas en ese sentido. Ahora mismo están creando un listado de ideas tecnológicas adaptadas a dicho colectivo, así que están abiertos a cualquier idea o aportación que se les pueda hacer llegar.

Miguel Ángel Tobías es Productor y Director de Cine, Documentales y Programas de TV. Es el creador del formato de televisión de mayor éxito de los últimos años en España, “Españoles en el Mundo”, replicado en todas las Comunidades Autónomas y en multitud de países, siendo su labor reconocida por la Industria Audiovisual y en el ámbito de la Comunicación.

Con su Productora ACCA MEDIA, Miguel Ángel lleva 14 años recorriendo el mundo con sus cámaras, mostrando experiencias, contando historias de vida a través de sus programas, series documentales y documentales de cine con la difusión de valores, concienciación y movilización ciudadana como Sueños de Haití y Rising Nepal poniendo el objetivo de su cámara en esas zonas del mundo que fueron duramente devastadas por sendos terremotos.

Dedica también enormes recursos a la producción de documentales para la divulgación de causas sociales, solidarias y benéficas, que promuevan valores universales como la justicia, la solidaridad, la paz, como es el caso de Gurba, la Condena que trata sobre la injusticia que supone el exilio al que está condenado el pueblo saharaui mientras el mundo mira para otro lado, del cual hablamos en su día aquí en Mundiario.

Próximamente estrenará también Las caras del hambre, título que deja una idea inequívoca sobre su temática, una película documental sobre personas amenazadas por el hambre y la desnutrición en distintos puntos del planeta, no sólo centrado en el tercer mundo, sino también en el primero y ya existente cuarto mundo. Un problema de todos que avanza sin tregua alguna.

“La Filosofía ACCA MEDIA es el compromiso con cada uno de nuestros proyectos. Nos gusta lo que hacemos y nos implicamos a fondo, tanto en la parte creativa, como en la realización, así como con su promoción y eco en redes sociales. Tampoco perdemos de vista ni lo social ni lo humano. Queremos hacer sentir emociones al espectador. Y como director creo que tengo el deber de difundir determinadas historias que de otro modo quedarían silenciadas. Esa es nuestra esencia: mostrar las cosas de otra forma", recalcó Tobías. @mundiario​

Con el cine como telón de fondo nos encontraremos tintes de novela negra, de espías, de intriga, histórica e incluso de amor, de todo un poco hay en GILDA EN LOS ANDES.

Gilda en los Andes, resumen de argumento

Antón Requena, director de la Filmoteca de Cádiz, está a punto de vivir la desaparición de su pequeño reino cinéfilo. Aprovechando que le han invitado a comisariar un ciclo sobre Luis Buñuel en el 30 aniversario de su muerte, decide poner tierra de por medio y asistir al homenaje al aragonés. Un homenaje que tendrá lugar en Tromsø, la capital del Ártico, en el transcurso del Festival de Cine que se celebra allí en plena noche polar.

Al mismo tiempo, un prestigioso director de cine danés en horas bajas recibe de los servicios secretos de Dinamarca un extraño encargo que puede levantar su carrera o hundirla definitivamente: adquirir un lote de pertenencias del rey Alfonso XIII durante una subasta en Roma. 

Entre medias acecha un escándalo silenciado durante décadas por los poderosos y que podría salvar a dos locos del cine. ¿Cuál es el destino de la Filmoteca? ¿Qué misterios ocultan algunos fotogramas olvidados? ¿Hasta dónde eres capaz de llegar cuando lo has perdido todo y quieres recuperarlo? ¿Pueden algunos cinéfilos atreverse a vivir su propia película?

Fernando Marañon (Madrid, 1968) ha colaborado en revistas y participado como comentarista cinematográfico en radio y televisión los últimos diez años.  Quedó finalista del desaparecido premio de narrativa erótica La Sonrisa Vertical. En 2004 publicó Circo de Fieras que reeditó en 2010. Poco después publicó Tiene delito, una guía del mejor cine, sus grandes héroes y sus villanos. En 2016 participó en el ensayo colectivo Mitos del cine quinqui. Están a la espera de publicarse otros sobre la filmografía de Danny Boyle y la de David Cronenberg. Actualmente reparte su tiempo entre Madrid y La Habana, trabaja en otro libro y alimenta un blog, de cine, claro: http://fernandomaranon.blogspot.com.es/.

— ¿Cómo se te ocurrió ésta novela?

— Fue viajando. Acababa de volver de Noruega y se lo contaba a otro amigo escritor (Juan Laborda), tomando unas cervezas nocturnas. Me dijo: ahí tienes una novela en ciernes. Se refería al escenario, no a que reprodujera el viaje tal cual fue. Después vinieron los personajes, el cine... y Cádiz.

— ¿Por qué se titula Gilda en los Andes?

— Los títulos de las novelas son siempre muy suyos. Esta novela tuvo dos anteriores, que luego deseché por distintos motivos. Gilda en los Andes es el definitivo, un título que surge de una leyenda cinéfil: Cuándo la película GILDA tuvo aquel éxito universal, cuenta esa leyenda que un grupo de fanáticos, alentados por Rita Hayworth, decidieron llevar una copia hasta los Andes para salvarla de cualquier catástrofe. Este viaje podía haber generado una novela por sí mismo, pero aquí Gilda en los Andes, aunque se refiera a esa leyenda, funciona como metáfora de otra cosa. No puedo contarte más sin hacer spoiler.

— ¿En qué género literario podríamos clasificar ésta novela?

— Buf, supongo que intriga. Aunque la intriga permite alimentar la historia de las cosas que muchas intrigas tienen: viajes a lugares cosmopolitas o poco conocidos, romance, aventura,… La intriga da inicio y fin al relato, lo sobrevuela todo el tiempo y está currada para que todo encaje como un mecano. Para mí, de todos modos, lo más destacado son los personajes, su pasado, sus razones para actuar, las relaciones entre ellos, y su pasión por el cine que les hace fuertes.

El cinéfilo lo va a pasar muy bien, pero mi vocación al escribir es que también lo haga cualquier lector que no sea necesariamente un loco del cine.

— Sin duda hará las delicias de los cinéfilos y acercará a los que lo son menos a éste mundo, pero ¿que se encontrarán éstos últimos para que queden atrapados con ésta novela?

— Creo que una buena novela lo es cuando quien la lea la disfruta, aunque no sea un entendido en el tema de fondo. De hecho, la mayoría de las ficciones que nos atrapan suelen tratar de profesiones, lugares y misterios que desconocemos por completo. El cinéfilo lo va a pasar muy bien, pero mi vocación al escribir es que también lo haga cualquier lector que no sea necesariamente un loco del cine. Que no sienta que se está perdiendo claves. Esto no es un manual ni un ensayo, es ficción novelesca, aunque se homenajee al mundo del cine en ella.

— El relato se mueve por multitud de escenarios de España y de Europa, ¿los conoces todos personalmente?

— Sí, mi trabajo me ha hecho viajar mucho, incluso ahora. Y el mejor material para escribir es aquel que se conoce bien. Si tienes los escenarios, has vivido por dentro rodajes, Festivales de Cine, conferencias, etc. y has leído y conversado mucho sobre películas, intérpretes y anécdotas, tienes un excelente punto de partida. Tendrás que documentarte mucho más, e inventarte infinidad de cosas, pero no partes de cero. Aunque a algunas ciudades tienes que regresar para asegurarte de que no han cambiado en lo que importa al relato. ¿Pero a quién no le gusta volver a Cádiz?

— ¿Por qué has elegido Cádiz para ubicar la filmoteca de la novela?

— Porque es una ciudad perfecta para la narración: Sus habitantes rebosan personalidad, su arquitectura es espectacular y señorial. Sus bares, calles, clima,… todo coopera para que los personajes se muevan con fluidez. También es un pequeño homenaje a mi amigo más antiguo de la ciudad, y a los nuevos. Además, no tiene Filmoteca y eso me ha permitido inventarle una.

— Y de Cádiz a Tromsø, de la costa de la luz a la capital del Ártico en plena noche polar con dos meses de oscuridad en los que no sale el sol, estos dos extremos en las características de las localizaciones más importantes de la novela, ¿han sido casuales o buscadas a propósito?

— Desde el principio me funcionó el contraste Cádiz-Círculo polar. Para los personajes, el paisaje y hasta el tono. Siempre estuvo claro que el protagonista sería mestizo. Y cada parte de su naturaleza tira de él a su manera. Pero no te diré quién gana.

— En Cádiz hay una localización especial que aparece en la novela, se trata del Café Royalty, un lugar singular como pocos y que me consta que buscaste especialmente y que te maravilló, ¿qué te maravilló del Café Royalty?

— Me encanta ese Café. Está rescatado al tiempo (fue durante mucho tiendo una tienda que ocultaba la decoración fastuosa). Y si te fijas, es lo que en realidad hacen mis personajes, rescatar maravillas olvidadas.  También me parecía chulo que los cinéfilos tuviesen diferentes tipos de bar para hacer cosas diferentes. Y para ciertas ceremonias hay que ir a sitios con clase. El Café Royalty la tiene, sus paredes, sus pinturas, sus objetos de colección relucientes… y un servicio de bar como sólo dan en Andalucía, no sólo eficaz, sino lleno de viveza.

— El mundo del cine es poco plasmado en la literatura y eso que es un mundo fascinante donde hay mucho que contar o sobre lo que crear historias, ¿por qué crees que el séptimo arte protagoniza tan pocas novelas?

— Bueno, supongo que el Cine y la Literatura se miran con desconfianza. Se necesitan, pues hay adaptaciones de novelas al cine y “novelizaciones” de películas con éxito. Pero como asunto principal de la narración (audiovisual o por escrito), se gustan menos. El Cine, además, cuando retrata el mundo literario lo hace cayendo en ciertos tics poco realistas: el escritor eternamente torturado, las envidias entre ellos, el genio siempre borracho o riñendo con la amante,… La mayoría de los escritores no son así. Lo de la envidia puede, pero en eso el Cine también está bien servido (jaja)

Portada de Gilda en los Andes.

— Eres gran amante y conocedor del cine, ¿se puede decir que GILDA EN LOS ANDES es tu homenaje al cine?

— Homenaje al cine hay, indudablemente. Aunque llega un momento que te olvidas de tus fetiches si no funcionan para la novela. Lo peor de escribir es tachar lo que no vale, por mucho que demuestre que sabes una barbaridad del tema. Es como le dice el director al productor en “Cautivos del mal”: La escena no necesita que salga todo el banquete, aunque montarlo haya costado una pasta. Sobre papel todo es más barato que para rodarlo, eso es verdad. De todos modos, conviene quedarse con lo que es novelescamente útil. Algunos guiños se cuelan, por supuesto,  espero que ni se noten.

— En las redes has estado compartiendo fotos de personajes ilustres del cine, clásico y actual que aparecerán de alguna manera en la novela, como Rita Hayworth, Ava Gardner, Rossellini, Buñuel, Berlanga, Garci, Fernán Gómez, Sara Montiel, Sophia Loren, Paco Rabal, Cantinflas, Chaplin, Federico Fellini, Almodóvar, Orson Welles, Scarlett Johansson, Monica Bellucci y fotogramas de películas como Starwars, Casablanca, Gilda, 55 días en Pekín, El hombre que pudo reinar, Los vengadores, La vida de Pi, Mercenarios, …etc., esto intriga porque nos hace pensar ¿en qué modo puede encajar éstos personajes y películas de tan distinta épocas en la trama de la novela?, ¿nos lo explicas o mejor mantener la intriga?

— Es sencillo: los protagonistas vienen rodeados de cine. Obras maestras, rarezas, cine de consumo, mierdas inconfesables… Cada momento tiene su peli ¿no es cierto? Aquí también. Pero ya digo, no necesitas haberlas visto para seguir la trama. La novela ofrece la información suficiente de las verdaderas y de las que yo me invento, cuando es necesaria, de tal modo que el lector pueda disfrutar de todas como parte de la ficción.

— ¿Qué papel juega la música en la novela?

— Esencial. No porque aparezca con demasiada frecuencia, pero sí cuando la escena lo necesita. Cumpliendo los papeles básicos: Compás de espera (intriga), tema de amor y momento épico. Dejo a la afición el placer de descubrir qué suena en dónde y con qué finalidad. Aunque sospecho que les será muy fácil.

— Si imaginaras las escenas de la novela con una banda sonora, ¿qué música sonaría?

Podríamos usar a varios expertos: Alberto Iglesias para el principio, Bernard Herrmann para la intriga, John Barry para el romance… Y canciones apropiadas aquí y allá. Pero títulos concretos es difícil de decir. En mi opinión, tiene que haber bolero, balada sajona y un poquito de rock´n´roll.

Debería haber más artistas como él, que reconocieran en sus propios trabajos el talento cultural que atesoramos.

— Muchas veces, por no decir normalmente, a nuestros grandes del Cine los tenemos poco valorados y, algunas veces, alguien consciente de ello les rinde un merecido homenaje. Éste es el caso de Carlos Goñi (REVÓLVER), amante del cine y en particular del cine clásico español, que en su último disco ha dedicado una canción a José Sacristán titulada “Sacristán de sacristanes”. ¿Qué piensas sobre que ocurra esto con nuestros grandes del cine?

— Conozco la canción de Carlos Goñi y me encanta. Debería haber más artistas como él, que reconocieran en sus propios trabajos el talento cultural que atesoramos, pero es verdad: no es muy frecuente que así se haga. Gilda en los Andes habla de mucho cine, sobre todo europeo y norteamericano. Dentro de ambos, el cine español juega un importante papel. La principal diferencia entre las estrellas de Hollywood y otros intérpretes de otras cinematografías es su universalidad. Reconocerlas en todo el mundo las agiganta. Pero  Rabal, Fernán Gómez o Sacristán, son intérpretes descomunales que no han desarrollado su trabajo en una industria con distribución semejante. Eso no les resta un ápice de talento. Por eso los he abordado con igual respeto y cariño, o más.   

— ¿Esperas que algún día se lleve ésta historia al cine?

— Eso sería estupendo, aunque el guionista las iba a pasar muy negras. Claro que pueden contratar al autor como guionista… Nunca se sabe.

— ¿Cabría una secuela o precuela de Gilda en los Andes?, dado que éstas cosas están tan de moda ahora, al menos en el cine.

— No hacen falta precuelas en la narrativa, con contar el pasado que interese dentro de la propia novela, listo. Pero secuela es otra novela con personajes de ésta. Estoy en ello…

— Si te inspiras, ¿en qué otros autores te inspiras?

— He tenido tantos favoritos (ya vamos teniendo una edad), que no quiero desairar a ninguno. Pero pongamos como muestra a Benito Pérez Galdós, Raymond Chandler, Maurice Leblanc, John Le Carré, Luis Landero, Almudena Grandes, Vázquez Montalbán, y muchos más.

— Eres ilustrador, ¿encontraremos ilustraciones tuyas en el interior de la novela?

— No. De hecho, me gustaba ver cómo otro ilustrador interpreta en la portada la historia. Me gusta mucho la portada de Berenice para GILDA EN LOS ANDES, por cierto. En este caso, yo con escribir lo de dentro ya tuve bastante.

— ¿Como de difícil está hoy en día poder sacar adelante una novela para que acabe editada y publicada?

— Es difícil, pero no imposible. Cada cual habla desde su propia experiencia, pero a mí me ha costado menos ahora que en los libros anteriores. A lo mejor es un tema más atractivo, un género más vendible… no tengo ni idea. Pero el que quiera escribir y publicar que insista, no hay otro camino.

— Eres usuario de las redes sociales, ¿crees que es una herramienta útil a la hora de promocionar una novela?

— Te lo diré dentro de un par de meses. Éste es el primer libro que promociono a través de las redes. Pero los que le dan al Me gusta, no tienen por qué comprar. A veces el Me gusta sirve para apoyar sin hacer.  Esperemos un par de meses, puede que ahora mismo los facebookeros estén comprando como locos el libro directamente a la web de la editorial (www.editorialberenice.com)

— ¿Cuales son tus expectativas con Gilda en los Andes?

— Agotar la primera edición. Sacar otra. Agotarla. Etc., etc., etc.

— ¿Cuál ha sido el último libro que te has leído?

— “La Oposición”, de Mateo-Sagasta y “Tocar los libros”, de Marchamalo. Cortitos ambos, pero sustanciosos. Los recomiendo.

— Un libro que recomendarías como lectura obligada.

— “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha”. Para un buen lector es como ir a la Meca: Todos deberíamos leerlo al menos una vez en la vida.

— De las últimas películas que has visto en el cine, ¿con cuál recuerdas que hayas disfrutado más?

— “Tarde para la ira” y “Elvis & Nixon”. Ambas tienen bastantes meses de antigüedad, pero últimamente cojo muchos aviones y el cine de avión se parece un poco a la comida de avión, ya me entiendes.

— Ahora estás de promoción visitando programas de radio y contestando a entrevistas, cuéntanos un poco cuales son los planes próximos en cuanto a la promoción de Gilda en los Andes.

— Recorrer los lugares por los que pasan los protagonistas o se ha inspirado el autor y contárselo a todos los interesados. Aunque a veces es preferible no saber nada del truco de magia… Más vale ponerse directamente a leer Gilda en los Andes.

El significado de utopía es "proyecto, idea o sistema irrealizable en el momento en que se concibe o se plantea", como utopía también se puede considerar un modo optimista de concebir cómo nos gustaría que fuera el mundo y las cosas. Miguel Ángel Fernández consiguió de modo optimista concebir y materializar su Utopía como quería que fuera el mundo y las cosas dentro de ese su rincón y que todo el que por allí pasara pudiera disfrutarlo.

Utopía es más que un hotel del máximo encanto y de 4 estrellas. Es el encuentro con el espíritu de las vanguardias de los años 30. Es un lugar de culto, de ocio, alta gastronomía, cultura, cabarets y conciertos. Es una cita obligada en el sur, cerca del mar

Miguel Ángel Fernández falleció el pasado mes de febrero y el personal de Hotel Utopía ha preparado un homenaje que tendrá lugar los próximos días 21 y 22 de Abril, donde estará cómo no podía ser de otra manera Mikel Erentxun, que normalmente visita dos veces al año el hotel, donde en cada visita se hospeda todo el fin de semana y ofrece varios conciertos, en esta ocasión, suyo será el escenario la noche del viernes 21 y al día siguiente les llegará el turno a los artistas de Utopía, reunidos en un espectáculo único y emocionante, que recoge los mejores momentos de los cabaret creados por Miguel Ángel.

Sin duda esas dos noches en recuerdo al contador de historias y maestro de ceremonias de sombreo de ala ancha de los espectáculos de la Fonda del Utopía, serán muy especiales y emotivas y quedarán grabadas a fuego en la memoria de los artistas y asistentes.

Cartel del homenaje. / Mundiario

Miguel Ángel Fernández

Miguel Ángel Fernández Martínez, nacido en León en 1948, dedicó toda su carrera profesional a la comunicación audiovisual y multimedia y a la creación de estructuras empresariales y de negocio dentro del sector de la industria cultural y de ocio. Tras sus estudios universitarios de Ciencias Políticas y Periodismo, fue reportero y entrevistador de la cadena Ser para sus programas de noche y madrugada, redactor jefe de La Gazeta del Arte, y presentador del programa Las Artes para La Uno de TVE.

En 1974, creó y dirigió la Galería de Arte Multitud de Madrid que logró ser el centro de referencia obligada de la cultura artística española, durante los años de la Transición, por su labor en la recuperación de las vanguardias históricas de los años veinte y treinta, perdidas y dispersas tras la Guerra Civil. En 1977 participó en el regreso a España de Rafael Alberti organizando sus primeros actos culturales en Madrid. A partir de 1979 comenzó su actividad profesional y empresarial dentro del sector de la creación y producción de soportes de comunicación audiovisual e infraestructuras  para la cultura y el ocio.

En 1988 fue nombrado Asesor creativo y de comunicación de la Expo 92 de Sevilla. En su actividad profesional y artística de carácter audiovisual, trabajó en labores de guionista, realizador o director para 268 películas, documentales y programas audiovisuales y multimedia. En 1994, creó un nuevo sistema de Cine Gran Formato, usado durante la Expo´92 en el pabellón de España. Director de la Asesoría Creativa del Pabellón de España y Director Artístico y Técnico del Pabellón del Siglo XV en la Expo 92. Ostentó distintos cargos dentro del sector de la comunicación y medios audiovisuales entre los cuales está Presidente de la Asociación Española de Imagen y Medios Audiovisuales (AEMA) desde 1987-92, que agrupaba a todas las empresas españolas del sector. También fue fundador y presidente (1988-97) de la Editorial videográfica Visual Ediciones, primera editora española en documentales de Arte y Ópera. Y podemos seguir largo y tendido hasta que a partir del año 2000 cambia su residencia a la provincia de Cádiz y alterna la dirección de proyectos de desarrollo turístico con su labor literaria, fruto de la cual publica en Mayo de 2003, para la Editorial Metáfora, “Travesías”, libro de relatos de ficción sobre la emigración.

En 2003 pone en marcha el proyecto para la creación de un espacio de turismo, ocio y cultura en el casco viejo del pueblo gaditano de Benalup - Casas Viejas, que obtuvo la distinción de propuesta modélica para el desarrollo del turismo de interior de calidad. Como resultado de esos trabajos, en febrero de 2006 inaugura el Hotel Utopía y el Museo Espacio Años 30, considerados por el sector turístico y cultural, como uno de los espacios más singulares de Andalucía.

El Hotel Utopía

Situado en el centro de Benalup, pueblo de la Comarca de la Janda, en la provincia de Cádiz, consta de 16 estancias y cada una desarrolla un tema de la vida cotidiana de los años treinta en el mundo. Por su calidad y originalidad es el único hotel de Cádiz con la distinción de tres casitas en rojo de la prestigiosa Guía Michelín. Cuenta con un salón, espectacular espacio mezcla de cabaret, café-teatro y restaurante parisino de los 30, presidido por un escenario donde tienen lugar las actuaciones.

No se como despedirte amigo mío .
Te has ido sin avisar , silenciosamente , y tu sombra aun permanece a mi lado .
Maestro de ceremonias , anfitrión , visionario , poeta , romantico , luchador .
La magia de Utopia me acompañara siempre .
Gracias por dejarme participar en tu sueño , durante tantos años .
Hasta siempre Miguel !!
- Mikel Erentxun -

Espacio mítico del sur por sus noches musicales y de cabaret, con figuras como Mikel Erentxun, Zahara, Inma Serrano, Rafael Berrio, Pablo Guerrero,Toni Zenet, Pablo Carbonell, El Canijo de Jerez, Labuat, Wyoming, Javier Ruibal o Merche Corisco. En su interior hay un museo sobre los años 30, con piezas de importancia. En  2008 se dieron cita en Utopía los tres cocineros españoles más importantes del mundo, José Andrés, amigo personal de Miguel Angel Fernández, Ferran Adriá y Juan Mari Arzak, algo que supuso un hito histórico del mundo de la cocina en la provincia de Cádiz.

Pasan las dos de la madrugada y parece que son las 10 de la mañana, esta oficina no cierra.

Pasan las dos de la madrugada y parece que son las 10 de la mañana, esta oficina no cierra. Siempre hay cosas que hacer y el sueño no viene porque están las ideas como recién levantadas.

Llevo todo el día de hoy (igual que ayer, antes de ayer...) pensando que ya van 4 días sin sacar la guitarra de la funda porque me come el tiempo haciendo gestiones 

Cuando quieres ser artista y además eres independiente has de hacerlo todo, desde madrugar para salir a hacer deporte y mantenerte en forma como llamar hasta la saciedad a la sala de la ciudad a la que quieres ir a tocar e intentar hablar de ti como si de una gran artista de tratara para que el gerente te deje tocar pese al miedo de no saber si alguien vendrá al concierto. Todo esto contando con que entre medias has de buscar tiempo para componer, mejorar, estudiar, tocar (y recordar que es lo más importante) y seguir aprendiendo a la vez que vas disfrutando de cada paso del recorrido aunque a la vez te vayan viniendo a la mente pensamientos del tipo "tú estás loca, montar una gira?" O "esta última canción me parece que no vale nada..." (para que luego llegue Antonio Perez y rebusque en la papelera los destrozos de tu última composición y aún tenga el valor de decir "o pegas estos trozos o te mato" (todo esto hacemos, sí, entre otros dos millones de cosas, pero todo bien 

Es cierto que a veces se pierde la calma y llega la desesperación, no todo es rosa ni las cosas se sacan adelante con una varita mágica. Pero en ese momento pienso en los conciertos que vienen y en las ganas de tocar y de soltarlo todo para recobrar la felicidad plena en un segundo. Porque no encuentro otra cosa que me haga tan feliz como cantar. Lo bueno y lo malo de tener las cosas claras es que yo esto lo tengo claro cristalino 👁

Después de todo son las 2:25 y mi última reflexión del día es que SÍ, que el amor por la música está muy por encima de todo lo demás, aunque el despertador vaya a sonar a mañana a las 7.30 para acudir a la primera cita.

Y ya está, ya me he despachao con esta parrafá 

Sed muuuuuy felices 💙

Besos desde esta oficina abierta de madrugada.

Sara Ráez.

Un disco que les ha dado muchas alegrías y que dio lugar a una gira que les ha llevado por gran parte de la geografía española, ofreciendo conciertos eléctricos o acústicos, con banda al completo o sólo ellos dos con sus guitarras, donde se han subido a escenarios de teatros, salas ó parques, en emisoras de radio o en platós de televisión, en festivales o eventos menores, ...etc. siempre con un fantástico recibimiento por parte de la crítica y lo que es más importante, del público y como no puede ser de otra manera se ha de despedir con un concierto especial, a lo grande, un broche de oro para esta gira antes de volver a entrar en el estudio de grabación a grabar el nuevo trabajo que ya están preparando.

RANDOM THINKING es folk y blues con nombre propio. Escogidos entre los 5 Mejores Artistas Nacionales 2015 por Toma Uno y Radio 3, seleccionados entre los Mejores Discos 2015 y catalogado como “Excelente” por Diario Vasco.

La calidad de su puesta en escena ha hecho que su espectáculo sea recomendado por numerosos medios como La Guía de Cádiz, Diario de Cádiz, Diario de Jerez, Diario Montañés, La Voz de Galicia, Cultura en Guadalajara, etc…

“Una de las sorpresas musicales del año. Verdaderamente impresionante. Me encanta este disco, muy buenas canciones” Santiago Alcanda (Radio 3)

“En el disco debut de RANDOM THINKING hay canciones memorables, como I´m a woman and you´re a man” Diego A. Manrique (Radio Gladys Palmera)

He tenido oportunidad de hablar con ellos y hacerles las siguientes preguntas, sobre el concierto fin de gira y sobre su nuevo disco con el que tienen intención de volver a sorprender:

— ¿El concierto fin de gira lo es porque os metéis en el estudio a grabar en breve el nuevo disco?

— Nos apetecía mucho hacer un concierto especial que pusiera el broche de oro en directo a todo lo que hemos recorrido en este año y pico. Nuestro disco debut nos ha dado muchas alegrías y queremos celebrarlo en directo con un Fin de Gira Oficial en Madrid con toda la banda en una sala mítica como es Clamores.

— ¿Hacéis un parón de conciertos, para cuando pensáis reanudar?

— Ya estamos en plena preproducción y nos metemos en el estudio a grabar en Navidad. Estamos compaginando todo el trabajo de preproducción con los conciertos que ofreceremos este otoño: 10 de septiembre en Matadero (Madrid Río), 29 de octubre en el festival Enoritmos (Pedro Muñoz, Ciudad Real), 19 de noviembre el Fin de Gira en Clamores (Madrid) y el 26 de noviembre en Café Psicopombo (Cáceres).

En diciembre haremos un parón porque nos metemos en el estudio a grabar. Aunque ya te adelanto que retomaremos pronto porque el mismo viernes 13 de enero estaremos en directo en la Sala Pícaro (Toledo).

— Podéis contar algo de lo nuevo, ¿como va a ser el nuevo disco? ¿seguiréis en la misma línea o habrán cambios de estilo?

— Podemos decirte que el disco va a seguir manteniendo nuestra esencia, se va a grabar en directo y seguirá manteniendo ese punto “random” que nos hace ser una banda difícil de encasillar y con personalidad propia.

A partir de ahí, en este tiempo hemos madurado mucho en todos los aspectos y el sonido va a experimentar una evolución. Por ponerte un ejemplo: a excepción de los coros, el primer disco está grabado con la misma instrumentación en todas las canciones: bajo, batería, teclados y guitarras. El nuevo trabajo os adelantamos que va a tener una paleta de sonidos mucho más amplia.

— Vuestro disco debut, como bien decís, os ha dado muchas alegrías, gran aceptación por la crítica y el público, os ha puesto en el mapa musical con nombre propio y en mayúsculas, habéis empezado pues poniendo el listón alto para el próximo disco, ¿añade esto presión y exigencia respecto a vuestro nuevo trabajo?

— Como músicos siempre queremos superarnos, mejorar y seguir creciendo. Estamos orgullosos de nuestro primer disco y creemos que de cara al segundo trabajo, es mejor ver esto como algo positivo que como algo opresivo. Sentir presión o responsabilidad por lo que haces es siempre bueno, solo es necesario gestionar esos sentimientos y dirigirlos hacia cosas constructivas. Nos motiva para seguir creando, evolucionar y sorprender al público y a nosotros mismos. 

— ¿Sabéis cómo se titulará? ¿Nos podéis adelantar ya el título?

— Tenemos varios títulos candidatos, pero todavía no hemos decidido uno definitivo.

Este concierto fin de gira en Clamores (Madrid) es una cita deliciosa para disfrutar en vivo y en directo de una de las bandas con mayor proyección de nuestro país.

Evento con Entradas disponibles.

Cabe destacar que es uno de los pocos que se centra en largometrajes, donde se contará con el clásico "La Cosa"(1982) y el resto de las películas que se proyectarán en esta edición corresponden a cine independiente. "Son películas que han recorrido numerosos festivales y que han destacado por llevarse algún premio en mejor dirección, mejor película, mejor actor o mejor actriz. Es un cine que no llega a las carteleras porque o bien no tienen director conocido, o no cuentan con grandes distribuidoras, o no han tenido un gran presupuesto. Por lo que son películas que llegan directamente en DVD o a la televisión", señalan desde la organización.

Mediometrajes y cortometrajes completan la edición cinematográfica, pero además con motivo de este festival podrá disfrutarse de una exposición temática de obras Manuel Espinosa, diseñador del cartel del festival, en el pub Blanco y Negro desde el 15 de julio hasta el 13 de agosto. Además todas las actividades programadas son gratuitas hasta completar el aforo de las sesiones de un festival que cuenta con la colaboración del Ayuntamiento en lo referente a la cesión de espacios e infraestructuras.

La organización del festival recae en la la Asociación Cultural Insomnia. La idea surgió de cuatro jóvenes portuenses emprendedores y amantes del cine “con el objetivo de situar a El Puerto en el mapa cinéfilo, en lo que se refiere al género fantástico y de terror”.

En el repertorio de El Canto del Loco había una canción que él cantaba y que se titulaba El Pescao, de ahí surgió la idea de adoptar ese seudónimo cuando inició su carrera en solitario. 

Dejo a continuación el texto que publicó en Facebook y en Instagram donde explica a todos sus fans la necesidad que sentía de realizar este cambio, el porqué de presentarse con su nombre, sin -como él dice- tras una coraza que le impedía dar el 100x100 de su ser, también se acompaña con un vídeo editado para esta ocasión tan especial para el artista.
 

Adiós Pescao, Hola "DAVID OTERO"... Ha llegado el momento

El Pescao siempre ha sido David y David siempre ha sido el Pescao, pero hace tiempo he sentido que tenía que dar un paso hacia delante y mostrarme de una forma sincera, sin esconderme detrás de nada, sin corazas, sin disfraces, simplemente siendo yo mismo. Con mi querido Pescao me lo he pasado en grande, he jugado, he hecho el gamberro, me he reido y he llorado, pero también he sentido que de alguna manera yo no estaba completo dentro de ese disfraz submarino.

Cuando uno se plantea un cambio en su vida pasa por miles de etapas distintas, miedo, euforia, incertidumbre, esperanza... A mi me encanta llenar mi vida de esas sensaciones y tratar de encontrar mi camino siguiendo las flechas de la intuición que de alguna manera siempre me ha guiado. Una noche, en mitad de la madrugada llegó a mi la respuesta a lo que estaba buscando... Lo más importante es dar lo que tienes de forma sincera, lo más abierto posible, desde el 100x100 de tu ser... Entonces me di cuenta que desde "El Pescao", podía dar muchas cosas, pero que nunca estarían completas. Así que lo que a priori solo parece un pequeño cambio, en el fondo lleva todo un proceso precioso detrás que me ha hecho evolucionar y aprender cosas que nunca había imaginado que aprendería. 

Ahora lo que más me apetece en el mundo es compartir con vosotros nuevas canciones, nuevas ideas y también muchas locuras, como siempre, pero desde la sensación de que lo estoy dando todo y que no me estoy guardando nada.

Mis padres me pusieron un nombre precioso, David, un día fue un Rey que tocaba el Arpa y que con una honda derribó a Gotiath. A ese Goliath ya me lo he comido con patatas, ahora solo me queda tocar ese Arpa mágica a la que en estos tiempos se le llama guitarra eléctrica y cantar canciones con todos vosotros.

Mi nombre es David Otero... ‪#‎DAVIDOTERO‬

Súmate a la METAMORFOSIS en http://www.davidotero.com.es

‘Aldeas Infantiles SOS’ es la ONG apadrinada por el single del álbum. El 29 de marzo es lanzada la campaña de financiación colectiva para apoyar la grabación del álbum completo y el 1 de abril se publica el single, “Sin Oxígeno”, interpretado por 16 artistas diferentes. El director y dramaturgo Ricard Reguant, el mago Jorge Blass, la periodista Laura Herrero o el equipo de Broadway World Spain, son algunos de los embajadores de este proyecto solidario.

‘El Viaje de Hércules’ es un disco con fines solidarios compuesto por 12 canciones inéditas, cada una de las cuales apoyará a un proyecto benéfico y será interpretada por diferentes artistas del mundo del teatro musical y, a su vez, apadrinada por personajes relevantes del mundo de la comunicación (prensa, radio, cine, TV) y del panorama artístico español. Además, cada canción “cobrará vida” en forma de imagen gracias a una fotografía, ilustración o pintura donadas por un artista gráfico, como los fotógrafos Javier Naval y Alberto Hidalgo, o las pintoras Estela Gález y Laura de Miguel, que irán incluidas en el libreto final del disco.

Este Viaje nace de la ilusión, la generosidad y el compromiso de este grupo de artistas que, al igual que Hércules enfrentándose a 12 importantes pruebas, harán que los objetivos de los 12 motivos solidarios que hay tras este bonito proyecto se materialicen a través de estas 12 canciones que hablan de superación, amistad, sueños, experiencias y, por supuesto, de amor. Los beneficios obtenidos irán destinados a las 12 organizaciones (ONGs, Fundaciones, Asociaciones, etc) elegidas por los diferentes artistas, madrinas y padrinos de las canciones. Estas organizaciones llevan a cabo una importante labor benéfica y social en ámbitos tan necesarios como la lucha contra el cáncer, la defensa de los animales, la ecología o el apoyo a la infancia, como es el caso de Aldeas Infantiles SOS (la primera ONG con la que colaborará este disco solidario), Manos Unidas, Nueva Vida Adopciones o la Fundación Abracadabra.

Cantantes y Músicos / El viaje de Hércules.

A este Viaje se han unido de forma desinteresada artistas de la talla de Paco Arrojo (Hércules, La Voz, Los Miserables, Jesucristo Superstar, West Side Story, El fantasma de la ópera), Víctor Ullate (Hércules, Cats, La Bella y la Bestia, Cantando bajo la lluvia, Grease), Christian Escuredo (Priscilla Reina del Desierto, Sonrisas y Lágrimas, Romeo y Julieta), Noemí Gallego (Priscilla Reina del Desierto, Hércules, Mamma Mía, 40 El Musical), Víctor González (Iba en serio, Priscilla Reina del Desierto, Cabaret, Chicago), Nuria Sánchez (Hércules, Quisiera ser, Hoy no me puedo levantar), Teresa Abarca (Tarzán, 50 sombras, A quién le importa), Teresa Ferrer (Priscilla Reina del Desierto, Marta tiene un marcapasos, Hair), Ferrán González (Pegados, Mierda de artista, El cabaret de los hombres perdidos), Clara Alvarado (Hércules, La llamada, Mi madre, Serrat y yo), Elena Gómez (Hércules, Marta tiene un marcapasos, High School Musical), Anais Sancruz (Hércules, Mamma Mía, Shrek, Peter Pan), Sergio Rojas (La llamada, La Voz, Preciados), Belén Estrada (La Voz), Carlos Pascual y Javier Pascual (Hércules). El director y dramaturgo Ricard Reguant, el mago Jorge Blass, la periodista Laura Herrero y el equipo de Broadway World Spain son algunos de los embajadores de este proyecto solidario.

La increíble banda que está detrás de cada canción está compuesta por los reconocidos músicos Julián Nemesio (Revólver), a la batería y percusión, Manuel Bagüés (Revólver), al bajo, Nacho Mur (Abraham Mateo) y Sergio Rojas (Soraya Arnelas), a las guitarras acústicas y eléctricas, y Alberto Torres (Manolo Tena), al piano y violín. El single del disco, titulado “Sin oxígeno”, ha sido grabado en los estudios Playground de Madrid (nominados a un Grammy Latino en 2015) y masterizado en los míticos Abbey Road Studios de Londres a manos de Simon Gibson, el ingeniero que está detrás de la masterización de algunos de los álbumes de grupos y cantantes como The Beatles, U2 o Robbie Williams y de películas como Les Miserables, Into the Woods, The Hobbit o Harry Potter.

El lanzamiento de este single tendrá lugar el próximo viernes 1 de abril, en formato Vinilo, CD y a través de las diferentes plataformas de música por Internet, así como su videoclip, que estará disponible en el canal de YouTube del proyecto y sus las diferentes redes sociales.

Gala-concierto solidaria

La última aventura de “El Viaje de Hércules” será la gala-concierto que se celebrará en Madrid tras la grabación del disco y que pondrá el broche de oro a este particular proyecto, ayudando a difundir el importante mensaje solidario de estas 12 organizaciones y a recaudar fondos para las mismas. En ella participarán los artistas y personalidades que han dado vida a esta bonita propuesta solidaria, así como las diferentes organizaciones benéficas y los padrinos de cada una de ellas.

Crowdfunding solidario

Para hacer todo esto posible, se ha lanzado una campaña de financiación colectiva (crowdfunding) en verkami.com http://vkm.is/elviajedehercules  a través de la cual, se pueden adquirir diferentes recompensas únicas y limitadas, como el single, el álbum completo, el libreto de partituras y acordes, vinilos, las obras artísticas originales creadas para cada canción, así como las entradas para la gala-concierto que supondrá el destino final de este particular Viaje de Hércules. ¡Corre! ¡Solo estará disponible hasta el 6 de mayo!

Toda la información sobre el proyecto y las diferentes vías de colaboración se puede encontrar en:

> Web http://www.elviajedehercules.com
> Verkami http://vkm.is/elviajedehercules
>Facebook https://www.facebook.com/ElViajeDeHercules
> YouTube https://www.youtube.com/c/ElViajeDeHercules12
> Twitter https://twitter.com/ViajeDeHercules
> Instagram https://www.instagram.com/elviajedehercules
> SoundCloud https://soundcloud.com/el-viaje-de-hercules

Críticos y medios como Radio Nacional de España, Kiss TV, Cadena Ser y Radio 3 se han hecho eco de la aparición de Random Thinking, en la escena musical y sus temas suenan regularmente en estas cadenas y en otras como M80. También han participado en festivales nacionales y han pasado por el conocido programa “Los Conciertos de Radio 3′′ emitido por La 2 de RTVE.

En octubre de 2015 forman parte del festival La Noche Americana (junto a Julián Maeso y The Soul Jacket, presentado por Manolo Fernández de Radio 3). En noviembre de 2015 estrenan en exclusiva para Radio 3 su nuevo videoclip del tema Shocked Plant y presentan oficialmente su disco en concierto en Madrid con el aplauso de crítica y público. Actualmente están nominados a Mejor Artista Nacional 2015 por Toma Uno y Radio 3 y escogidos entre los mejores discos de 2015 por Dirty Rock y LH Magazín. El LP está ya disponible en www.random-thinking.com en formato físico (CD) y digital en las principales plataformas digitales. El primer single y videoclip se titula Off-Season y el segundo I ́m a woman and you ́re a man, ambos están siendo emitidos actualmente por KissTV. Su próxima parada en concierto es en el sur, en Chiclana de la Frontera, en el Teatro Moderno el día 19 de Febrero. Puedes seguirlos en su página de Facebook para estar al tanto de todas sus noticias y novedades.

En MUNDIARIO entrevistamos a Random Thinking:

- Aurora y Ángel Pérez, ¿cómo nace vuestra pasión por la música, os viene de familia?

Empezamos a interesarnos por la música de muy pequeños. En nuestra familia no hay músicos (solo nuestro abuelo toca algo de guitarra flamenca) pero sí grandes aficionados a la música. Nuestro padre tenía una gran colección de vinilos y ponía música todo el día. Empezamos a estudiar guitarra clásica y poco después a experimentar y componer temas propios.

- ¿Cómo fue que terminasteis formando un grupo juntos?

En realidad hemos tocado juntos siempre. Cuando compartes la pasión por algo como la música con un hermano, tocar juntos surge de manera natural, en casa, desde pequeños se hace piña. Nunca nos hemos planteado estar en una banda que no seamos nosotros dos.

- Y esto de tener un grupo con tu hermana/o, ¿Cómo se lleva?

El hecho de ser hermanos en nuestro caso construye unos cimientos fuertes y hace que muchos aspectos sean fáciles de gestionar. Intentamos llevar todos los asuntos de la banda de una forma seria y profesional, pero sin perder un poco de cachondeo de vez en cuando. Es fundamental pasarlo bien. Discutimos bastante y somos muy críticos el uno con el otro. Pero siempre sacamos algo productivo y una buena carcajada al final.

El hecho de ser hermanos en nuestro caso construye unos cimientos fuertes y hace que muchos aspectos sean fáciles de gestionar

- El nombre de vuestro grupo es “Random Thinking”, ¿Fué aleatorio el pensamiento que os hizo ponerle este nombre o lo teníais claro?, ¿por qué este nombre?

Pues “Random Thinking” es una expresión anglosajona que siempre nos ha gustado. Significa sentarse y dejar que los pensamientos fluyan por tu cabeza y se asienten de forma natural, sin prejuicios ni clichés. Nos gusta porque va con nuestra forma de ser y nuestra música. Implica libertad creativa, independencia, hacer lo que te apetece cuando te apetece.

- Componéis vuestras propias canciones, ¿cómo os repartís tareas en este asunto?

Cada uno compone sus temas por su cuenta, con su estructura armónica y letra. Después nos juntamos para buscar arreglos, armonías, trabajar el ritmo y el compás….Digamos que el proceso creativo de composición lo hacemos individualmente, pero el de producción y montaje de los temas lo hacemos siempre en común.

- Sois de San Fernando (Cádiz) y vuestra música es una mezcla de folk, blues y rock de influencia británica y americana, cantáis en inglés, no es muy normal vuestro estilo, menos en esa zona, ¿cómo es que os decantasteis por este estilo?

Uno no escoge lo que le gusta ni lo que siente. Simplemente pasa así. El arte en general y la música en particular es universal y no existen las fronteras, las dibujamos nosotros con una escuadra y un cartabón. No sé por qué tenemos ese empeño en etiquetar y limitarlo todo mentalmente. De entre todos los géneros y estilos, la música británica y americana nos ha calado especialmente. Además, yo (Aurora) hablo inglés a un nivel casi bilingüe por lo que para nosotros es auténtico y tiene sentido.

- Una paisana vuestra, Paula Gómez (Chiclana), compone y canta también en inglés y al igual que vosotros pasito a pasito está triunfando, ¿pensáis que estemos llegando a un punto en el que la música en inglés de cantantes y grupos españoles se está valorando y digamos, normalizando más en nuestro país?

Pues realmente si te poner a pensar, hay artistas extranjeros clásicos que son muy populares en España aun teniendo en cuenta la poca gente que sabía inglés o lo difícil que era conseguir esos discos antes. Sí es cierto que ahora hay más artistas de aquí haciendo estos estilos y en inglés. Probablemente solo estemos normalizando lo que ya hace mucho que es normal en otros países. Por poner algunos ejemplos: Alemania (Scorpions llevan 40 años cantando en inglés), Suecia (Abba, Europe, Roxette, The Cardigans, Lykke Li…), Noruega (A-Ha), Dinamarca (Olsen Brothers)…

- ¿De donde os viene la facilidad con el inglés como para hacer vuestras canciones en ese idioma?, ¿habéis estado algún tiempo viviendo en Reino Unido o en algún otro país con esa lengua o ha sido aprendido aquí?

Hemos tenido la suerte de tener unos padres conscientes de la enorme importancia de aprender idiomas 20 años antes de que lo hiciera el resto del país. Nuestro padre lo hablaba muy bien y desde que eramos pequeños leíamos, veíamos la tele y escuchábamos música en inglés, lo que es fundamental para hacer el oído desde el principio. Así hemos seguido hasta día de hoy, en que se ha convertido en nuestra segunda lengua hablada. 

- Para un grupo como el vuestro que está creciendo, ¿Qué opináis que le supone Internet, amigo o enemigo?

Pues el modelo económico del sector ha dado un vuelco y está en una situación de transición debido a la aparición de Internet y del mercado digital. Creemos que este cambio radical tiene muchos aspectos buenos, pero también otros malos. Para las bandas emergentes el mercado se ha liberalizado y ahora tienen acceso a cosas (Publicidad, material audiovisual, autoedición, estudios de grabación…) que antes eran inaccesibles sin estar con un sello importante. Sin embargo, las redes no hacen magia. Son herramientas muy potentes pero hay que trabajarlas mucho y tener algo realmente bueno que ofrecer. Dicho esto, la cadena de distribución sigue estando en manos de intermediarios (en lugar de la discográfica ahora son plataformas digitales) que además no realizan inversión ninguna (a diferencia de las discográficas tradicionales que sí invertían por ejemplo en la grabación de un disco). Es decir, la parte positiva es la liberalización del mercado y herramientas potentes a tu alcance, mientras que la parte negativa es la gran inversión a realizar por los artistas y la dificultad para conseguir una remuneración justa que haga sostenible el proyecto, tal y como está pensado el mercado.

En resumen, y esto es aparte de Internet, toda la gente que verdaderamente ama la música debe ser consciente de que si no trabajamos por un modelo de negocio que haga que al artista le llegue una remuneración justa a cambio de su trabajo, todo se va al garete. Nos quedaremos sólo con los productos comerciales diseñados por las grandes corporaciones.

Toda la gente que verdaderamente ama la música debe ser consciente de que si no trabajamos por un modelo de negocio que haga que al artista le llegue una remuneración justa a cambio de su trabajo, todo se va al garete

- ¿Cómo os manejáis en ese mundo que supone las redes sociales, las usáis a modo personal o/y profesional?

Usamos mucho las redes sociales a nivel profesional. Hay que dedicarles tiempo pero son un canal muy potente y directo para interaccionar con la gente. Además tienen un punto de creatividad y cercanía muy divertido.

- El disco además de estar disponible en las plataformas digitales más importantes, también está disponible en su formato físico, en CD, ¿Cómo de necesaria es para vosotros su edición física hoy que estamos en la era digital?

Nosotros somos muy de discos físicos, nos gusta tocarlos, leer el libreto, las letras, los créditos…Nos pasa igual que con los libros. Por otro lado está el tema promocional. Es muy diferente dejarle a un crítico un disco físico para él, a decirle “bueno, cuando tengas un rato métete en esta dirección y haz clic”. Creemos que a día de hoy ambos formatos conviven juntos perfectamente y tienen diferente público.

- Habéis pasado recientemente por los conciertos de Radio 3 de TVE, en televisión desgraciadamente este tipo de programación escasea, ¿Qué opináis de la oferta de programación musical en TV?

Pues como tú bien dices, escasea e incluso diríamos que es prácticamente inexistente. En nuestro país hemos ido claramente a peor en esto. Es muy fuerte que la única emisora de radio “grande” en España que apuesta por la música no estrictamente comercial, los talentos emergentes y el directo sea Radio 3. No entiendo el empeño de los medios masivos de eliminar la música en directo y la música emergente. Creo que es un grave error y está claro que responde únicamente a sus intereses comerciales. Esto no es lo que la mayoría de la gente demanda y se demuestra viendo datos que resaltan que la música en vivo sigue igual o más fuerte que antes. En esto Internet inyecta mucho oxígeno, puesto que hay muchos medios independientes (cada vez más) que están recogiendo ese testigo cultural y adquiriendo mucha popularidad.

- ¿Alguna vez os habéis presentado para un programa de esos cazatalentos o habéis pensado hacerlo?

No y no creo que lo hagamos nunca. Por una sencilla razón: nosotros somos músicos, compositores y autores. Personalmente que nos valoren por cantar canciones de otros artistas o que nos juzgue un jurado de personas que probablemente estén ahí para promocionar sus últimos trabajos, no tiene ningún interés.

- Si de vosotros dependiera, ¿qué cambios haríais en lo referido a lo musical en TV o qué tipo de programa llevarías a parrilla?

Pues no hace falta inventar nada. Viendo lo que hacen cadenas de referencias como la BBC o la CNN surgen muchas propuestas interesantes: Por ejemplo, un programa dedicado a emitir conciertos actuales o míticos de artistas de calidad internacionales y nacionales. Otra idea genial es un programa tipo el Live from Abbey Road de la BBC, donde acuden artistas muy buenos (algunos conocidos otros no tanto) y siempre en acústico. Otro formato que nos parece muy interesante es algo similar al Live from Daryl´s House, conducido por el mítico Daryl Hall del dúo norteamericano Hall and Oates, donde van artistas y músicos brutales, tanto consagrados como emergentes a tocar en directo. Este es un programa increíble, lo recomendamos muchísimo.

Sobre las posibilidades de tocar en directo, la implicación de las salas y locales en contratar grupos, ¿cómo veis el asunto?

Pues tanto a nivel nacional como internacional, es evidente que hay un circuito comercial que funciona a base de dinero y marketing y que tiene un público determinado, mientras que por otro lado hay una gran cantidad de gente, cada vez más numerosa, que demanda una vuelta al origen, a la música con contenido hecha por músicos. Es posible que el circuito comercial esté relegándose de forma voluntaria al mero espectáculo (salvando excepciones) y la música como arte esté mudando a un circuito alternativo, a día de hoy todavía algo disgregado pero que está emergiendo con mucha fuerza. Por ello los directos son muy importantes, es donde la gente más se engancha y apoya a la banda. Pero respondiendo a tu pregunta, las dificultades surgen de un cúmulo de cosas: Muchas salas tienen políticas abusivas. Por otro lado el IVA cultural, la burocracia y los impuestos no ayudan a ninguno de los agentes implicados. Y luego está el problema educativo de conseguir que la gente valore y respete el trabajo del artista que ofrece música sincera y de calidad. Nuestra reflexión es que todo el mundo implicado en esa cadena (gobierno, salas, músicos, promotores, festivales, medios, público en general…) deberían poner un poco de su parte, en lugar de escurrir el bulto al siguiente, esperar que las soluciones las aporte otro o caigan del cielo.

- ¿En qué formato soléis hacer los conciertos, acústico o eléctrico, vosotros solos o con banda?

Hacemos ambos: acústico y eléctrico. Los dos formatos nos gustan mucho. Nosotros componemos en acústico y de hecho empezamos tocando así en locales. Es un formato que nos es muy familiar y en el que nos sentimos muy cómodos. El formato eléctrico es algo más reciente para nosotros, pero también nos encanta. Cuando vamos con banda experimentamos una sensación explosiva, con más adrenalina.

- ¿Cómo de complicado es hoy en día para un grupo sin una gran compañía detrás, grabar y sacar adelante su disco?

Pues, tal y como dices, a día de hoy somos una banda “autotodo” (autoproducida, autoeditada y autogestionada). Los inconvenientes son que hay que trabajar mucho y es bastante complicado comenzar. Como te decíamos antes, tocamos desde hace mucho pero no tenemos familiares músicos ni conocíamos a nadie en la industria musical que pudiera orientarnos. Hemos tenido que desarrollar una capacidad de gestión importante, trabajar muy duro y sortear obstáculos de todo tipo. La ventaja es que tienes pleno control sobre lo que haces, sobre todo en el plano artístico, lo que es crucial para nosotros. Además es muy gratificante. Cada pequeño éxito es doble alegría, ya que todo es fruto de nuestra música y trabajo. Viendo lo que hemos recorrido en estos meses de vida, estamos muy contentos.

- El sonido de vuestro disco es digamos que una mirada atrás en las armonías y sonoridad, y al contrario que muchos puedan pensar, en esto de la música una mirada atrás no es algo contraproducente ni negativo, sino todo lo contrario y normalmente arroja unos resultados impresionantes, es experimentar con los orígenes de los sonidos que nos han marcado en el tiempo, así al menos lo percibo yo como oyente, ¿cómo podéis explicar vosotros el sonido y musicalidad de vuestro disco, lo buscasteis o surgió así?

Gracias por tus palabras. La verdad es que no lo buscamos de forma consciente. Nuestras influencias beben de esas corrientes y la melodía y la armonía son elementos protagonistas en nuestra música. Suponemos que de forma natural esos elementos cristalizaron en el resultado final.

- Todos los temas han sido grabados en riguroso directo y con equipos analógicos, de forma similar a como se hacía en los 70, explicarnos esto y ¿por qué elegisteis este método?

Somos bastante románticos y nostálgicos de la forma de grabar de los 70. De ese calor y ese sonido orgánico. Esta es una de las razones por las que nuestro disco está grabado así. Pero hay otra menos romántica y más práctica: el presupuesto. No teníamos recursos para meternos en el estudio varios meses y grabar por pistas, como están grabados la mayoría de los discos actuales. Nuestro disco está grabado en 2 días y medio de grabación en riguroso directo.

- ¿Cómo definiríais a alguien lo que se va a encontrar en vuestro disco cuando le dé al play?

Uf, seguramente le diríamos que lo escuche y que juzgue él/ella mismo/a. Pero bueno, solemos decir que nuestra música está enraizada en lo que se conoce como americana, pero con muchas pinceladas de otros estilos como el blues, soul, pop, rock y el folk, con la melodía como principal protagonista.

Nuestra música está enraizada en lo que se conoce como americana, pero con muchas pinceladas de otros estilos como el blues, soul, pop, rock y el folk, con la melodía como principal protagonista

- ¿Qué pensáis cuando gente que están en los medios y por la que pasa mucha música, dicen cosas como estas de vuestro trabajo? “Una de las sorpresas musicales del año. Verdaderamente impresionante. Me encanta este disco,muy buenas canciones” Santi Alcanda (Radio 3). “En el disco debut de Random Thinking hay canciones memorables, como I ́m a woman and you ́re a man” Diego A. Manrique (Radio Gladys Palmera). “Un disco precioso, bien grabado y mejor sentido, uniendo sencillez y profundidad en unas canciones exprimidas hasta su esencia” Muzikalia

- Es una gran satisfacción. Sacamos disco en diciembre de 2014 y para nuestra sorpresa, en octubre de ese mismo año Radio 3 empezó a pinchar nuestros temas y a hablar de nosotros. Comenzamos a recibir críticas muy positivas de locutores, prensa, medios especializados y críticos musicales como Santiago Alcanda, Julio Ruiz, Diego Manrique, Manolo Fernández…y también de muchos medios online (Muzikalia, Musicópolis, Sonido Indie, Histéricas Grabaciones...) y personas anónimas. Como te comentábamos antes, para nosotros todo es doble alegría.

- La cita que tenéis mas cerca en concierto es en vuestra tierra, en Cádiz, concrétamente en El Teatro Moderno de Chiclana de la Frontera el próximo día 19 de Febrero, única cita en esa provincia, al menos de momento, ¿qué nos podéis adelantar sobre cómo va a ser ese concierto?

El Teatro Moderno de Chiclana es muy bonito y va a ser un concierto muy especial por ser el único que tenemos previsto en nuestra tierra. Iremos con banda y tenemos pensada alguna sorpresa en forma de versión inédita y algunas cosas más…

- Y ya para terminar, una pequeña batería de preguntas que me tenéis que contestar los dos para comparar vuestros gustos musicales: Un disco extranjero indispensable.

- Aurora: ¿Sólo uno? Blue de Joni Mitchell

- Ángel: ¿Sólo uno? Hoy sería “Almost Alone” de Chet Atkins

- Un disco español indispensable.

- Aurora: ¿Sólo uno? “Senderos de Traición” de Héroes del Silencio

- Ángel: ¿Sólo uno? Hoy sería “La calle del olvido” de los Secretos

- Tu cantante o grupo español preferido.

- Aurora: Héroes del Silencio

- Ángel: Coincido con Aurora en esto, Heroes del Silencio.

- Tu cantante o grupo extranjero preferido.

- Aurora: De nuevo ¿Solo uno? ¡Qué difícil! Tengo que decir varios, lo siento: Sheryl Crow, Joni Mitchell y Bjork.

- Ángel:Que complicado!!! Es muy difícil decir uno solo: Pink Floyd, Yes, Chet Atkins, Eric Clapton

- ¿Qué canción o disco de los que suenan como novedad últimamente has oído y te ha gustado especialmente?

- Aurora: “Stubborn love” de Larkin Poe

- Ángel: “Superstars” de Diane Birch

El disco lo forma once canciones que comparten principalmente en sus letras la temática que refleja el título “En busca del tiempo perdido”; el paso del tiempo, la nostalgia, el devenir de las relaciones humanas o la identidad frente al cambio.

“Quería jugar las dos caras de la moneda, negativo por la nostalgia, por las ausencias y el desgaste, pero con partes que son más positivas, en el sentido de asumir el paso del tiempo y convertirlo en algo provechoso” (Carlos Abad)

Pero este halo de nostalgia, de dulce nostalgia habría que resaltar, no es solo reflejada en las trabajadas letras, también lo es en la música, dado los sonidos que recuerdan al rock sesentero y setentero que impregnan sus 10 cortes, haciendo patente todas las influencias de sonidos como los de Rolling, Dylan, Springsteen y sobre todo The Beatles que han marcado al Sr. Carlos Abad y cuya devoción a la música debe a su padre a quien en su memoria está dedicado el trabajo.

Aun siendo el primer álbum editado en solitario por Carlos Abad, para su grabación ha contado con la participación y colaboración de grandes músicos, como son los que integran junto con él, la banda Los Infames, con la que el trabajo está rodando en directo y que son también viejos conocidos de la escena musical sevillana, como son Domingo Díaz, Guillermo Luceño y Luís Abad, también ha contado con Quique Ruíz, pasando por José Vega (La Familia Corleone) y hasta Carlos Goñi (Revólver), quien se implicó durante el proceso de mezcla y mastering del álbum, así como en la presentación en directo y puesta de largo del disco en una conocida sala de Sevilla.

En la siguiente entrevista vamos a tratar de conocer un poco mejor a Carlos Abad y su música, también a los integrantes de su banda Los Infames, formación con la que este trabajo, como he dicho antes, está grabado y con la que está girando por salas y distintos eventos musicales.

- Sr. Carlos Abad, ¿cómo nace tu pasión por la música y como llegas a dedicarte a ello de este modo tan personal?

Gracias por lo de “Señor”. En mi casa siempre ha habido música, vía paterna principalmente. Desde niños oíamos las historias que nos contaba sobre sus días como músico y escuchábamos los vinilos en un tocadiscos a válvulas… así que cuando cumplimos 10/12 años y desempolvó su vieja guitarra para enseñarnos, fue un paso natural que ansiábamos. Y lo encajamos como hacen los niños, como un juego, que es como se aprende de verdad (por algo los ingleses usan la misma palabra para jugar que para tocar un instrumento –play-). La “profesionalización” de lo que siempre ha sido una pasión y una vocación vino mucho después, por múltiples causas y variables que nunca controlas del todo. Lo personal es inherente al arte y al oficio, pero es difícil definirlo y delimitarlo.

- Tu padre fue músico en su día, él os contagió a ti y a tu hermano Luis su pasión por la música, pero pregunto por cómo suele suceder cuando se está aprendiendo, ¿cuál de ustedes dos fue el que tiró del otro en esto de la música?

Es una pregunta interesante, porque realmente los roles que se adoptan o desarrollan en una relación como es la de dos hermanos se reflejan en todo, y nunca se abandonan del todo. Aquí es importante observar la edad a la que empezamos. Luís tendría unos 13 ó 14 años y, yo, unos 10 u 11. Él estaba ya en la adolescencia y yo era un niño aún. Eso hizo que él desarrollara más las capacidades sociales (algo en lo que ya destacaba antes de la música), lo que lo convirtió en un gran frontman y en un cantante. Yo me dediqué más al juego que he comentado antes, lo cual, unido a mi timidez patológica, derivó en más estudio de la guitarra y en un cierto aislamiento o refugio. Si combinas las dos facetas obtienes que las fortalezas de uno compensan las debilidades del otro. Y exactamente eso ha sido lo que siempre ha funcionado en un grupo de rock and roll. El tiraba de mi (y sigue haciéndolo) en ciertos aspectos y yo en otros.

- Luis es integrante de la banda con la que estás rodando este trabajo, Los Infames y ha participado en la grabación del mismo, ¿cómo es esto de tener a tu hermano compartiendo esos momentos junto a ti en el estudio de grabación y en los escenarios?

Aparte de lo que acabo de comentar, en cierto modo es un reencuentro. Después de toda la vida tocando juntos y de vivir mil aventuras, resultó que proyectos en los que cada uno participaba por separado empezaron a funcionar muy bien. Eso hizo que, aunque siempre hemos coincidido aquí y allá, no tuviéramos tiempo para montar otra banda. Esa situación se prolongó durante unos 6 ó 7 años. Mientras tanto yo iba grabando, muy poco a poco, por gusto, un disco. Acabarlo y querer llevarlo al directo propició que volviéramos a tocar juntos. Por eso digo que es, antes que nada, un reencuentro. Aparte de eso, pues es como estar en casa. Eso que llaman ahora “zona de confort”. Si alguien me dice que es bueno salir de ella, le diré que me enseñe el contrato antes de firmar.

- Los conciertos de la gira que estás haciendo con “En busca del tiempo perdido” se presentan en los carteles como Carlos Abad y Los Infames, pero, ¿es Carlos Abad uno más de la banda Los Infames o se trata de una unión temporal para este trabajo en cuestión?

Soy uno más de la banda y, además, aún no concibo (literalmente) hacer esto si no es formando parte de una banda. Luego están los avatares de la vida que hacen que, como es el caso, todo se complique un poco. Entiendo la pregunta, pero tiene una explicación: hubo un momento en que tenía unas cuantas canciones y me di cuenta que todas ellas compartían una preocupación común: el paso del tiempo, la temporalidad. Tomar conciencia de ello me movió a grabar el disco. Pensé que valía la pena. Por entonces no formaba parte de ninguna banda con la que poder abordar un trabajo de esa naturaleza. Evidentemente, cuando empecé a grabarlo recurrí a mis amigos, de los que luego hablaremos (Guillermo Luceño, Domingo Díaz, mi hermano Luís, José Vega…) pero no dejaba de ser un proyecto “personal”. Un lujo que me estaba permitiendo sin ninguna aspiración en mente más que el propio disco. Mientras éste se grababa, sin plazos y sin disciplina horaria, montamos Los Infames, que en un principio iba a ser un grupo tributo a los Stones pero que al poco empezó a trabajar material propio. Así que coincidieron en el tiempo mi disco y Los Infames, aun siendo proyectos diferentes en fondo pero coincidente en algunas formas. Cuando terminé el disco y tomamos la decisión de editarlo, publicitarlo y todo lo demás, decidimos que lo natural, de momento, era presentarlo bajo el nombre de Carlos Abad y Los Infames como la manera más cercana de nombrar lo que fue la grabación y el proyecto. Los Infames éramos un trío pero coincidimos en incluir a mi hermano Luís para defender en directo las canciones del disco, que no habían sido grabadas con ese formato. Cuando abordemos la siguiente grabación, si llega el caso, veremos cómo lo planteamos en todos esos sentidos, pues eso no deja de ser una solución a unas circunstancias concretas.

- He tenido oportunidad de disfrutar ya de varios conciertos vuestros y veo que formáis una maquinaria perfectamente engrasada, ¿desde cuándo tocáis juntos?

Como he comentado, mi hermano y yo desde siempre, lo que suman ya unos veinte años. Con Guillermo Luceño prácticamente igual. Éramos vecinos y, después, compañeros de clase en el colegio. Nos conocemos de toda la vida y llevamos tocando unos 18 años juntos. En el caso de Domingo Díaz “solo” diez años. Lo conocimos gracias a Guille y vimos que tenía la misma tara que nosotros, así que congeniamos a la perfección; No hemos dejado de tocar y grabar (es el propietario del Estudio 335) desde entonces.

- Bien, pues como hemos comentado, te subes al escenario en compañía de Domingo Díaz, Guillermo Luceño y Luís Abad, ¿que nos puedes contar de cada uno de ellos?

Además de lo dicho, de Guillermo Luceño te diría que es como un alter ego, pero eso se queda corto e implicaría reducir su personalidad a la mía, lo que sería tremendamente injusto. Guille es un artista en el sentido amplio y verdadero de la palabra. Es pintor, diseñador, músico... un hombre culto y taciturno, inteligente pero humilde, perspicaz y visionario… compartimos defectos, aficiones… y, además, es el único batería que sabe tocar como Ringo Starr y Charlie Watts a la vez. De Luís he dicho casi todo ya, pero me gustaría recalcar que subirse a un escenario con él es hacerlo a un sitio familiar. No es poca cosa: por ejemplo, empiezas una actuación y algo suena mal o hay algún problema, pero él consigue, con el carisma y el humor que tiene, convertirlo en el mismo escenario de siempre y que esos problemas acaben siendo secundarios. En un momento en que yo tenía bastante incertidumbre musical, su presencia ayudó a completar el proyecto del disco. Creo, además, que es recíproco, al él también le ha venido bien embarcarse en la presentación del disco en directo. Domingo Díaz es quien pone el pragmatismo y la sensatez en el mayor de los casos. A veces parece que no está pero nunca falla. Es el otro lado de la balanza, imprescindible. Multiinstrumentista que siempre tiene algo interesante que aportar.

- Tenéis un potente directo y cierto es que las canciones del disco son temas todos ellos de directo, pero además soléis incluir alguna versión de algún tema mítico en el show y que todo el mundo suele conocer. Cuando no hay una gran compañía detrás con una poderosa promo, ¿es muy difícil poder girar con un repertorio de temas propios?

Girar así es casi imposible. De hecho el término “girar” ya me parece excesivo. Simplemente vas intentando encadenar una actuación con otra, o con lo que sea que se te ocurra en ese momento para mantener vivo el proyecto. El problema que veo para ello no es ya tener o no una gran compañía detrás (que aportará cosas buenas y malas), es más bien que ahora, por eso mismo, no basta con ser músico. Resulta que también hay que ser comunity manager, relaciones públicas, manager, informático, productor y mil cosas más. Para mí es inabarcable. Tienes que desarrollar dos facetas que, en muchos aspectos, son antagónicas: la del artista y la del empresario. Me da una pereza horrible. Además yo tengo un problema muy concreto al respecto (sospecho que algún infame más también): me gusta demasiado la música como para dedicarle tanto tiempo a algo que no lo es. Dicho de otro modo: no tengo la capacidad o la fuerza de voluntad. Entiendo que es importante, pero lo mío es tocar, componer y cantar. Es un oficio que he aprendido y controlo, lo hago bien dentro de unos límites muy concretos. Lo otro, sencillamente, no. Cuando no hago música me dedico a otras cosas… no a vender mi producto. Eso es un trabajo que pagaría (y siempre se ha pagado) para que lo hiciera alguien (¡aquí hay trabajo!).

- ...

- Por otro lado veo un aspecto positivo (o premio de consolación, como prefieras), que se suele ocultar bajo la obsesión por el éxito comercial: la libertad. Yo (nosotros) hacemos lo que nos da la gana en sentido literal. Nunca hemos hecho una canción pensando en si es más o menos comercial, más o menos típica, radiable o como se diga… Es que no sé qué es eso. Mucha gente dirá que no rinden cuentas a nadie. Bien por ellos, pero cuando hay alguien poniendo dinero en tu proyecto lo normal es que tengas que hacerlo. Coordinar esos dos aspectos (la “libertad” con el negocio) es muy difícil, y aplaudo sinceramente a los que lo hacen. Lo de incluir versiones, por último, lo hacemos precisamente por eso, por pasión, como homenaje a nuestros referentes, y no ya para que el proyecto entre mejor a la audiencia, que es un beneficio colateral.

- Como he dicho, tenéis un potente directo, ¿siempre rodáis en eléctrico o hacéis también algo más “paradito”, en acústico, más propio de salas pequeñas o que buscan un enfoque musical más tranquilo?

Tenemos un set acústico para bares y salas pequeñas. Lo hemos rodado varias veces y es muy interesante porque no nos dedicamos a tocar lo mismo pero más lento y más bajito, que es como se entiende vulgarmente un unplugged. Los Infames hacemos versiones de nosotros mismos y, en algunos casos, son muy diferentes a las originales del disco. Pensamos que es un incentivo escuchar variaciones de las mismas canciones, además de ser muy estimulante para el grupo. De hecho, estamos ultimando la edición de varios vídeos con esas versiones en directo.

- ¿Cómo de complicado es hoy en día para un músico sin una gran compañía detrás, grabar y sacar adelante su proyecto personal de disco?

Grabarlo y editarlo no es tan difícil gracias a las nuevas tecnologías que, aunque no vas a conseguir el mismo resultado que en un gran estudio, sí puedes hacer algo digno. Sacarlo adelante es harina de otro costal. Ahí entra lo que comentábamos antes. Hay que poner en práctica otras habilidades no musicales. Son importantes y las personas que las tienen de forma natural y las desarrollan, supongo que tienen más posibilidades de conseguir el éxito comercial. No obstante, también hay que tener cuidado con eso. La directa asociación que se hace en nuestra era entre el éxito personal y el éxito comercial o social sólo puede conducir a la neurosis o a la frustración, y de ahí a la derrota (personal y/o comercial). Para mí el éxito es componer una canción o dominar un solo complicado. Todo lo demás es tan azaroso e incontrolable que es como pensar que, rezando, dios te va a escuchar más que al que no lo hace.

- ¿Qué opinas de Internet, lo ves como herramienta para un músico como tú?, ¿puede beneficiar o puede perjudicar, para donde se inclina la balanza?

No sabría dar una respuesta clara. Todos sabemos que, a priori, puedes hacer llegar tu música a más gente. Pero a esa gente no sólo le llega tu música, le llega tanta música y tanta información que es virtualmente imposible sobresalir. Además, una herramienta es algo que uno usa para conseguir un fin determinado, y con Internet esa dinámica está invertida: es él quien nos utiliza a nosotros. ¿Por qué? Porque nosotros no hemos decidido los fines que, teóricamente, podemos lograr con dicha herramienta. Y, en dicho proceso, que no nos asegura que consigamos ningún fin, estamos pagando un precio por su uso (pérdida de intimidad, banalización de las relaciones personales…) que tampoco hemos elegido y, lo que es más grave, a veces ni somos conscientes. Por otro lado, la mente humana no tiene la capacidad de procesar tantísima información de una manera crítica, por lo que al final nos convierte en meros consumidores pasivos. Me explico: en 1995 uno debía tener un criterio, un gusto musical formado para ir a la tienda de discos y no equivocarte cuando te gastaras las 2.000 pesetas en el disco del mes (si, niños, antes la música se pagaba). Por supuesto podías equivocarte, pero estabas obligado a cribar, a militar musicalmente, por así decirlo. El gusto discrimina, separa polvo y paja. Esos márgenes de tolerancia musical se han ampliado tantísimo con Internet que hoy en día es imposible pararte a escuchar. Simplemente oyes. La actividad intelectual respecto a la música se elimina para que consumas más y más rápido. El ritual de escuchar un disco se ha perdido. Todo es demasiado rápido e inmediato. Digamos que Dios ha muerto también en la música: no hay sacralidad (no confundir con religiosidad): misterio, búsqueda y revelación. Antes de querer algo ya os han dado todo, pero (citando a 091), nada os pertenecerá. Por supuesto hay criterios: “yo escucho rock y no reggaetón”. Sí, pero ¿cuántos grupos de rock puedes encontrar? Millones. ¿Cuál es el mejor? Ya no se sabe. No hay cátedra ni academia. Todo es igual, como en el Cambalache de Discépolo. Es una avalancha continua de información que nos deja KO. Grandes músicos desesperados por tener 100 “me gusta” en Facebook… ¿no es patético? ¿Cómo de excelente hay que ser para destacar entre tanta mediocridad? Estás compitiendo con todo el planeta, la ansiedad es gigantesca. Y, si triunfas, ¿cuánto va a durar ese triunfo? ¿Cuánto tardas en ser olvidado? Fijémonos en los talent shows. Visto así, ¿quién usa a quién? ¿Quién es el sujeto y cuál el objeto? Sí, habrá gente que triunfe apoyándose en Internet, pero sospecho que, a la vez, estamos engordando a los leones. Un dato: el libro más vendido el año pasado fue el de Belén Esteban. Es un tema que da para mucho porque Internet lo ha cambiado todo (no sólo la música).

- ¿Eres hombre de nuevas tecnologías?, ¿cómo te manejas con las redes sociales?

Creo que esa pregunta está casi respondida ya. No obstante diré que no, no tengo ninguna destreza técnica con las nuevas tecnologías ni sociales con las redes así llamadas. Uso alguna y siempre caigo en los mismos errores de principiante.

- El disco está a la venta en distintas plataformas digitales, también lo editaste en su formato físico, algo que es notablemente más caro, ¿es para ti necesaria y fundamental su edición física en CD?

Llámame romántico, pero, si no lo tengo en mis manos, para mí no existe el disco. Existen los sonidos que llamamos canciones. Un disco es algo más que un formato físico. Cuando pongo portada a esas canciones, leo los créditos, las letras, la presentación… cuando empiezo a atar cabos y a comprender y/o vivir el misterio que es cada obra de arte… entonces es cuando siento que tengo un disco. Lo digital esta para ser consumido y lo físico para ser vivenciado. O, si lo prefieres, lo uno es para oír y lo otro para escuchar.

- ¿Qué opinas de la presencia o no presencia de la música en televisión?

Opino que su escasa presencia y la calidad de la que sí está es un signo más del arrinconamiento de la cultura y de la devaluación que hay, desde las instituciones pero también desde la propia sociedad, de las artes. Si hablamos de las humanidades mejor que vayamos sacando la soga.

- Si de ti dependiera, ¿qué cambios harías en lo referido a lo musical en TV o qué tipo de programa llevarías a parrilla?

Tomando la definición clásica de los medios de comunicación como responsables de formar, informa y entretener, pues pondría mucho más énfasis en las dos primeras cualidades y equilibraría un poco la que prima casi en exclusiva, que es la última. Aceptamos como un dogma que a la gente se le da lo que demanda. Es decir, aceptamos que somos imbéciles porque queremos mierda en la televisión. No estoy de acuerdo, los medios de comunicación transmiten un modelo. No son asépticos. Y ese modelo viene determinado por intereses económicos, sospecho, entre otros muchos. Vuelvo a la cuestión del consumismo. Que lo hagan los medios privados me parece legítimo, pero creo que los medios públicos deberían abundar en contenidos culturales. No sólo de música, de arte, ciencia, información de calidad (el famoso modelo BBC)… buenas series de entretenimiento… pero claro, eso pasaría por tener una clase política culta y formada, y un sistema educativo que forme a ciudadanos libres y activos, y no a individuos pasivos, acríticos pero rentables y productivos.

- Y en lo referido a la música en directo, a las posibilidades de tocar en directo, a la implicación de las salas y locales en contratar grupos, ¿cómo ves el asunto?

Lo veo mal, y es que, antes que nada, es un negocio. Si no ganan dinero, ¿qué van a hacer? Yo entiendo que un tío que tiene que pagar sus facturas no se gaste 400 euros en un grupo cuando no va a ir a verlo nadie. Ya no hay esa cultura de bares con música en directo donde siempre había un cierto público por defecto, esperando al siguiente grupo desconocido que pasara por allí. Ahora lo que hay es perreo y reggaetón en discotecas de pueblo en polígonos industriales donde se pincha a Kiko Rivera (apetecible, ¿eh?). Otra cosa es fomentar o no desde las instituciones una cultura de la música en directo. No hablo de subvenciones, al menos no poner trabas como ocurre ahora. Si la gente no va a los conciertos, ¿de quién es la culpa? Todos tenemos una parte de responsabilidad (también Internet).

- “En busca del tiempo perdido”, en palabras de autor: ¿qué nos vamos a encontrar en este disco?

Un tratado no-sistemático sobre la experiencia de la temporalidad. No, en serio, no lo sé. Mi intención ha sido plasmar en unas pocas canciones los pensamientos que seguían a una serie de vivencias. No todos pasamos por las mismas cosas, pero sí podemos pensar lo mismo acerca de ellas, vividas o no. Así que intento ser lo más universal posible… con mayor o menor éxito, pues no es tarea fácil. Es difícil hacerlo bien, no todos pueden escribir Blood on the traks. pero huyo de contar mi vida en las canciones. En el lado musical… pues un sencillo disco de rock y pop. Pero cuidado, que el pop es Pet Sounds de los Beach Boys, no Manuel Carrasco. Que hay que aclararlo todo.

- En un trabajo musical donde podríamos decir que el tiempo es el tema principal en la mayoría de canciones, ¿fuiste buscando esto y fue cómo surgió?

No lo busqué, pero se conoce que andaba dándole vueltas a los mismos temas y acabó plasmándose en las canciones. Hubo un momento en que sí lo noté, que fue cuando decidí grabar el disco y, entonces, sí que compuse algunas canciones para cubrir, a mi entender, ciertos aspectos que quedaban cojos en la visión de conjunto. Por ejemplo, no quería que el disco se interpretara como un gesto nostálgico, por eso están ahí Contra el olvido, En el camino o En busca del tiempo perdido. No son canciones de resignación sino de afirmación, de aceptación positiva de la temporalidad. No de aquello que te pasa a lo largo del tiempo, que sí puede ser valorado como bueno bueno o malo, sino del hecho de que, antes que esas valoraciones, seamos seres temporales. Es decir, que te pasen cosas, (que es bien diferente). Como la rosa, sin porqué. Florece porque florece. También hay canciones directamente anti-nostalgia, como Viejos tiempos, y algunas en las que se muestra que no es tan fácil, como Te estoy echando de menos o No volverán. En cualquier caso, que las canciones respondan a unas preocupaciones comunes no significa que sea un disco conceptual. En este caso no hay un hilo argumental. Hay más preguntas que respuestas. Más dudas que certezas. Son demasiado generales como para hablar de disco conceptual (a los cuales no soy muy aficionado).

- Ese aire retro musicalmente hablando, vintage como diría alguno, ¿fue algo que tenías claro desde el principio?

En absoluto. Lo vintage es una impostación (o impostura), algo intencionado bajo un prejuicio. Yo (nosotros) es que no se (sabemos) hacerlo de otra manera. La música que escucho es esa: Beatles, Stones, Dylan, Springsteen… rock español (Rodríguez, Gabinete…), eso es la música que tengo en la cabeza. Mis guitarristas favoritos son Clapton, Knopfler, Harrison o Ariel Rot. Habrá quien me ponga la etiqueta de clasicón o, directamente, anticuado o eso mismo, vintage, pero no es así. Lo que me parece vintage, en el sentido que he apuntado, es que un hispano hablante componga sus canciones en inglés. Eso sí es rememorar un prejuicio sobre el rock. Es un cliché que parte de un prejuicio. En ese sentido se pierde inmediatez con las ideas, ya no son originales sino impostadas. Eso es lo vintage. Que el rock se convierta en eso es su consumación y su muerte. Si el rock es vintage ya no es. El rock debe tener (o recuperar) la capacidad de cambiar el mundo (no importa que no lo consiga, sino que recupere la fuerza para hacerlo).

- ¿Hay alguna o algunas canciones del disco que tenga algún significado especial para ti por algún motivo determinado? Si es así, ¿cuál y por qué?

No, para mí son todas iguales. Técnicamente disfruto con algunos pasajes musicales que me parecen más logrados que otros, pero creo que todas aportan perspectivas igualmente valiosas al conjunto, más allá de mis circunstancias concretas que, como las de cualquiera, carecen de valor artístico.

- Para su presentación contasteis con varios amigos y colaboradores, entre ellos con una de las más importantes figuras del rock en España, el Sr. Carlos Goñi (RevólveR), ¿cómo fue posible esta colaboración?

Gracias a Luís (Abad). Ellos son amigos desde hace muchos años y Carlos Goñi se ofreció a ayudar o colaborar de forma totalmente desinteresada. Es algo que tiene mucha importancia, más allá de interés particular. Que alguien con la agenda de Revólver se coja un ave después de (literalmente) terminar una gira para venir a Sevilla a tocar en el grupo de desconocidos de su amigo Luís, dice mucho de él como profesional y como persona. Se preparó la canción en el tren y la tocó perfectamente. No tenía por qué hacerlo, pero lo hizo por amistad. No he visto eso muchas veces entre los profesionales de la música. Y no he conocido a nadie más profesional, disciplinado y serio que Carlos Goñi. No sé, fue un lujo profesional y un placer personal. ¿Qué más se puede pedir? Cuando éramos unos adolescentes escuchábamos a Springsteen cantar The River y a Revólver cantar Eldorado. Eso era el rock para algunos de nosotros. Resulta que casi dos décadas después viene a cantar nuestras canciones por gusto. En fin, sorpresas te da la vida. También me gustaría destacar a José Vega, del grupo madrileño La Familia Corleone. Participó en algunas de las canciones del disco y también estuvo en la presentación. Fue otro tipo de lujo, porque pertenece al mismo grupo de amigos de la infancia, crecimos juntos, con Guille Luceño y otros. Aprendimos a tocar juntos y mantenemos una excelente relación personal y musical. Él se fue a Madrid y allí está labrándose su más que digna carrera musical. Atentos a su próximo disco.

- En el interior del folleto que acompaña el CD (una de las cosas buenas de la ediciones físicas) nos encontramos un precioso texto que firma María Rodríguez García y que aquí dejo un fragmento:

“En busca del tiempo perdido nos invita a situarnos en el camino, con el mundo a nuestros pies y atesorando todo aquello que nos importa. Puede que ésta sea la respuesta de la música ante la penuria de los tiempos: construir un “yo” que, como la rosa de Silesius, florece sin porqué pero que sabe quién quiere ser”.

¿Quién es María Rodríguez García?

Pues es una escritora y profesora de Filosofía en la Universidad de Sevilla y, actualmente, de la Universidad Pablo de Olavide. Entre sus virtudes destaca la de aguantarme a diario. El texto del disco es una maravilla. Otro lujo. Te diría, sin exagerar, que todo el disco y toda esta entrevista está contenida en él.

- Ya para terminar, haremos un ejercicio de comparación de gustos musicales entre los que os subís juntos a tocar los temas de este estupendo trabajo que es “En busca del tiempo perdido”, os hago a los cuatro las siguientes preguntas:

- Un disco indispensable en el panorama musical extranjero.

- Luis: Rubber Soul (The Beatles).

- Guille: Born to run (Bruce Springsteen).

- Domingo: Born to run (Bruce Springsteen).

- Carlos: Born to run (Bruce Springsteen).

- Un disco indispensable en el panorama musical español.

- Luís: Camino Soria (Gabinete Caligari).

- Guille: Honestidad Brutal (Andrés Calamaro).

- Domingo: Buena Suerte (Los Rodríguez).

- Carlos: Buena Suerte (Los Rodríguez) para el rock español; Mediterráneo (Joan Manuel Serrat) para todo lo demás.

- Un cantante o grupo español que sigas ahora especialmente.

- Luís: Carlos Goñi (Revolver) es una constante en mi vida desde que lo descubrí y bueno, he escuchado bastante su último disco. También el último de Lapido y he descubierto al señor Luis Prado (señor Mostaza) y me han gustado algunas cosas que he escuchado. También soy muy fan de Gabinete.

- Guille: Quique González, Lapido, Nacho Vegas, Xoel López, Coque Malla, Lichis, Los Zigarros, Ángel Stanich…

- Domingo: Quique González.

- Carlos: José Ignacio Lapido.

- Un cantante o grupo extranjero que sigas ahora especialmente.

- Luís: Esta pregunta, igual que las anteriores, podría tener una respuesta distinta cada semana. En esta en concreto ha sonado en mi coche el “Magic” (2007) de Springsteen.

- Guille: Wilco.

- Domingo: Chuck Prophet.

- Carlos: Willie Nile.

- ¿Qué disco de los que suenan como novedad actualmente has oído y te ha gustado especialmente?

- Luís: Alone in the universe (Jeff Lynne).

- Guille: The Ties That Bind (Bruce Springsteen).

- Domingo: NS/NC

- Carlos: Paris (Zaz).

Blondays para quienes no lo conozcan aún es un grupo de música nacido en Madrid que se define como grupo pop-pock, indie, Indie-folk. Está formado por Mercedes (guitarra), María (voz), Lucía (violín), Rachel (batería), Laura (flauta) y Miguel (bajo). Tras la edición en 2012 de After The Rain, el que fue su primer disco, regresan al plano de la actualidad musical con Rise, su nuevo trabajo. Siguen manteniendo ese toque folk característico de identidad que le otorga el violín, pero nos presentan con el primer single Rise un sonido que ahondan un poco más en el rock. Blondays es una banda que no hay que dejar escapar, he leído en algún magazzine musical cosas que dicen de ella como: "Después de escuchar su trabajo (...) nos dimos cuenta de la genialidad de su música", palabras que pueden definir perfectamente la sensación que queda tras oírlos, sobre todo si es en directo. En MUNDIARIO te damos la oportunidad de conocer a este grupo a través de esta entrevista. Cada pregunta fue contestada por varios de sus integrantes, una entrevista múltiple pero podríamos decir que suman uno, uno llamado Blondays.

- ¿Cómo nace Blondays como banda?
     
- Rachel: Blondays nació como todos los grupos importantes: ¡En un curso de formación profesional! Miguel Ángel y yo nos encontramos en un curso de inglés- hablamos sobre nuestro afán por la música y al final decidimos quedar un día para tocar. Después de una “jam session” muy divertida, Miguel me dijo “debemos formar un grupo!” y el resto es historia.

- María: Sí, yo conocía a Miguel Ángel de hace años, que formábamos parte de otro grupo de música anterior. Y un día me contó que había conocido a una pedazo de baterista, que teníamos que montar un grupo de chicas (y él, claro, jeje). Y fue él quien conocía a las demás y nos juntó un día en su casa para conocernos. ¡Me acuerdo perfectamente de ese día!

- Mercedes: A mi me tuvo que convencer Miguel Ángel porque yo no tocaba la guitarra eléctrica, tocaba la clásica. Fue todo un atrevimiento y una aventura presentarme en el local de ensayo con mi guitarra electroacústica. A los pocos meses me estaba comprando mi telecaster. 

- ¿Era condición indispensable que las integrantes fueran rubias y chicas?, aunque Miguel, único chico de la formación rompe ese esquema, siendo uno de los fundadores curiosamente.
     
- Miguel: No era indispensable, era divertido. Se dio la casualidad de que la batería y la cantante eran rubias, que junto conmigo fuimos los primeros en empezar a ensayar. Y de ahí la idea loca de que el resto fueran chicas y rubias como ellas.
     
- Rachel: Miguel Ángel insiste en que la primera vez que tocamos le dije que el grupo que formáramos tenía que estar compuesto de chicas rubias. Yo no me acuerdo de este momento, pero es posible. Seguimos intentando convencerlo para cambiar su pelo y ser rubio ;-)
      
- Sois lo que se puede llamar una banda numerosa, cinco chicas y un chico los que os subís al escenario, ¿cómo os repartís las tareas, quien se encarga de composiciones, de redes sociales, producción, prensa, etc.? Supongo que como banda autoproducida, cosa que se puede leer en vuestro Facebook, todas esas tareas las realizáis vosotros mismos.
     
- Rachel: Las composiciones están hechas principalmente por Miguel Ángel y Mercedes. María y yo hemos empezado a componer un poco.  Como Miguel Ángel es el productor, hace un gran esfuerzo para grabar todas las voces, violín, flauta y guitarra desde su casa. Mezclar es otro mundo de trabajo para él, y en “Rise” también ha empezado a masterizar. ¡Va a acabar con un doctorado! Las tareas las repartimos por todo el grupo e intentamos mantener las redes sociales entre todas. Mercedes ha hecho un gran esfuerzo para sacar este último disco- ha trabajado un montón.

- Mercedes: Gracias Rachel! Yo creo que Miguel es el más responsable y tira de nosotras. Siento gran admiración por nuestro chico, no se de dónde saca el tiempo para hacer tantas cosas,... En serio, una banda autoproducida requiere mucho curro además de ensayar, tocar y componer. Solemos hacer reuniones para organizar el trabajo y dividirnos las tareas.
     
- ¿Qué es lo más difícil para una banda que se autoproduce?, cosa normal ahora para todo aquel que quiere abrirse paso en este complicado mundo, y ¿qué es lo mejor de esta situación, cuáles son las ventajas?

- Rachel: ¡Dejo que Miguel Ángel responda a esta pregunta!

- Miguel: Organizarse y compaginarlo con tu otro trabajo y otras obligaciones, porque puede llevar mucho tiempo encargarse de todo lo relativo a una banda, hay que saber planificar, dosificarse y aprovechar muy bien el tiempo.  

- Mercedes: quizás lo más complicado sea hacerse un hueco, quiero decir, llegar a ver tu cd en Fnac, Corte Inglés,... que te pongan en las radios nacionales, que te metan en el cartel de los festivales. Vamos, es un poco difícil que te hagan caso. La parte buena, que haces lo que te da la gana, es como trabajar sin un jefe. 
   
- ¿Cómo denominaríais vuestra música para aquel que aún no os ha oído, qué le diríais que se va a encontrar cuando le dé al Play a uno de vuestros discos?
     
- Miguel: creo que la sensación general es diferente en cada disco. After The Rain es como una brisa fresca y Rise, Rise para mí está demasiado reciente como para calificarlo así de forma poética en pocas palabras. 

- Rachel: Nuestro estilo ha cambiado desde el principio. Siempre nos hemos clasificado como un grupo de pop/ rock, pero antes había un toque de indie. Ahora, con la mezcla de violín y flauta, nuestros fans han empezado a decir que cae en el genero de folk.

- Mercedes: Yo no veo tanto lo de folk...Es verdad que suena distinto After The Rain a Rise. Rise es más grueso, es decir, hay más texturas, más líneas melódicas, más arreglos. Para alguien que no nos haya escuchado se va a encontrar con un pop, a veces rock, y un rock, a veces pop, que suena muy actual pero no es Indie. Suena más a los 90 de grandes grupos como Cramberries, con unos coros impresionantes tipo The Beatles. 

- Vuestra música sorprende cuando se oye si sabemos que sois una banda madrileña, quizás no tanto si fuerais de Irlanda por ejemplo, pues el toque folk de vuestro sonido recuerda a otros lugares, ¿es algo esto que os comenten quienes os oyen o una percepción solo mía?

- Miguel: Lo comentan mucho, pero desde mi punto de vista fue algo no planificado. Sí que sabíamos que al incluir el violín y con las voces femeninas nos estábamos acercando a grupos como The Corrs, pero no le damos importancia. Creo que hemos tenido el morro o el desparpajo de no pensar a quién nos parecemos, o qué línea debemos seguir, o cuál es nuestro estilo. Hemos tenido la seguridad de hacer nuestra música y punto.
     
- Rachel: Desde el principio hemos trabajado en hacer música internacional, componiendo en inglés sobre todo. El violín da un toque extra de folk y por eso se puede clasificar como un grupo irlandés, por ejemplo, Los Corrs. Creo que con la flauta aún más. Pero creo que estamos intentando mantener un sonido más pop con un toque de folk, que pensar que somos un grupo de folk.

- María: Sí, el toque folk es inevitable por el simple hecho de contar con violín y flauta. A mí que nos comparen con el estilo de The Corrs, por ejemplo, no me molesta nada, ojalá lleguemos a la mitad de donde ellos llegaron.

- ¿De qué música bebe Blondays, de dónde surge su inspiración?
     
- Miguel: Hay muchas, yo personalmente he escuchado y estudiado muchísimos temas de los Beatles. Se puede decir que han sido mi guía para aprender a componer y a hacer arreglos. Pero no sólo los Beatles, también Elton John, Queen, Dylan. También creo que me influyen Beethoven, Bach, el contrapunto, la armonía clásica. Pero en realidad todo influye, y muchas veces cualquier canción de la radio te da buenas ideas para arreglos o producción.

- Rachel: Todos tenemos nuestras influencias y se pueden ver en la composición de cada canción. La influencia principal de Miguel Ángel son los Beatles, mientras Mercedes prefiere grupos indie. A mí personalmente me encanta toda la música de los años 90, por ejemplo, Los Cranberries, Nirvana y No Doubt. Aparte de eso, nos influye como grupo la música de Motown de los años 50 (Aretha Franklin, The Supremes), que se ve en nuestras versiones.

- María: yo creo que bebe de muchos estilos, no estamos cerradas al pop-rock, quizá todas coincidimos en el gusto por los Beatles, pero cada una tenemos nuestros gustos más concretos. A mí, por ejemplo, siempre me ha gustado mucho el country, pero también puedo pasarme horas escuchando rock clásico, soul o música dance.

- Nacisteis en 2010, ¿qué ha cambiado desde entonces en vosotros como banda?

- Miguel: Bueno, somos una más, este curso se ha incorporado Laura, a la flauta travesera y coros. 

- Rachel: Este año en especial el grupo ha cambiado y mejorado con la incorporación de nuestra gran flautista, Laura. No solo la dinámica del grupo, sino también la composición y sonido que tenemos. Me parece que la flauta ha enriquecido mucho nuestro sonido. Además, nuestro público nos comenta que tras muchos conciertos, hemos aprendido a tocar de una forma mucho más integrada: nos oímos y nos apoyamos en el escenario. Creo que eso es algo difícil de hacer al principio, pero con el tiempo empieza a surgir.  

- María: Uf, ¡muchas cosas! Quizá hemos perdido el miedo inicial de no saber si nuestra música puede gustar o no. Nos conocemos todos mucho más. Exactamente cinco años más, con lo que en ensayos, composiciones, organización o conciertos, estamos mucho más compenetrados y con mucha más confianza.

- Y en lo que es ajeno a vosotros y os afecta a nivel musical, en cuanto a posibilidades, tendencias, etc., ¿ha habido cambios en este tiempo?, y si ha sido así, ¿como han sido, a mejor o a peor?
     
- Mercedes: que se pueda escuchar música en streaming es un punto. Se ha abierto todo un abanico de posibilidades, sobre todo para el receptor. Ahora no tienes que ir a la tienda y comprar un cd, abres tu ordenador y tienes la música que quieres. Para un grupo que se autoproduce, esto posibilita que pueda ser escuchado sin necesidad de pasar por una discográfica. Hace unos años, esto era impensable. Por otro lado, las redes sociales son decisivas: si no estás en ellas, no existes. Pero también tienen su punto negativo, es decir, lo que pasa en las redes sociales es muy rápido, a veces, tengo la impresión de que es algo así como "usar y tirar": hoy se habla de algo y mañana ya se ha olvidado. Hemos tenido momentos de subidón porque en las redes sociales estaban hablando de nosotras, retuitendo y esas cosas y al día siguiente como si no existieras...

- ¿Qué es lo más difícil para una banda de seis miembros, donde cada cual tiene otras dedicaciones, vive en distintos sitios, etc., para conseguir realizar un trabajo en equipo tan bueno y sonar tan bien en los directos?

- Miguel: No es difícil, la clave es cruzar los dedos y esperar que todo salga bien, jejeje... 
     
- Rachel: Puffffff... ¡a veces es muy difícil! Cada uno ha tenido sus momentos (mudanzas, embarazos, trabajos, terminando con la tesina o tesis...) en los que le ha sido difícil dedicar tiempo al grupo. A veces comentamos que entre los ensayos, conciertos, página web, redes sociales, grabaciones, mezclas, parece un segundo trabajo a jornada completa. ¡A veces me esperan 500 mensajes nuevos de whatsapp! Pero es un trabajo que cada uno quiere hacer, y todos estamos muy implicamos. Disfrutamos mucho con la música y ensayar es un tiempo para desconectar totalmente de nuestra “vida normal”, una cosa que agradecemos mucho.   

- María: Bendito Whatsapp, a veces pienso que no sé cómo podríamos organizarnos sin él... :)

- ¿Hasta dónde quiere llegar Blondays en la música?

- Miguel: Si las puertas se abren... nos daremos un paseo por toda la casa... 

- Rachel: Creo que es mejor disfrutar del viaje que pensar en el destino ;-)

- María: Hasta donde permitan las circunstancias. 

- Mercedes: ¡Eso es! A veces cierro los ojos y me imagino de gira por todo el mundo. Yo aquí me voy a dejar llevar, sin trabas. 

- Vuestros temas son en inglés, ¿sonará en algún momento Blondays también en español?

- Miguel: Quién sabe. Ahora yo al menos veo muy unido nuestro estilo con el idioma. Creo que el cambio de idioma supone un cambio en toda la música. Por el momento no me apetece el cambio, pero no es algo que descarte. 

- Rachel: ¡Nunca se sabe! Puede que sí.

- María: Nunca digas nunca jamás. Quién sabe, pero como dice Miguel Ángel, yo veo muy unido nuestro estilo al idioma, siempre me he fijado que canto distinto en español que en inglés, son sensaciones totalmente diferentes.

- Ahora estáis de estreno con vuestro nuevo trabajo Rise, ¿qué lo diferencia de vuestro anterior disco After the rain?

- Rachel: Con After the Rain, estuvimos probando muchas cosas para buscar nuestro sonido. Rise es mucho más uniforme, mucho más definido y es la suma de todo que hemos aprendido. Mucho tiene que ver con la adición de la flauta y con el trabajo de Miguel Ángel, cada canción parece una sinfonía entre las melodías, coros y efectos.

- Mercedes: es más maduro, mejor producción, más texturas y arreglos... Las canciones son más convincentes. 

- Escuchando el primer single de este trabajo Rise, que le da título al EP, nos encontramos con un canto a la esperanza, a la lucha, a levantarte y superar la adversidad de la situación, un tema desde luego en el que se percibe una letra de rabiosa actualidad, ¿por qué elegisteis este tema para presentar el nuevo trabajo, es la letra y la situación la que os hizo elegirlo?
     
- Rachel: El concepto de Rise no puede ser más oportuno, pensando en la clima político ahora mismo. Rise es un tema que comunica que nunca debemos dejar de luchar y, con muchas voces a la vez, el cambio es inevitable. Creemos que  el mensaje de la canción es muy importante ahora mismo porque tras los últimos años los españoles han trabajado para retomar su voz. Poco a poco, después de todas las luchas, estamos viendo señales de cambio.
     
- Mercedes: Nos pareció muy oportuno elegir este tema como single o como título del disco por la fuerza que tiene la canción y el título Rise.

> Página Web de Blondays: www.blondays.com

> Rise en Spotify: https://open.spotify.com/album/5EvhD6NHY9EbDpwu44vwik

Andaluza, malagueña, de uno de los lugares más bonitos de Andalucía, Ronda, el nombre de María Villalón suena desde hace unos años en el panorama musical español, desde que ganara allá por el 2007 la primera edición del programa cazatalentos Factor X. Ahora con varios discos ya en el mercado llega con un nuevo trabajo, donde muestra otra de sus facetas de forma muy original, pues en esta ocasión conoceremos su faceta literaria pero sin dejar la música de lado, llega con una novela con banda sonora. Se trata de un libro y un disco y ambos llevan el título de "El insólito viaje de una gota de lluvia", el libro lleva en su interior el CD con las siente canciones que componen la banda sonora de la historia. El disco se ha comercializado también por separado así que lo puede conseguir en cualquier tienda de música todo aquel interesado solo de la parte musical de este trabajo.

- Tu nuevo trabajo, un libro con B.S.O., una idea muy interesante y original que tal vez no se da con la frecuencia que debiera y que acercará la lectura a la música y viceversa, ¿cómo se te ocurrió?

- Primero comencé a escribir la novela y nada más empezar pensé que si la historia iba a hablar de una chica en el mundo de la música era evidente que las canciones iban a estar presentes a lo largo del libro. Entonces se me ocurrió darle vida a esos temas que ella iba a cantar y componer a lo largo de la historia. Así pues, esas canciones no se quedan en el mundo de la ficción, sino que las podemos escuchar también en el mundo real.

- ¿De donde sale el título El insólito viaje de una gota de lluvia?

- El título es una metáfora del final del libro, una manera de resumir la moraleja que quise transmitir. Se me ocurrió en uno de mis viajes en cercanías de camino al trabajo, donde escribí la mayoría del libro.

- Te gusta escribir y te gusta cantar, en este trabajo no te quedas solo en escribir canciones si no que además escribes un libro, ¿que te gusta mas, escribir o cantar?

- Creo que soy afortunada porque hay muchas cosas que me hacen disfrutar por igual, como cantar, hacer canciones, escribir, leer…

- En este insólito viaje la banda sonora está formada por siete canciones, ¿qué fue antes, el libro o las canciones?

Excepto Descalza, que ya estaba compuesta antes de empezar el libro, las demás las iba haciendo conforme la historia avanzaba, metiéndome en la historia del personaje e intentando plasmar lo que Atena iba sintiendo.

- Se te conoce por tu música, tienes muchos seguidores, pero con este trabajo, ¿crees o percibes que estás obteniendo nuevos seguidores atraídos por el libro, por esa otra faceta tuya?

Hay mucha gente que nos está conociendo gracias al libro y eso es fantástico, porque gracias al libro conocen mi música, y al revés, mucho público que ya nos seguía también se está montando en el barco del mundo de los libros.

- Si te pregunto del 1 al 10 cuanto tiene de ficción y cuanto tiene de autobiográfico, ¿qué me contestas?

- Jajaja creo que… podríamos decir que tiene un 60% de real y un 40% de ficción.

- ¿Merece la pena renunciar a tu mundo por hacer realidad tus sueños?

- El equilibrio, el equilibrio es la clave de todo.

- ¿Habrá paz algún día entre Atena y Valentina?

- Jajaja para quien no lo sepa, Valentina es la archienemiga musical de Atena en el mundo musical del libro. Este personaje está basado en una persona de la vida real y de nuestro panorama musical. Nunca diré quién es por respeto, pero muchas de las perlas que suelta por la boca, las he sufrido yo en mi vida.

- Dices que el culpable de esta aventura literaria ha sido el escritor y guionista Carlos García Miranda (@CarlosG_Miranda), cuéntanos un poco por qué.

- Es una de esas historias que comienzan por estar en el lugar exacto, en el momento adecuado y a la hora debida. Fui a una feria del libro, lo conocí, nos hicimos colegas y le acabó hablando de mí a su editora, Irene Lucas. Y ahí empezó todo. Siempre le estaré agradecida.

- El libro está publicado de la mano del grupo Planeta, bajo su sello Destino, casualidad ha sido, pero no podía haber mejor nombre de un sello editorial para publicar este libro dado la historia que cuenta, ¿no crees?

- Totalmente jejeje Todo fue cosa del destino desde el principio. Y qué casualidad tan bonita que ese haya sido el nombre del sello que finalmente lo publicó…

- Tu al igual que la protagonista de la historia del libro te fuiste de tu pueblo a perseguir tu sueño, ahora vives en Madrid, ¿vivir en la capital o cerca facilita las cosas para poder avanzar en el mundo la música?

- Sí, aquí hay más oportunidades, esto no se puede negar. Pero tampoco puedo negar que se me hace duro vivir lejos de mi tierra y mi familia.

- Como sabes, estuve en la que creo fue la primera presentación de este nuevo trabajo, que fue en la FNAC de Callao en Madrid, y pude ver que estuvo lleno y antes había una cola impresionante en la calle y gente que se quedó sin poder entrar. Acabaste firmando autógrafos y echándote fotos en la calle. ¿Cómo te quedaste ante esa muestra de cariño e interés por tu nuevo trabajo, te esperabas algo así?

- Fue sin duda uno de los días más felices de mi vida. No me lo esperaba. He paseado mil veces por la calle Preciados y he visto esas colas enormes de personas esperando por ver a sus artistas favoritos, y para mí era un sueño pensar que algún día me podría pasar algo así. Ese día fue mágico.

- En el libreto del disco se puede leer que llegaste a pensar que tu aventura musical estaba ya acabada, que tal vez era algo que no estaba para ti. Cuando lo leí pensé que no podía ser que realmente pensaras eso: María Villalón tiene un nombre en la música de este país ganado a pulso, ¿te han hablado tus fans sobre esas líneas?

- Ellos siempre me apoyan y animan para que no abandone. Pero es complicado, todos los que nos dedicamos a esto tenemos momentos de bajón absoluto porque es inevitable frustrarse a veces ante la idea de que estás invirtiendo todo lo que tienes en tu vida por la música y no puedes vivir de ello. Pero luego alguien te dice que tu música es importante, que le ayudas, que le haces disfrutar, y entonces te recargas las pilas y sigues luchando.

- Estás recorriendo España haciendo conciertos y presentaciones en compañía de Susi (Jesús Arteaga, Susana para los amigos como tu dices a modo broma), él ha sido también co-productor musical en este trabajo además de haber compuesto a medias contigo un par de canciones, ¿cómo está siendo esta gira?

- La verdad es que desde que salió el libro y el disco en enero no hemos parado ni un solo fin de semana, nos hemos recorrido prácticamente todas las Fnacs de España y visitado infinidad de lugares. Ha sido una gira en acústico preciosa. Susi se ha vuelto el hombre orquesta y hemos creado un show acústico lleno de energía, no es solo guitarra y voz, hay algo más que le da un punto de energía que era justo lo que queríamos transmitir.

- Hiciste un concierto eléctrico con toda la banda en la Sala Moby Dick el pasado mes de abril, una sala que se llenó, ¿está en los planes de María Villalón un disco en concierto?

- ¡Ese concierto fue increíble! La sala estaba llena de buen rollo, de energía, de alegría, para mí fue una inyección de adrenalina y emoción impresionante. Nunca me he planteado hacer un disco en directo, pero la verdad es que me encantaría porque no hay nada como la magia de la música en directo.

- Si te digo Jaleo Andaluz, ¿qué te viene a la mente?

- Jaleo Andaluz me suena a infancia, porque era el bar que tenían mis padres cuando yo era pequeña, donde empecé a cantar mis primeras canciones y di mis primeros pasos. Pero también me suena a presente, porque 20 años después han vuelto de nuevo a ese mundo y con ese nombre que tan buenos recuerdos nos traía. Y nada, también me suena a trabajo porque cada vez que voy a Ronda me pongo modo camarera a echar una mano jejeje

- ¿Qué disco me recomendarías del panorama musical reciente español?

- Pues aunque no es actual actual, de mis favoritos de los últimos tiempos es el último de Andrés Suárez: Pura magia.

- ¿Y qué libro?

- La última novela de Carlos García Miranda, Conexo, que es buenísima…

- ¿Algún dueto pendiente?

- He hecho más de 70 duetos a lo largo de mi carrera, jajaja... Pero yo he pedido tres y los tres me han dicho que no, así que ahora mismo no quiero saber nada de duetos…

- ¿Algunos planes a corto plazo de los que nos quieras contar algo, algún proyecto entre manos o alguna primicia que nos quieras dar?

- Ahora mismo estamos preparando el lanzamiento del próximo single de cara al verano, Ni tú ni yo.

Una de las cosas más maravillosas que es capaz de crear el ser humano es la música y cuando une ésta a la solidaridad, ya disipa la duda hacia esa eterna esperanza de que el ser humano merece mucho la pena, que es algo bueno, que está en el buen camino, que sigue su evolución hacia algo mejor, hacia mejor persona. El próximo día 12 de junio será esto lo que ocurra, nuevamente se unirá la música a la solidaridad por una buena causa, y lo hará con motivo del III Festival Mi Princesa Rett en el que todos los fondos recaudados irán destinados a la investigación del síndrome de Rett. El Festival tendrá lugar en la Sala Lemon de Madrid, desde las 20:30 tienes una cita solidaria y musical con Familia Corleone y Carlos Abad y Los Infames. Con la entrada de 7€ se ayuda a recaudar fondos para la investigación del síndrome de Rett, además para aquellos que no puedan asistir la iniciativa dispone de una fila cero.

Mi Princesa Rett nace de la necesidad de Francisco Santiago y Marina Maldonado, padres de una preciosa niña Rett llamada Martina, de concienciar a la sociedad sobre dicha enfermedad así como para recaudar fondos para la investigación de la misma. En el blog Martina nos cuenta su vida cotidiana así como sus pequeños-grandes logros de la mano de sus padres, ya que su enfermedad le evita el comunicarse.

El síndrome de Rett es una grave enfermedad neurológica que afecta a niñas, aproximadamente a 1 de cada 10.000-12.000 niñas nacidas vivas, se calcula que en España pueda haber 2.400 afectadas, a nivel mundial pueden ser 300.000 los casos confirmados. Es considerada como una enfermedad rara o de baja prevalencia, son niñas que, a pesar de nacer aparentemente bien, tienen una mutación genética que cuando se manifiesta a los 18 meses, les impide tener control sobre su cuerpo, no tienen ninguna autonomía, y se sumergen en un proceso autístico, no hablan, no pueden usar las manos, muchas ni andan, tienen graves problemas para poder comunicarse, sufren crisis epilépticas, escoliosis, problemas digestivos, trastornos del sueño, y un largo etc ...el avance progresivo de la enfermedad las lleva inexorablemente a una total dependencia, el deterioro cognitivo y motor es de tal magnitud que son consideradas pluridiscapacitadas.

Esta enfermedad al ser de las denominadas “raras”, necesita de la solidaridad y colaboración ciudadana para conseguir fondos que puedan continuar financiando su investigación, dado que como suele ocurrir con estas enfermedades de baja prevalencia, no es un negocio de la rentabilidad que las farmacéuticas ven atractivas para invertir en su investigación.

La primera edición del Festival Mi Princesa Rett tuvo lugar en la Sala Caravan de San José de la Rinconada el 18 de mayo de 2013, fruto del trabajo de José Vega y Gabriel León, quienes aunaron esfuerzos para dar a Martina y a todas las niñas que comparten esta enfermedad una fiesta por y para la vida con la música como hilo conductor. La segunda edición se celebró el 9 de mayo de 2014 en la sala Lemon con la colaboración de Jorge Marazu, Melani Olivares y Familia Corleone. En esta ocasión en la que será la tercera edición, que ya colgaba a dos semanas del evento el cartel de 50% de entradas vendidas, se contará como hemos mencionado, con Familia Corleone que repiten en esta iniciativa y con los sevillanos Carlos Abad y Los Infames, además de algunos invitados sorpresa, el festival será presentado por el actor Emilio Linder, todo un lujo de festival para estar a la altura de la princesa Martina y conseguir ganar terreno a esta batalla llamada Síndrome de Rett y como dice el lema del blog Mi Princesa Rett: “Porque todas las princesas merecen un final feliz”.

Con Sueños de Haití, Miguel Angel Tobías inició una serie de proyectos donde se comprometía a cada año llevar a cabo un proyecto audio visual que fuera social, solidario y benéfico, en este caso nos trae Gurba, la condena, una película documental que nuevamente sirva para despertar conciencias, para que conozcamos la injusticia y en sufrimiento al que está sometido el pueblo saharaui. Un conflicto que mediáticamente está olvidado pero que tras 40 años sigue ahí, donde 220.000 personas han sido obligadas a vivir en el exilio, en un campamento de refugiados. Gurba, palabra árabe sin traducción específica, expresa los sentimientos cuando un ser humano es obligado a vivir fuera de su tierra, es una mezcla de tristeza, melancolía, ...rabia.

La película documental trata un conflicto que debido a que está enquistado en el tiempo está fuera del foco mediático actual, el campo de refugiados mas antiguo de la historia moderna, con mas de 40 años de existencia, donde está recluido el pueblo saharaui, en un desierto de piedra con 50º de temperatura durante el día, con el agua racionada a 11l/día por persona, con la mitad de la población en estado de desnutrición y con los graves problemas psíquicos derivados del tener que vivir en un exilio forzoso.

El largometraje hace una denuncia universal a la primera vulneración de los Derechos Humanos que tiene un exiliado, que es precisamente el serlo, actualmente hay 52 millones de refugiados en el mundo y la comunidad internacional no hace todo lo que debería para que esto no ocurra, en el caso del pueblo saharaui es Francia quien impide que se velen por los derechos de este pueblo.

La razón del veto por parte de Francia es como siempre en estos casos, por cuestiones políticas, geoestratégicas e intereses económicos, uno de los motivos que reflejan esto es que el 85% del fosfato que se extrae del mundo se hace en los territorios ocupados por Marruecos y lo hacen empresas francesas.

En este documental se muestra el daño psicológico y también como es la vida en este campo de refugiados, además se verá como desactivan minas antipersonas que aún permanecen sembradas en una zona de Sáhara que está plagada de ellas, enterradas o semienterradas con la posibilidad mientras estén ahí de seguir haciendo daño, mutilando y matando.

Miguel Angel Tobías que produce y dirige esta película documental, ha vivido unos meses en el Sáhara durante el rodaje, conociendo en primera persona el conflicto y dándole la suficiente autoridad para saber contarlo y saber de lo que habla.

La película tiene un objetivo benéfico, ademas de verse gratis en los cines se pone al servicio de cualquier ONG u organización en España o en cualquier parte del mundo que esté trabajando en favor de los Derechos Humanos, para hacerse estrenos benéficos con objetivo de recaudar fondos para cualquier causa social.

"Hay conflictos territoriales que pueden ofrecer algunas dudas, pero en este no, todas las resoluciones de Naciones Unidas determina que Marruecos debe devolver su tierra al pueblo Saharaui y el no estar haciéndolo es una grave violación de los Derechos Humanos". Miguel Angel Tobías

Fernándo Maés, salmantino de adopción y zamorano de nacimiento, es profesor de biología, pero no será de su empleo de lo que hablaremos, será de su pasión, de su otra pasión habría que decir: la música, a lo que se dedica cuando su profesión y su familia le deja hueco. Desde muy pequeño le atraía la música y a eso de los 10-11 años le regalaron su primera guitarra, en el colegio ya formó parte de un grupo donde hacían versiones y en su época de instituto ya tocaban en algunos locales.

Paula Gómez, 21 años, de Chiclana de la Frontera (Cádiz), la voz negra de Chiclana, se fue a Irlanda a cumplir su sueño: sacar adelante su carrera musical, y lo está consiguiendo, tras grabar en 2013 Love & Hate. Ahora está a punto de publicar su segundo disco y en algún medio la han comparado con una joven Joan Baez. Es cantautora y tiene una voz prodigiosa, un talento joven que sorprende. Sus composiciones van desde el blues al soul, pasando por el country y el funk más bailable. Recientemente fue seleccionada para protagonizar la nueva campaña de Guinness Amplify. Fue elegida entre los 800 aspirantes inscritos. También saltó el charco y se fue no hace mucho a tocar a Canadá, donde han dicho cosas como estas en la prensa de Toronto: "Paula tiene un talento puro que rara vez se experimenta y en un entorno tan dinámico en vivo, ella era el diamante que estábamos buscando". En esta entrevista, Paula Gómez habla para MUNDIARIO.

- ¿Cómo nace tu pasión por la música y acaba siendo tal que decides dedicarte a ello de forma profesional?

- Mi pasión nace desde muy pequeña, cuando empecé a tocar el piano. Después de unos cuantos años empecé a tocar la viola y a cantar con la banda del conservatorio y en una banda con mi padre, donde me di cuenta que donde mejor me sentía era encima de un escenario.

- Dicen que tienes una voz impresionante y un talento que se nota innato para la música, ¿te viene de familia, hay miembros en ella dedicados a la música?

- Pues sí, mi padre, pertenece a una banda, es guitarrista y cantante y mi madre también tiene buena voz para cantar. En mi casa siempre ha habido música y desde pequeña ha estado presente en mi vida.

- ¿A partir de qué edad empezaste a cantar, componer y a tocar la guitarra?

- A cantar empecé desde muy pequeña y a dar conciertos cuando tenía 13 años o así, iba con mi padre a sus conciertos y salía yo a cantar siempre unos cuantos temas. A escribir empecé un poco más joven, cuando tenía 12 años escribí mi primera canción, titulada Si aún recuerdo. Y a tocar la guitarra, pues hace unos 4 años o así, empecé a enseñarme un poco yo sola y ahí sigo, intentando aprender.

- ¿Cuáles han sido tus influencias musicales?

- El blues sin ninguna duda. B.B. King es uno de mis ídolos junto con Robert Johson, John Lee Hocker y la magnífica Nina Simone.

- Tienes pocas canciones escritas en español, ¿compones en inglés porque estás viviendo y desarrollando tu música en Irlanda o ya lo hacías antes de irte allí?

- Casi siempre he compuesto en inglés, incluso antes de ir a Irlanda. No es por preferencia, depende de cómo me salga en el momento. Tengo varias canciones escritas en español pero tendría que volver a retomarlas, hace tiempo que no las canto.

- ¿Qué hizo que tomaras la decisión de coger la maleta e irte a Irlanda a tus 18 años?

- Pues conocí al batería Dave McClelland, que es la persona que me está ayudando en mi carrera ahora mismo y me invitó a dar varios conciertos por el sur de Irlanda. Me gustó muchísimo y decidí quedarme y probar suerte con la música  en Irlanda.

- ¿Cómo ves el panorama musical aquí en España?, sobre todo para el que empieza.

- Pues tanto en España como en el resto del mundo está muy complicado. La música hoy en día no es lo importante, lo que la mueve es el dinero y lo que buscan ahora es la imagen, ya si eres bueno o no, da un poco igual (hablo de las grandes compañías). Es una situación muy difícil para el que empieza y tienes que ponerle mucho esfuerzo y en parte tener un poco de suerte, de estar en el momento justo y en el lugar adecuado.

- ¿Y en Irlanda, es más fácil arrancar en esto de la música, hay más apoyo? ¿Cómo está el panorama allí?

- Pues más o menos igual, aunque en Irlanda tienen un aprecio y un respeto enorme por la música, ya que forma parte de su cultura, pero el panorama musical que está vendiendo es el mismo que en casi todo el mundo.

- ¿Tienes pensado volver algún día a España con intención de continuar aquí tu carrera?

- No cierro ninguna puerta. Me encanta España y recibo mucho apoyo. Quizás en un futuro, depende de las oportunidades que vayan saliendo.

- Cuando vienes a España tienes tu propia banda aquí para tus conciertos, he tenido la suerte de estar en los dos últimos y se ve que tenéis una gran compenetración, ¿cómo trabajáis el repertorio para que suene tan bien?

- Pues nos conocemos desde hace mucho tiempo y tenemos mucha conexión tocando juntos. Ellos son unos músicos excepcionales y hacemos varios ensayos antes de los conciertos para calentar un poco, aunque ellos se preparan las canciones antes de que yo llegue para tenerlo todo listo y poder hacer una buena actuación.

- En Irlanda, ¿cómo te sueles mover en los bolos, con banda también con una formación como la de aquí?

- Depende del sitio. Hago bastantes conciertos acústicos, a veces sola, y a veces acompañada del magnífico guitarrista Stephen Housden, de The Little River Band.

- ¿En qué formato (con banda o en acústico a solas) te gusta más dar tus conciertos?

- Los dos tienen su encanto. Con la banda te lo pasas muy bien y sueltas mucha buena energía. En acústico, es mucho más íntimo y suelo conectar genial con el público.

- En los dos países en los que vives 'a caballo', ¿hay diferencia de facilidades a la hora de hacer conciertos en locales,  salas…, donde se apuesta más por la música en directo?

La realidad es que en Irlanda no pasa un solo día sin que haya música en directo. Como ya dije, es parte de su cultura y la tienen presente en todo momento, aunque ahora España ha pegado un giro y hay bastante más música en directo de la que había antes.

- Aquí en España la presencia de la música en TV se reduce a los programas caza-talentos y poco más, ¿qué te parece esa situación? No sé si en Irlanda es así también, ¿qué opinas sobre estos programas, alguna vez te has planteado presentarte en alguno?

- Nunca me lo he planteado, mi opinión es que son programas de entretenimiento. Los respeto pero no dan lugar a la imaginación de los artistas. Hay muchas normas y les hacen imitar a otros músicos y cantantes, y para mi cada uno tiene su esencia y es muy importante trabajar en ti mismo y no copiar lo que ya hacen otros.

- Love & Hate es tu primer disco, grabado en 2013 en Dublín. Cuéntanos un poco como se gestó este disco.

- Fue un proyecto muy excitante. Como todo músico, tu primer disco es soñado y no te lo crees, hasta que no lo tienes en tus manos. Tuve la suerte de grabarlo con el productor y guitarrista Bill Shanley (Mary Black and Ray Davies), con quien tuve una gran conexión trabajando y coincidíamos en muchas ideas para las canciones. Gracias a él y a su buena elección de músicos, podemos escuchar como bajista a Rob Malone (David Gray) y como bateristas a Liam Bradley (Van Morrison) y Binzer Brennan.

- Para el que todavía no lo ha oído, ¿qué se va a encontrar cuando le dé al play a Love & Hate?

- Love & Hate es un álbum con esencia blusera pero muy actual. Van a escuchar varios estilos desde baladas hasta canciones bailables con un toque rockero.

- ¿Un disco imprescindible?

- Soy amante de todos los discos de B.B. King. No te puedo nombrar uno en particular pero si puedo decirte mi canción favorita, With a little help from my friends, la versión de Joe Cocker en el Woodstock 69.

-  Estás ya preparando tu nuevo disco, si puedes cuéntanos algo del que será tu segundo disco y cualquier cosa que quieras compartir con nosotros sobre tu trabajo, nuevos proyectos, conciertos...

- De momento estoy preparando mi nuevo single para finales de marzo, estamos terminando de masterizarlo y preparando el vídeo. Se titula It's gonna rain, tiene un aire sureño con algún toque de blues, un tema original y espero que guste.

- ¿Hay alguien con el que te gustaría especialmente compartir escenario?

- B.B. King.